“解放”上肢

摘要：上肢动作对于传达舞者情感的变化具有极其重要的作用。从学生过渡到演员时，通常会因缺乏表演经验而面临上肢僵硬或上肢表现力不足的问题。所以，在打好基本功的同时，学生应该在成为一名优秀的舞者前，意识到“解放”上肢的重要性，并学会如何“解放”上肢。本文就学生过渡到演员时，面临的上肢问题进行浅析。

关键词：舞蹈;表演;上肢;解放

一、剧团更注重舞蹈感觉，演员们爱跳舞，演员们更会跳舞

一段舞蹈是由一个个动作连接组成的。在校学习期间，教师的教学更侧重于学生学习舞蹈的规范性，包括舞姿是否标准、上肢转动的方向和屈伸的程度，动作的基本形态及技巧的运作。而舞团表演更倾向于动作之间的连接，如上肢的伸展性、一个组合做得是否舒展流畅、手和头的节奏是否和谐、一段舞蹈是否有感染力。

在舞台上，如果为了规范性而刻意去摆舞姿，就很容易失去舞蹈的韵味，从而会显得略微单调和僵硬。没有灵魂的表演更像是体操，而不是在跳舞，缺乏感染力的上肢会使舞蹈更像是机械性的运动。学校教学的首要目的是学院派的教学，对舞蹈专业的学生来说是基础的。与学校不同，舞团更需要的是能用上肢表达一定思想和情感的舞蹈演员，是会用肢体来阐释一部舞剧主旨的舞蹈演员。否则就像是在单纯地展示技术技巧组合，而不是在进行舞蹈表演。

二、上了舞台，为了视觉效果，舞姿要放大，上肢必须更自由

以七位手为例，有经验的演员会懂得舞姿发力的正当取舍，会比学生显得更加舒展，使舞姿更有张力。上肢应该“右臂往前伸，手在肩膀前方并与肩同高;左臂往旁伸（手正对左肩与其同高）”[1]。但往往我们在台下所见的Arabesque却不都全是这样的。当老演员在进行表演，面对三点做第一Arabesque的时候，左手就不能“正对左肩与其同高”了。为了显得舞姿更加舒展、上肢线条更长，左臂应该向斜后45度（也就是八点）的方向打开一点，避免了让观众产生演员胳膊、短粗的错觉。上肢解放了，有了延伸感，人物角色便会活灵活现。

三、针对上肢问题的解决办法

（一）在教学中加强对针对上肢的训练

上肢是舞蹈表演中最能直观表现演员情感的“道具”，它有着强烈的情感色彩和表现力。但在日常进行舞蹈训练时，有时往往会因为训练高难度的技术技巧而忽视对上肢的训练。

（二）理解上肢在舞蹈表演时对人物和音乐的重要性

1、理解上肢在进行舞蹈表演时对阐释人物形象的重要性

了解舞蹈中人物的形象和性格特点，理解编导在舞蹈中想要表达的情绪和内容。无论什么角色，上肢都有不同的性格和情绪。用自己的理解尽可能地“解放”上肢，并表达出来。这样才能发挥出一部舞剧最真实的内在精神，向观众展现自己内心情绪的变化，用上肢带动在场观众的情绪。

2、理解音乐对上肢表演的帮助和影响

当然，“解放”上肢的另一方面表现在舞者能用自己的上肢把音乐“唱”出来。首先，要理解舞蹈的音乐节奏的情感，使音乐与舞蹈完美地结合起来，才能充分利用上肢表达音乐的情感。

（三）观看演出和演员上课时，多对上肢动作进行分析与思考

看演出时要感受演员上肢在舞台表演时的感染力、伸展性和动作幅度，思考演员是如何远距离的用上肢带动观众的情绪，与观众的情感产生共鸣。观摩演员上课时，思考演员如何运用并“解放”上肢。例如思考演员在做Tendu时上肢与下肢的协调性，看演员做Adagio时，流畅及富有表现力的上肢动作给你带来了什么美的体验。经过理论与实践的碰撞，让学生充分理解“舞蹈教育的最终结果是舞蹈形象的表现”，使学生领会到“解放”上肢的重要性，充分解放上肢，利用上肢完美诠释舞蹈形象。

（四）在实践和积累中学习“解放”上肢

尽可能让学生在不断地积累中学习学会如何“解放”上肢，在校期间多学习、排练舞剧中的哑剧片段，并鼓励学生多参加社会艺术实践和演出活动，借此让学生提前体会到做演员的感受，来提高上肢的表现力和个人自信心，达到让学生学会“解放”上肢的目的。也可以鼓励学生采取角色自传、角色分析、表演体会等方式进行分析，增强学生的抽象思维能力和理论素质。

（五）跳舞要用心，要投入，要寄情于中

《毛诗序》中有这么一段话：“情动于中而行于言，言之不足，故嗟叹之。嗟叹之不足，故咏歌之。咏歌之不足，不知手之舞之足之蹈之也。”[2]这说明舞蹈的艺术魅力在于肢体能够表达人内心的情感。肢体动作只是舞蹈的语言，最核心的问题其实是让观众知晓舞蹈演员在表达什么。漂亮与准确的动作、让观众难忘的深刻的表达二者缺一不可。所以，“解放”上肢的终极目的，是思想与身体的相互控制和相互依存，再加上一颗为舞蹈而跳动的心脏。这样，舞蹈便有了灵魂，给人以享受，带来心灵上的震撼。

参考文献：

[1][俄]薇拉·科斯特罗维茨卡娅，[俄]阿列克谢·比萨列夫

.俄罗斯古典芭蕾教学法[M].李巧，译.文化艺术出版

社，2011.

[2]卜商（字子夏，春秋时期晋国人）.《毛诗序》.

作者简介：陈任任，广州大学音乐舞蹈学院;孙杰，北京舞蹈学院。