谈乐队小提琴演奏特征及训练

万萌

（南昌交响乐团，江西 南昌 330000）

现代意义上的小提琴源自意大利，至今经历几百年历史，在制作工艺和演奏技术上日臻完善，成为了大众日常音乐生活中不可或缺的重要乐器。由于小提琴演奏音域宽广，技术表现力强，所以它一直是人们非常喜爱的独奏乐器，同时也是交响乐队中必不可少的旋律声部乐器。提到交响乐队中的小提琴演奏，自然就与独奏时的小提琴演奏有所区别。可以说是相对特殊的一门专业演奏技术，它源于最基本的小提琴演奏技术。因此，在乐队中的小提琴演奏是否运用正确、合理，会直接影响到整个弦乐声部所展现出的演奏状态和声音状况，甚至关系到整首乐曲的音乐形象。所以，如何在乐队演奏中运用正确合理的小提琴演奏法是需要指挥按音乐需要去要求乐队，同时演奏员要能迅速领悟指挥意图才能正确完成的。

一、交响乐队小提琴演奏的特征

交响乐队主要靠弦乐、铜管、木管、打击乐四大乐器声部组合而成。组成乐队的每一位演奏员对于整个交响乐队来说都具有独一无二的作用。他们在指挥的引领下，高度集中、默契配合才能创造出美妙谐和的音乐。所以说交响乐演奏也是音乐团体艺术再创作的一种表现方式。既然是团体艺术，那就一定有别于个人艺术，也就是共性与个性的区别。那么对于乐队中的小提琴演奏员来说，具有高度的统一性。乐队的高度统一性就是为了能够创造出完美的音乐了。这种高度的统一包括了乐队演奏员在演奏思想上、演奏方法上的统一。所以，高度的统一性是乐队演奏的根本原则。

乐队中的小提琴演奏首先要学会如何“跟从”，这与独奏中强调个性的表现，有着本质的区别。独奏好像是在“引领”，感性的演奏状态多些，指挥有时也要跟着独奏。但乐队中的演奏就完全不同了，需要学会“跟从”，理性的演奏状态占主要位置。比如:乐队中的小提琴声部(第一和第二小提琴)加起来有三十多人，每个人就不可能有个性化的演奏，而是需要整个声部像一个人在演奏，要学会谨慎的演奏并融入到声部里面，是一种群体的演奏音效。所以，在乐队中演奏讲究的是“跟从”与“收敛”。

在乐队这个大家庭中，每个乐队演奏员都要有荣辱与共的精神。心往一处想，力往一处使。业务上互相切磋，互相帮助。这样随着时间的推移，大家会更加包容，更有默契。对工作上也会起到事半功倍的效果，同时也创造了属于自己团队的鲜明个性。

二、小提琴在乐队中的演奏技法

小提琴在乐队中的演奏是非常讲究的，主要集中体现在弓法与指法这两个方面。在制定弓法与指法时要考虑的方面很多，比如:音乐的处理、音乐形象的特殊需要以及群体演奏的效果和难易度等等。小提琴基本的弓法与指法，实际上就是小提琴演奏的左右手技术。如:(左手)单音、双音、换把、泛音、揉弦、滑奏等，(右手)分弓、连弓、换弦、拨弦、顿弓、跳弓、抛弓、连顿弓等。只是同样的技术在乐队中演奏时，却有着不尽相同的演奏方法和处理方式。

（一）弓法

右手技术。具有统一性的，而且是各种运弓技术的总称。小提琴在乐队中演奏时，往往对右手的要求要高于左手。右手技术在乐队里的运用不仅仅是停留在如何连弓、分弓、跳弓等大方面的运弓问题了，而是需要进一步提高到如何运用正确的弓段、合理的触弦部位、变换多端的弓速这些方面。可以说在运弓方面，乐队中对小提琴演奏的要求要多于独奏时的演奏。

1.弓法的整齐和统一。交响乐队的演奏是群体性的，要求各声部协调一致，体现了完美性和一致性。它不仅是听觉的艺术，同时也是视觉的艺术。人数众多的小提琴声部更是如此。因此，弓法的整齐划一尤为重要。整齐的弓法能够带来理想的音响效果和演奏状态的一致。能够完美体现作曲家和指挥家的意图。

如演奏贝多芬《艾格蒙特》序曲，开头前5 小节的弦乐部分，是比较经典的统一弓法段落。第2、3、4 小节前两个二分音符的连续下弓，鲜明的反映出全曲将要表达的一种不可调和的敌我矛盾和古代西班牙宗教葬礼仪式音乐的萨拉班德舞曲节奏特点，严峻而沉重。通过这个弓法将贝多芬所期望表现的西班牙殖民者的暴虐和压迫显现无疑。

当然，弓法的统一有时不是绝对的。在演奏某些作品的特定段落时，指挥根据音乐上的需要，要求换弓换弦没有痕迹。在这种情况下弓法就不能绝对统一了，而是需要演奏员交错换弓换弦，以达到乐曲音乐上所期望表现的更高层次的统一性。

如德彪西《大海》第三乐章方块52-5 3 后的第一小提琴分谱，要求八个一提琴分奏(Div.)的一段间奏，演奏时需要非常的弱，但又一定需要流动和连贯，不能听到明显的换弓换弦痕迹，否则就一定会破坏音乐的表现力。如果八个人都按原谱划线每四个音换弓的话，那么一定会有明显的痕迹，但按重新画的弓法演奏，里外档不仅交错换弓换弦，甚至连换把都错开了，这样的弓法处理一定更能体现出理想的音响效果。

2.严格的弓段。乐队中小提琴的演奏对于弓段的要求非常严格，因为这会直接关系到整个声部所演奏出的整体效果。

（二）指法

在乐队演奏中主要的要求是简练而精准。因此指法的编配、操弦的正确运用以及音准问题是左手最需重视的几个方面。

1.合理的指法。小提琴在乐队中演奏时，指法的编配虽不是处处像弓法一样需要统一，但一定要有其合理性。衡量的标准就是编配是否符合音乐的需要及运用是否方便。

例如柴可夫斯基芭蕾舞《天鹅湖》，数字2 号前的14 个小节第一小提琴分谱，是一个非常简单的谱例，但也是需要指法统一的典型地方。我在乐谱上标注了指法，达到目的只有一个，保持在一根弦上不要换来换去。这个指法最大的好处就是音色的统一。著名华裔指挥家、小提琴家林克昌先生曾经在排练中讲过同一根弦，同一种色彩的道理。而且这种指法同时也避免了频繁换弦造成的不整齐。

再如莫扎特歌剧《费加罗婚礼》序曲，分谱开头的7 个小节，表明了小提琴在乐队演奏中指法编配的唯一性这个特点，可以说没有第二种选择，必须统一。否则整个声部在Presto(急板)的速度下又必须弱奏时不可能整齐，况且这段旋律本身就比较绕手。

2.揉弦的正确运用。在独奏时，左手“能操则操”，目的只有一个，就为了让声音更加富有色彩。但在乐队中演奏时，揉弦的运用要从整体音乐的需要有时需要连绵不断，而有时则要求不能操。

3.音准问题。乐队中的音准更大程度上是群体的音准、调性的音准。因此，对于乐队演奏员来说，除了保持自身左手基本技能以满足对音准的技术要求外，更重要的是要学会用耳朵去听，去“靠”，要会随时调整自己的音准以适应群体的音准需要。

三、乐队小提琴演奏的规范训练

纵观小提琴在乐队中的一些基本演奏特点，如何提高乐队演奏员的演奏技能，这是需要在指挥的帮助下，通过日常排练的严格要求才能达到的。所以，养成乐队演奏员的良好演奏习惯，离不开指挥的指导。

（一）提高右手的运弓能力

对于小提琴在乐队中的演奏来说，右手的训练可谓是重中之重。在现阶段我国音乐学院的教学中，老师们过多的是强调了对学生左手技术的训练而忽视了对右手运弓的训练。然而，在乐队演奏中右手运弓的正确与否，直接关系到乐队所演奏出的音响效果。所以，在日常的排练中指挥要有明确而统一的要求，比如:在弓速方面，fp 的演奏，要求在拍点上弓快速统一的拉到弓尖(或上半弓偏上)部位。sfp 的演奏也是要求弓快速到弓的上半部，只不过区别在于要求加速在拍点后面一些。(重音)的演奏，要求有时靠弓速，但有时仅仅是音乐语气时，可能只需靠揉弦就行。震音的演奏，在f 时弓段靠近中弓，弓要拉得宽些;P 时弓在弓尖部位，靠近指板演奏，如果是P 开弓演奏震音时，则需要用V 弓(上弓)开始，这样就不会有一个人为的重音。跳弓的演奏是靠弓自然落下后，右手横向加速造成，可以控制速度。跳弓在乐队中演奏时往往不需要离弦太高，要学会控制弓子跳得低些，甚至看不见在跳，但·(点)的颗粒性还是要有的。贝多芬《第三交响曲》的第三乐章就是个典型例子。当然还有弓法是否统一、弓段部位是否一致以及弓触弦的部位是否统一等等，这些都是需要指挥根据不同的作品去统一要求的。而且，同时指挥必须要求声部里的每个人都要学会看首席的运弓。因为只有运弓统一了，音色才会统一，音乐形象也就正确了。

（二）左手的音准训练

在乐队演奏中，音准是衡量左手最重要的技术标准。同时，音是否准确也是演奏的原则问题，毕竟交响乐演奏还是一门以听觉为主的艺术。首先，平时除了要求演奏员要保持足够的自身练习以保证左手技能外，再就是排练中指挥要用方法去引导演奏员准确完成了。

（三）要会“看”、“数：、“听”

在排练中，指挥有义务讲解清楚自己对作品是如何划分拍子的，同时要求演奏员要会看指挥的图示、音乐的预示及数拍子。纽约爱乐乐团音乐总监Alan.Gilbert(艾伦.吉尔伯特)在排练中就特别指出要求每个演奏员一定要学会看指挥。因为有时指挥会根据音乐的需要，在速度及音乐表情上会有不一样的处理变化，这时乐队演奏员要会看指挥，立刻领悟指挥的意图才行。对于人数众多的小提琴声部演奏员来说，更是一定要养成主动看指挥的好习惯，而且坐在相对靠后面位置的演奏员还要更主动些，否则你永远会“慢半拍”跟在其他人后面反应，这样无论是在演奏声音上还是在运弓的统一性方面，都会造成与群体的不一致，因此这样是不可能演奏好的。同时小提琴声部因为人数比较多，主动在心里数拍子的人也不多，大家都在指望着首席数，如果首席一旦疏忽就“全军覆没”的事情还是时有发生的。作为职业演奏员这些都是不可取的。另外，小提琴在排练演奏中还有一点非常重要，就是一定要学会听别的声部演奏，指挥在排练中要随时给演奏员指出该听的重要声部，因为只有这样，演奏员才能把自己的演奏融合到乐队中去。多用耳朵去倾听本声部和其他声部的演奏，不能冒在外面，要把自己演奏的音色及演奏法都融合统一到声部中去，这是作为一名合格的乐队演奏员最重要的基本素质。

综上所述，乐队中的小提琴演奏是一门既专业又细致的演奏技术，因此，如果在乐队训练中安排有对小提琴演奏技术全面了解的指挥进行训练的话，对乐队小提琴演奏一定会有事半功倍的效果。