浅析二胡独奏曲《独弦操》的艺术特色和演奏特点

摘要：二胡这一乐器在民族音乐文化中，占有十分重要的地位。它吸取了民族音乐之精华，在不同的历史时期，充分抒发人民情感，弘扬时代精神。用独特的方式将不同时期的民族精神记录并展现出来。本文通过对刘天华先生十大二胡名曲之一的《独弦操》的剖析，透过作品，走进刘天华先生蕴藏在二胡音乐中的伟大民族精神。

关键词：刘天华;中西融会;情感融合;民族精神

一、关于作者及作品

刘天华先生（1895-1932），江苏江阴人，是我国著名的民族器乐作曲家、演奏家、音乐教育家。从14岁时，刘天华先生就开始接触音乐，1912年参加沪西开明剧社，任乐队工作。在这一时期，刘天华先生开始接触西洋作曲理论，为之后的民族音乐创作奠定了坚实的基础。1918年，刘天华先生开始创作《病中吟》《月夜》《空山鸟语》等作品。1923年，刘天华先生开始悉心钻研西洋音乐理论，并对西方和声学进行进一步的研习。1927年，刘天华先生创办了国乐改进社，编写出版了《音乐杂志》，创作了《歌舞引》《改进操》《悲歌》。1932年，刘天华先生创作了《独弦操》及《烛影摇红》，同年6月，刘天华先生离世，在纪念会上有人用这十大二胡名曲标题的首位字联成过一幅十分有意义的挽联：“良月苦独病，烛光悲空闲”。

在刘天华先生的艺术生命中，创作了十首二胡曲，每一首都倾注了刘天华先生饱满的爱国热情。刘天华先生的艺术创作，可以说对于二胡音乐的发展有着里程碑式的意义，从刘天华先生之后，二胡从地位不高的伴奏乐器，走上了舞台，成为了一件独奏乐器，使得中外人士对二胡看法有所改变，二胡也因此进入了高等音乐教育之中，从此在中国民族音乐中的地位大为提升。

刘天华先生在世时虽然尚未能真正达到他理想的“让国乐与世界音乐并驾齐驱”，但他实对于近现代国乐的发展开启了很好的道路，被誉为“二胡鼻祖”。在刘天华先生之后的今天，二胡音乐呈现出多元化的创作风格和演奏形式，已经成为了极具代表性的民族音乐符号，在世界音乐殿堂中大放异彩。

《独弦操》这部作品，又名《忧心曲》，创作于1931年1月。此时正值“九一八”事变发生，全国人民深陷在水深火热之中。国难当头，反动政府对于刘天华先生音乐教育的理念却不闻不问，刘天华先生对此感到十分的悲愤和痛苦，在这种困难的境遇之中，刘天华先生创作了这首《独弦操》，以“独弦”抒“忧心”，这也是刘天华先生一生中最后一首悲剧性的作品。

作品名为《独弦操》，演奏技法上突出一个“独”字，又名《忧心曲》，思想情绪上突出一个“忧”字，乐曲及其演奏就是紧紧围绕 “独” 与 “忧” 两种错综交织的感情展开的。刘天华先生用“独”与“忧”，道出了中华民族在这样艰难的时期，有着怎样的心声，在这样一个特殊的时期，民众灵魂之所在。整部作品充满了刘天华先生忧国忧民的家国情怀。

二、作品艺术特色分析

整部作品都使用二胡内弦进行演奏，二胡的内弦音色低沉，苍劲有力，演奏形式上类似于《G弦上的咏叹调》，此处更彰显刘天华先生“中西结合”的演奏和创作技法。

全曲在深沉悲伤的基调中进行，曲式结构为：

A + B + C + A + B + Coda

乐曲第一段共16个小节，以弱起开篇：

看似简单的两个音符，却将作品沉重的基调坚实地奠定下来，弱起音至第一小节的重音，恰好成为作品开篇的一声叹息。A段速度徐缓，旋律进行上多为小三度、小六度和八度的进行，使得旋律进行越发沉重又充满动荡，展现给听众一幅真实的历史画卷，将局势的动荡，拥有强烈民族自尊心的文人志士，以及抱着强烈爱国热情的进步学生的形象，淋漓尽致地展现在我们面前。

在进行A段的演奏时，力度要与旋律线进行紧密的结合，根据旋律线的走向，旋律线呈上行走向时，力度应随之进行略加渐强的处理;当旋律线呈下行走向时，力度随之进行略加减弱的处理。在速度上，本着遵循作者创作意图的原则，为表现动荡的局势和忧心的情绪，速度处理不应过于平均，弱起小节开始，应进行“长叹”式的稍慢处理，这种力度与速度的处理方法，一直延续到A段结尾，将乐段结束在迷茫无助的思绪当中。

乐曲的第二段与第一段有着截然不同的情绪特征，作者生不再像第一段中，一直处于忧心的自问自答当中，这一段更像是作者带着心中的苦闷，像观众倾诉，将自己满腹的悲愤，满腔的爱国热情，用着一根琴弦向面前的我们诉说：

B段开头共有四个乐句，每一句都一气呵成。仿佛是刘天华先生，站在聚光灯的舞台上，带着满腔的无奈与愤恨，一句一句诉说着对这个社会的不满。在演奏时，弱起小节的音可以稍微借鉴“压揉”的手法，将这种不满的情绪表现得更加深刻，三次相同开头的乐句，一定要进行力度、速度上的不同变化，才能更贴近作者创作的用心，将刘天华先生的爱国情怀，在B段中得到升华。

C段的情绪较A、B段更显明亮色彩，这一段可以理解为是刘天华先生从自问自答与思考中，慢慢地看到了中华民族的希望，不论局势再动荡、再黑暗，中华民族和民族音乐，必定会拥有一个美好的前景：

尾声段落延续了C段的特点，将乐段中的同一主题进行多次反复演奏。与C段的演奏不同的是，尾声处的反复是在渐慢中结束的，仿佛预示着尽管作者满怀信心，但想到现实社会的种种，一切努力也是无可奈何。接下来的乐句，是以模进的形式将乐曲旋律推上最高音，可以由此感受到刘天华先生满腔对国家、民族的爱，对民族音乐的爱，也感受到刘天华先生在这样的社会背景下的压抑与愤恨，最后最高音的结束，给人一种现实虽残酷，但希望仍在的憧憬。

由于《独弦操》演奏是在一根弦上完成的，但乐曲中不乏高音，内弦上的高把位演奏的变化极为丰富。而传统的二胡演奏中，把位分为上、中、下三把，或者是五把。而小提琴地把位划分可以有十多个。刘天华先生在学习小提琴之后，便将小提琴的演奏技法融入在二胡演奏当中。刘天华先生说“胡琴上分为三把是很不精密的，并不能尽其所长，我以为至少可以分七把，多则十二把，以后有暇，当另文专论之。”（《音乐杂志》第二号《月夜及除夜小唱说明》）。

刘天华先生十分善于将西方乐器演奏技法和西方作曲技法融入到传统二胡演奏和作品中来，为以后的二胡音乐创作奠定了坚实的基础。刘天华先生曾说“一国的文化，也断然不是抄袭别人的皮毛可以算数的，反过来说，也不是死守老法固执己见就可以算数的。必须一方面采取本国固有的精粹，一方面容纳外来的潮流，从东、西的调和与合作中，打出一条新路来。然后才能论及进步这两个字。”（《新乐潮》，1927年6月）

三、作品演奏特点分析

《独弦操》这部作品在演奏上，只使用内弦，因此对音色的要求，尤其是对高把位内弦音色的要求非常之高，使得演奏者在演奏时较难把握乐曲情感和情绪的对比。

在这部作品当中，仅仅对于音符进行处理是远远不够的，更需要气息作为处理作品强大的内力支撑，将气息的变化和作品旋律的起伏结合在一起，准确、形象地表现出作品情绪。

二胡这一乐器本身就具有细腻的音色特点，擅于演奏叙事性强的作品。针对这样的作品，如何通过音乐将作品不同的情绪起伏，将作者的情绪情感展现在观众面前，就成了演奏这首作品首先要解决、也是最难解决的问题。

在演奏时，我们说要做到“人琴合一”，就要先做到“意在音先”，即在演奏这首作品时，所有的旋律、乐句乃至音符都需要在脑海中提前构思，演奏时脑海中将提前设计好的作品，通过一根琴弦缓缓流出，才能更加形象地表现出作品中的情绪变化。

如作品的第一句，我们说要演奏出一声叹息的感觉，将作品的“忧心”表现得更加生动。在演奏时就要先将气息和演奏融合在一起，用气息的“叹息”去带动旋律的“叹息”，音符才能够拥有生命力，将后面的忧心之曲娓娓道来。

在作品的第二乐段，情绪起伏较大，强弱变化也较多。在演奏时要将强弱变化和气息紧密结合。特别是在每个乐句的气口，更要做到“音断意连”，用气息支撑着乐句的流动，使得乐句间不留白，整个乐段一气呵成又不失呼吸感。

最后的尾声部分，在演奏时一方面要控制好较高把位的音色，另一方面要将对作品的理解融入到作品中。结尾处以渐慢结束，犹如刘天华先生在无奈之余，抬头望向浩瀚的苍穹，期望从中找到民族音乐的发展之路。虽有遗憾与无奈，但仍抱着爱与希望，艰难前行。结尾处的高音，由强渐弱，犹如星光由亮转暗，音色渐渐淡去，消失在茫茫的夜色之中......

二胡的传统演奏方法是使用双弦，但刘天华先生在《独弦操》中则只使用内弦进行演奏。一方面，内弦音色更为沧桑、深沉，加上这首作品在演奏时，深沉有力的右手运弓，能更加准确地表达“忧心”的主题;另一方面，“独弦”的“独”字，更象征着刘天华先生“念天地之悠悠，独怆然而涕下”的悲伤与孤独，刘天华先生用这样一种独特的演奏方式，表现出了一种别样的孤独与悲凉。

刘天华先生毕生献身于民族音乐的振兴与发展，正因如此，他才坚持将当时难登大雅之堂的二胡，从历史的幕后带到了台前，让它的魅力被世人所知晓。这首《独弦操》，正是作为一名爱国音乐家，渴望振兴民族音乐，唤醒民族自信的真实写照。刘天华先生在当时的二胡音乐创作中，将二胡音乐的写作手法和演奏手法演绎到了极致，留给了我们宝贵的“中西融会”的创作理念。而刘天华先生的民族责任心与忧国忧民的家国情怀，是我们一代又一代的民乐人必须坚守的。刘天华先生的逝去，是二胡音乐史是极大的遗憾。而二胡音乐此后的蓬勃发展，使民乐人看到了更多的希望。如今，二胡音乐的发展形式越来越多样化，越来越多的人领略到了二胡音乐的魅力。但前方的发展之路，依然需要秉承刘天华先生的遗志，使我国民族音乐，在新的历史时期繁荣发展，使民族精神，在新的时代背景下发扬光大！