声乐表演艺术的特性与情感表现方式

作者简介：王海珍（1986-），女，甘肃临夏人，本科，三级演员，从事声乐演唱研究。

摘 要：歌唱是一种直接反映音乐作品情感和内涵的艺术表现形式，因此在歌唱的过程中，需要表演者运用自己对音乐作品的理解以及表演艺术、肢体语言等手段，将个人的表演风格与对音乐作品的理解和诠释充分结合起来，呈现出充满灵性和情感内涵的表演。这不仅是一种音乐作品的表演方式，也是演唱者在音乐作品的基础上进行二次创作，表达自身情感和精神的融合过程。基于此，本文分析了声乐表演艺术的本质和特征，并探讨在声乐表演中进行情感表现的途径。

关键词：声乐表演艺术；特性；情感表现

中图分类号：J616文献标识码：A文章编号：2096-0905（2023）35-00-03

演出是音乐创作与欣赏之间的一种衔接手段，透过演出，可以将音乐作品中所蕴含的内容与思想直接展现出来，并与听众建立起一种情感上的联系。演奏家们有着自己独特的表演方式，他们在演唱过程中，会依据自己的经验和知识，对音乐进行二次甚至更多的创造，从而将音乐中的感情升华。通过对演唱特点、演唱情绪表达方法的研究，可以有效地提高演唱效果。

一、声乐表演艺术的本质

（一）创作与鉴赏的中间环节

创作和赏析是构成声乐表演艺术的两个基本要素。创作者通过运用音乐、歌词、声音等元素，将自己内心的感受和想法以艺术语言的形式表达出来，产生艺术作品并展现在受众面前；而观众调动听觉与视觉，感受其情，领略其美。对于有些艺术作品来说，如果以静止的方式展现很难让受众体会到其美感，因此就需要将演出穿插于创作与鉴赏两大环节中。

声乐表演艺术中创作和表演有着紧密的关系，各自都有极为重要的作用。起初，创作者和表演者的角色是互相独立的：作曲家和词作者在声乐表演艺术中扮演着核心的角色，他们运用自己的艺术才华和创造力，将内心的情感和想法转化为音乐和歌词，这种创作过程赋予了声乐作品独特的艺术价值和魅力；而音乐家将作曲家的作品转化为实际的表演，他们通过演唱技巧和对作品的理解，将音乐和歌词融合在一起，为观众呈现出生动、真实的艺术体验。可以说，创作和表演在声乐表演艺术中相互依存，相互影响。作曲家的创作提供了作品的框架和灵魂，而音乐家的表演则为作品注入了生命和活力。这两者共同塑造了声乐作品的艺术形象和情感表达，但也正是创作与表演的彼此独立，使得声乐艺术得到了迅速的发展。

（二）对作品的再创造

演出就是把宁静的乐谱用多种乐器表现得淋漓尽致，让听众直观体会声乐艺术之奇妙。在演出前，表演者与创作者进行充分的沟通是非常重要的。通过了解创作的背景、目的和思路，表演者可以更好地理解和分析作品，从而全面消化作品。这种沟通有助于表演者准确把握创作者的表达意图，为成功的演出打下基础。在表演过程中，表演者通过演唱和伴奏的形式与观众进行交流。这不仅需要表演者具备高超的演唱技巧，还需要表演者具备较高的艺术创造力和表现力。表演者需要根据创作者的意图，将作品中的情感和内涵通过声音传达给观众，使观众产生共鸣和深刻的体验。

优秀的表演者会在表演过程中，通过观察观众的面部表情、肢体语言等，了解他们对演出的接受程度和反应，以及自己在表演中的优点和不足，明确观众对演出的需求和期望。通过不断调整表演内容和细节，声乐表演会变得更加精彩和完善。除此之外，即使面对同一作品，在不同场演出中听众鉴赏的心情是不一样的。演唱者经过几次调整与完善，可以增强其艺术欣赏价值，使得作品生命力越来越强，并推动听众对其认识与鉴赏[1]。

二、声乐表演艺术基本特点

（一）创造性和特殊性

不同的歌唱者对音乐作品和声乐表演的看法，以及他们的声乐素质是截然不同的，这使得艺术表演的效果在很大程度上受到表演者的個人风格和声乐素质的影响。首先，不同的歌唱者对音乐作品和声乐表演的看法是截然不同的。他们可能会根据自己的理解、情感体验和技巧来重新塑造和诠释作品。例如，在演唱同一首歌曲时，不同的歌唱者可能会通过不同的音色、力度、速度和情感表达来展现出不同的个性风格和艺术魅力。这种创造性使得声乐表演艺术充满了多样性和独特性。其次，声乐表演艺术的特殊性特点在很大程度上与表演者的声乐素质有关。每个歌唱者的声音条件、技巧、风格和表现力都是独一无二的。这种特殊性使得每个歌唱者在进行声乐表演时都有其独特的方式和效果。例如，有些歌唱者可能擅长演绎抒情的慢歌，而有些则更擅长演绎欢快的快歌。这种特殊性使得声乐表演艺术具有不可替代性和独特的艺术价值。

总之，对于声乐表演这一艺术展现形式来说，演唱者必须重视音乐作品艺术内涵与表现形式的核心内容，充分发挥自身的独特创造性，从而开展声乐艺术表演，而非进行机械性的模仿和简单的输出。

（二）仿效性

声乐表演艺术的仿效性特点主要体现在学习和模仿、传承和发展以及示范和影响等方面。一方面，在声乐表演艺术的历史发展过程中，许多经典的声乐作品和表演风格被后来的歌唱者不断模仿和传承。这种模仿不仅是对前人的致敬和学习，也是对自己声乐表演艺术的不断提升和发展。通过模仿和创新，歌唱者能够延续和发扬声乐表演艺术的传统，同时也为观众带来了更多的艺术享受。另一方面，声乐表演艺术的学习过程中，模仿是一个重要的环节。学习者通常会通过模仿优秀的歌唱者或教师的表演技巧和风格来提升自己的声乐水平。这种模仿可以帮助学习者更快地掌握基本的演唱技巧和表演风格，并在此基础上逐渐形成自己的风格。同时，优秀的歌唱者也通常会成为其他学习者或观众的模仿对象。他们的表演风格和技巧会对其他人产生示范和影响作用。这种影响可以激发更多人对声乐表演艺术的兴趣和热爱，并推动声乐表演艺术的不断发展和创新。

值得一提的是，仿效性特点并不意味着简单地复制或模仿，它要求歌唱者在模仿和创新中保持自己的风格和特点，为声乐作品注入新的活力和创造力。这样才能有效提升他们的现场表演能力与情感传达技巧，使声乐表演更具创造性和艺术美感。

（三）美学特性

一方面，声乐表演艺术的歌词具有意境美。歌词不仅是声乐作品的一个重要构成，更是在表演中连通创作者、表演者与观众的一座桥梁。所以，表演者进行声乐艺术表现时，除了将自身高超的专业技艺融入演出中，也要重视歌词所传达的创作情绪，并将个人感受与体验融入其中，使得声音能够更加接近歌词意境，方便观众欣赏声乐作品中的美感。另一方面，声乐乐曲的旋律美。除了歌词的优美和意境，声乐表演还必须与优美的旋律相协调，使音型、节奏等音乐元素娴熟，使声乐表演形成一个有机的整体，确保声乐作品能更加高效地传递出其艺术感染力[2]。

三、声乐表演中情感表达的重要性及原则

（一）重要性

在当代社会中，人们的审美能力在持续提升，对美的追求也逐步提高，越来越多的人对声乐表演这一艺术表现出了浓烈的兴趣，同时对演唱者来说也必然面临更高层次的要求。演唱者需将其独特的表演风格与个人艺术思想融入音乐作品中，它要求声乐技巧、声乐表演艺术特征和情感表达等方面的深度融合，从而让听众在欣赏音乐的同时，也能深刻地感悟蕴含于音乐作品背后的情感美学。

声乐虽然也是一门声音的表演艺术，但是情绪的表现却是非常重要的，因为所有的声乐演出都带有一定的感情色彩，只有感情色彩丰富，声乐艺术才能走入人们的内心。因此，在开展声乐演奏教学的时候，一定要强化对学生的情绪的培养，教育者应注重培养学生的情感，采用行之有效的方法为学生创造一個能够真实表达情感的环境，鼓励他们在情感环境下恣意地表现自己，进而才能有效地提高学习效果。在此基础上，以声乐表演为主的音乐艺术表现也有其独特的魅力。在抒发感情、提升艺术境界时，除了要有好的声音外，更要有一种内在的感情与情调，以其为艺术表现的原动力，把作品的艺术价值呈现推向一个更高的层次。

（二）声乐表演中情感表达需要坚持的原则

声乐表演艺术中表演者对个人情感和音乐感悟的运用是非常重要的。不同音乐作品的创作渊源和作曲家的风格迥异，为了提高声乐表演的实际感染力，遵循以下的原则可以帮助表演者更好地表达音乐作品中的情感，以提高感染力和共鸣效果。

第一，时代性原则。在声乐表演中，表演者需要考虑当代观众的审美体系，以及所表演的音乐作品的创作者所处的时代背景。为了符合这一原则，演唱者需要将音乐作品所代表的时代与自己当前所处的时代进行自然过渡，实现艺术表演形式与音乐作品的和谐统一。这样可以使听众获得全新的体验，感受到音乐的时代性和表演者的情感表达[3]。

第二，历史性原则。音乐作品都是在特定的社会文化环境和历史时期创作出来的，这些不同的环境会影响音乐作品的艺术风格和情感表达。表演者演唱乐曲之前，首先要明确该作品应归入哪一类，其次要对该作品的创作背景，当时的艺术氛围，以及作者的创作风格等进行系统的分析。最后，以此为基础，对情感表达体系进行筛选，以保证所选择的情感表达方式能够实现真正的艺术传达效果。

四、声乐表演中强化情感表现效果的方式

（一）深刻感受乐曲中蕴含的情感

音乐作品多种多样，蕴含着丰富的情感，表演者需要熟悉这些作品，才能体会其中蕴含的情感。声乐艺术作品通常都具有丰富的内涵和多元的情感传达形式，这是因为创作者所处的时代不同，生活经历和精神面貌思想也有区别，并且不同创作者受到个性、偏好等诸多因素的影响，在曲风上亦有所区别。

对此，表演者应该把内容与曲风相结合，反复推敲、体验歌曲中的感受。表演者在面对音乐作品时，需要尽可能地了解创作者的创作背景、人生经历和创作过程。通过这一环节，表演者可以更好地理解音乐作品的主题、情感和风格。这些信息有助于表演者体会创作者在创作过程中的心境、情感状态以及审美追求，从而更准确地表达音乐作品中的情感和内涵。此外，了解创作者的创作过程也可以帮助表演者更好地理解音乐作品的创作思路和表现手法。当演奏者通过各种途径，对歌词内容和情感有了充分的了解之后，在演出时就能营造出鲜活的场景，把听众的感受带入其中，从而引起听众与作品之间的情感共鸣。

（二）融入表演者感情

表演者只有将自己的理解与情感融入演出中，才会让音乐作品历久弥新，始终充满活力。表演者要想增强自己的艺术表现力，就必须在内容与感情上深入挖掘作品，通过对作品的钻研琢磨，不断地在作品中寻找细节、获得新的感悟，并与作品建立起感情联系，体验和分析作品中所包含的情感和思想，激发创作的动力与激情。

表演者依据自身生活体验赋予作品情感，表现作品时会情不自禁地进行想象，并以多种方式将理解融于其中，将微妙的感受加入作品细节中。每个表演者的生活经历、教育背景和自我成长经历都是独特的，他们将自己的情感融入作品的方法和出发点也会因此而有所不同。这种差异使得表演所体现的情感细腻而生动，为音乐作品注入了新的生命力。从情感表达的角度来看，单纯地表现创作者的情感确实可能使表演内容显得重复，从而影响作品价值的体现，所以表演者应该依据自己的情感与思想，为作品带来新的生机，让听众在每一次欣赏音乐表演时，都能获得不一样的感官和情绪体验，从而实现艺术表演应有的价值[4]。

（三）情感表演的演唱技巧

在表演过程中，表演者要利用恰当的演唱技巧来表达情绪，对歌曲展开演绎，并演唱多种声乐作品，利用不同的演唱风格和节奏，将声乐本身的独特性发挥到极致，让观众产生共鸣。在真实的演出中，需要表演者能应对气息停顿、音调变化等问题，突出音调的转变，这样才能让音乐更加吸引人，让情绪表达更加立体。

不同声乐作品所抒发的情绪各不相同，这就要求表演者运用不同的演唱技巧来进行展现。所以在解读音乐作品的时候，一定要挖掘其背后所蕴含的深刻含义，并准确地把握这首作品中情感表现的宣泄点和情感起伏变化，并在此基础上逐步调整歌唱的韵律与节奏，以达到准确地表现作品情感的目的。

（四）肢体动作的情绪表达

从表面上看，声乐表演艺术就是一种表现声音的技巧，但在表演实践中要想使情绪能够更加有效地表现出来，这就要求表演者设计出一套合理、合适的身体动作，利用身体动作的和谐变化，将对声乐作品的内在理解转换为外在表现，从而达到内外的高度统一。在现实生活中，一名声乐表演者一定要有扎实的基本功，才能在演绎声乐作品的时候，将身体的动作进行协调，并以自己对作品内涵的认知和理解为依据，来调节自己的动作幅度和表演风格。在演唱过程中，表演者也要注意表情的传达。比如，当演奏的曲子内容丰富时，表演者的面部表情就必须生动并富有感染力。反之，当表演一些悲伤的、感性的作品时，表演者的面部表情必须传递出这种情绪的悲伤，这样才可以让观众、表演者和作品之间产生一种比较完整的共情感受，让观众可以在最短的时间内，将自己代入作品的情境中[5]。

五、结束语

随着时代的发展，声乐表演艺术也呈现出了鲜明的特点，因此为了更好地展现音乐作品的艺术性和内在价值，需要表演者不断地提高自己的文化素养与艺术感知能力，并通过了解历史背景、社会文化等信息，将作品中所蕴含的时代特点表现出来，在此基础上，将作品中的情感和内涵真实、生动地展现给观众。只有这样，才能引起观众的情感共鸣，增强声乐表演艺术的感染力。

参考文献：

[1]塔玛夏·托力克巴衣.声乐表演艺术的特性及情感表现方式研究[J].戏剧之家，2023（19）：89-91.

[2]冷妍.探讨声乐表演艺术的特性及情感表现方式[J].参花（上），2022（10）：59-61.

[3]田雨禾.声乐表演艺术的特性及情感表现方式研究[J].艺术大观，2022（19）：22-24.

[4]高刚红.声乐表演艺术的特性及情感表现方式探究[J].时代报告（奔流），2022（05）：62-64.

[5]郝晓键.论声乐表演艺术的特性及情感表现方式[J].明日风尚，2022（10）：17-20.