关于钢琴演奏触键的思考

□乔英明

在钢琴演奏中，触键的方式直接决定所弹出的音色，也就直接体现出演奏者对作品的理解及演奏水平。所以，如何触键是每个演奏者都应去探究的一个问题。触键不仅依靠手指的技术，还需要身体的配合，以及演奏者对音色的鉴赏力及对作品的理解力，也需要大量的练习。也就是说，触键水平是由演奏者整体的艺术修养所决定的。笔者根据自身的学习经历及演奏经验，从五个方面探究如何触键：（1）触键与身体的关系；（2）触键与音色鉴赏之间的关系；（3）触键与作品之间的关系；（4）触键与练习之间的关系；（5）触键与艺术修养之间的关系。希望可以为广大钢琴演奏者提供参考。

一、触键与身体的关系

演奏触键确实需要手指的支撑与力量，但仅仅依靠手指的力量是远远不够的，触键需要整个身体的力量贯通配合。需要强调的是，触键运用的身体力量是处于放松状态下的“自然力量”，这是因为只有在放松状态下才可以将身体的力量集中于指尖。学琴时，教师会告诉学生身体要放松，包括手腕、胳膊、肘部、肩膀及背部等部位的放松。这不仅仅是为了保持一个没有多余负担的轻松演奏状态，更重要的是为了力量的畅通。只要有一处关节不够放松，那么力量就会受阻，从而影响身体的力量充分进入指尖。之所以要充分运用身体的力量，主要有两个方面的原因。首先是技术层面的要求。古典主义时期以来，音乐作品所要求的演奏技术越来越高，身体不够放松必然影响手指的灵活及弹奏的力度。其次就是音色的要求。声乐演唱要求唱出美妙动人的声音，同样，弹奏钢琴也要弹奏出饱满、通透、动听的声音。钢琴是击弦乐器，杠杆原理发声，这就决定了不同方式与力度的触键可以产生不同的声音。如果身体某一部位不够放松，那么声音必然不够饱满；如果不运用身体放松的自然力量而使用紧绷的外部力量去弹奏，那么声音一定是不通透的，甚至有可能是尖锐的。

二、触键与音色鉴赏之间的关系

触键弹出什么样的音色，与音色鉴赏息息相关。所谓音色鉴赏，也就是用耳朵去听自己弹出来的声音，然后识别弹出的音色怎么样，进而进行演奏状态的调整。这就要求演奏者会听，能够识别所弹出的音色。当然，音色鉴赏能力的提升需要一个长久的过程，并且要经过专业教师的指导。笔者一直记得导师讲过这么一句话：“对于自己的弹奏，一定要挑剔。”这“挑剔”就包括对自己所弹出的音色要有“要求”，带着“要求”去听辨自己所弹出来的音色。如果感觉不好听就要思考如何进行演奏状态的调整才能弹得好听。如果感觉自己弹得好听，达到了自己的要求，那就应该思考如何才能弹得更好听，进一步提高自己的要求和标准。演奏者只有不断挑剔自己弹出的声音，不断地进行演奏状态的调整，才能提高自己的音色鉴赏力及演奏水平。

三、触键与作品之间的关系

不同的钢琴作品必然需要不同的音色来演绎，也必然需要不同的触键方式。所以要想弹好一首作品，演奏者在弹奏之前就应该对所要弹奏的作品进行充分的了解。要想了解作品，演奏者就要掌握是哪位作曲家处于什么时期创作的，处于什么样的背景；分析运用了哪些创作手法（调式、和声与曲式等）；思考作品应该是什么风格，表达了什么内容与情感。对作品有了基本的认识后，演奏者还要去听作品的演奏（一定要听多个版本），之后就要在脑海中联想自己对这部作品想要的音色，带着自己想要的音色去触键弹奏，根据自己想要的音色不断进行演奏状态的调整。比如，弹奏巴赫的平均律，在了解到作品所需要的音色颗粒性很强时，那么在弹奏时，演奏者就要加大手指触键的力度，加快手指触键的速度，使弹出的声音具有很强的颗粒性。又如，弹奏肖邦的夜曲，由于作品需要非常连贯且富有歌唱的音色，那么演奏者就需要慢速触键，将身体力量充分集聚到指尖，将腰部作为重心进行力量转移。只有整体的力量贯通，才可以弹出非常连贯的音色。再如，弹奏李斯特的狂想曲，由于“弗利斯卡”部分的大和弦需要很强且具有穿透力的音色，那么演奏者就需要放松身体，使力量全部集中在腰部，以腰部为支点（也可以运用腿部支撑的力量）推动并配合手指支撑，使力量集中于一个“点”快速触键弹奏，弹出较为饱满并具有“爆发力”的音色。所以，触键弹出什么样的音色一定要基于对作品的了解。这也说明，钢琴演奏者不仅要学习钢琴演奏方面的知识，还要认真学习音乐史、曲式与和声，多查阅与作曲家相关的书籍与资料，加强自己对钢琴作品的理解与分析能力。

四、触键与练习之间的关系

所谓“练习”，就是平时经常说的“练琴”，多练习对触键能力的形成有至关重要的作用。笔者从以下几个方面分析如何练习可以更好地提升触键能力。

第一，一定要带着正确的意识去练习。正确的意识是指在练习的过程中一定要有前进的方向和目标，明确应该要达到什么样的演奏状态，弹出什么样的音色。当然，这必须有专业教师的指导，笔者还记得导师在课上进行演奏示范时说过这么一段话：“意识是走在实践前面的，要首先了解这个演奏状态弹奏出的这个音色是更好的，记住更好的演奏状态与音色，通过练习慢慢达到。”所以，演奏者一定要有正确的意识，带着更高的目标与追求去练习，不要只局限于将谱面上的音符弹下来。

第二，一定要带着思考去练习。上文中已经提到了带着正确的意识去练习，有了正确的意识，在练习的过程中就要积极思考。在练习中，首先，演奏者要根据作品思考要弹出什么样的音色，然后再思考用什么样的状态弹奏可以达到所要求的这个音色。这个状态首先是身体的状态，即保持放松，腰部的支点要支撑，双脚也要辅助支撑。其次，演奏者要思考手指在触键弹奏这个音色时需要多大的力度，需要腰部辅助多少力量，大臂、小臂与手腕等辅助多少力量，协调好之后再去触键弹奏。当然，触键弹奏出声音后演奏者还要去听所弹出的音色，根据音色鉴赏来辨别所弹出的声音是否好听，是否符合作品的要求，以及是否符合专业导师所指导的音色；如果不符合，就要及时调整演奏状态，再去思考练习。以下笔者用谱例表达如何协调练习来提高触键演奏水平。

以李斯特匈牙利狂想曲第104～110小节为例（见谱例1），弹奏这部分首先要了解匈牙利狂想曲体裁及这部作品所蕴含的背景知识。通过查阅资料可知，匈牙利狂想曲结合匈牙利吉卜赛民间音乐创作，具有民族性及交响性。这部作品创作于1853 年，表达了李斯特内心对现实的悲愤，以及对匈牙利祖国人民悲惨命运的同情，体现出李斯特深切的爱国情怀。

对作品有了基本的了解后，演奏者可以去听多个演奏版本，并结合自己对这部分音乐的理解及导师给出的指导，确定自己要弹奏出的音色，以及弹出这种音色所需要的演奏状态。由谱例1 可以分析出主旋律在左手，主要由连续进行的八度构成；伴奏在右手，主要由连续的震音构成，以推动旋律的前进。左手连续进行的八度需要模仿匈牙利大扬琴的音色，弹出坚定、连贯的声音；右手的震音需要模仿吉卜赛小提琴的音色，弹出带有震音共鸣的声音。由所要弹出的音色可以分析出演奏状态，即需要身体放松，腰部支撑辅助发力，也就是将身体的力量贯穿到指尖；触键时手指支撑，并且保持手臂对力量的横向牵引，把声音弹连贯。因为这部分音符密集，所以延音踏板不能过多使用，在拍点处踩一下即可。在了解后，演奏者就要带着正确的意识结合演奏状态与音色进行思考练习，刚开始一定要慢练，练的时候要听弹出的音色，进行自我鉴赏，并结合演奏状态进行调整，逐步练习，慢慢达到标准速度及自己想要的音色。当然，完成这些也并不意味着把这部分真正弹好了，演奏者还要结合导师的评价，继续进步，不断改进，精益求精。笔者的导师曾告诫笔者：“不要给自己设限，永远要以更高的标准要求自己。”所以我们要树立这样一个观念，对演奏的追求只有更高没有最高，不断追求、不断进步，使自己的演奏水平越来越高。

谱例1 匈牙利狂想曲第十二首104～110小节

第三，触键能力的提升是一个长期的过程。练琴本身就是一个非常漫长的过程，演奏者只有不断练习，不断提升自己的基本功，才可以量变引起质变，提升触键演奏能力，弹出更好听的音色。

五、触键与艺术修养之间的关系

艺术修养程度直接决定触键的深度，所以也就体现出演奏者的演奏水平。钢琴演奏者必须提高自身的艺术修养。而艺术修养的提高是一个漫长的过程，并且会涉及方方面面。并不是只学习相关的专业知识就可以提升艺术修养，自身学习、生活、经历与思考的一切皆可以提升艺术修养。首先要带着感受“美”的心态去生活、去发现，并体验生活中的美。每天所看到的风景、所读的文章、所看的电影、与朋友的交谈等，都可以为我们带来美的感受，所以我们要带着美的心态去记录这些感受。艺术本就源于生活，提炼的是生活中的美，所以演奏者一定要学会去感受生活中的美，带着“美”的感受去触键弹奏，并且要结合专业知识进行思考，即什么样的触键状态可以弹出带来美的感受的音色及更有意境且饱含情感的声音。其次要带着热爱艺术的心态多加学习，除了学习专业知识，还要了解美学、文学、美术、书法等，因为艺术是相通的，对其他知识的了解可以拓展对艺术认知的深度，从而进一步提升自身的艺术修养，使自己触键弹奏的声音充满内涵，真正达到“人琴合一”的演奏境界。

钢琴触键关系到方方面面，需要演奏者不断学习与钻研，保持匠心精神去实践，以不断提升自身的演奏水平。