论钢琴教学中学生音乐表现力的培养

杜伟

摘要：教师在训练学生钢琴弹奏技术的同时，应把音乐表现力的培养和训练贯穿整个钢琴教学活动，使学生能够逐步感受音乐、理解音乐，最终能够完美地表现音乐。本文通过反复研读乐谱、观摩大师的演奏或教师的示范弹奏、培养良好的音乐听觉和节奏感以及正确处理艺术与技术的关系等四个方面，着重探讨培养学生音乐表现力的有效方法。

关键词：钢琴教学 音乐表现力 音乐听觉 节奏感

众所周知，钢琴音域宽广、演奏技巧多样，是极具表现力的乐器，它可以弹奏出如交响乐队般的音响效果，创造出丰富立体的音乐形象，是乐器中的佼佼者，享有“乐器之王”的美誉。然而要演奏出丰富多彩的音乐，除了掌握正确的弹奏方法，谙熟各种弹奏技术，具备表达乐曲“内在涵义”的手段外，还需懂得如何恰当地运用这些手段全面准确地表现作品。 作为一名钢琴教师，在钢琴教学中不能只是一味地训练学生的弹奏技术，应把音乐表现力的培养和训练贯穿整个钢琴教学活动，使学生通过丰富的想象力，内心的感悟力，把作曲家在谱面上展示的内容及隐藏在谱面后的真正含义诠释出来，使自己的演奏不仅能感动自己，更能打动别人。下面，本文拟从四个方面，具体阐述钢琴教学中培养学生音乐表现力的方法。

一、反复研读乐谱

钢琴大师鲁宾斯坦在自传《我的漫长岁月》中写道：在巴西演出时，我弹奏的肖邦作品比以往都多。我弹奏了两首奏鸣曲，其中《降b小调奏鸣曲》作品35号第一乐章，我听过的每位钢琴家包括我自己都弹得很快，后来我在仔细读谱时发现这样弹不对。……在重新研读常弹的作品时，我脑子里常常产生许多新的想法。钢琴家们经常重复弹奏同一作品，会面临形成坏习惯的危险。年轻的钢琴家们应常带着新的目光审视音乐，努力发掘以往没有见到的宝藏。钢琴大师的这段话，既是对年轻的钢琴家们提出的忠告，又为钢琴教师的教学指明了方向。

在弹奏钢琴作品的不同阶段，教师应对学生提出不同的读谱要求。在接触新的钢琴作品时，教师应指导学生从作品的节奏、旋律、调式、和声、曲式和奏法标记等方面进行分析，但不必面面俱到，每首作品可就突出的特点做详细的分析，其余特点只做简单的介绍。比如音乐作品的结构分析和乐句的处理是演奏者的一个难题。每个句子都有自己的结构，有开头、发展、高潮和结尾，要了解乐句的抑扬起伏和气息，学会正确处理句子的结构，学会正确呼吸。学生通过视奏和分析，在初步感受作品的基础上，可以综合作曲家所处时代、所属流派、作品的风格特点、乐曲产生的社会背景与文化环境等方面进一步研读作品，从中了解作曲家的个性、思想、情感和风格特征的来源与基础，使学生的弹奏尽可能接近或符合曲作者的本来意图和总体构思。在熟练弹奏阶段，学生还需反复研读乐谱，对乐谱中的一些细节问题准确把握，如表情术语、踏板和音色的控制等。

一首钢琴作品往往是作曲家内心体验的再现，只有反复研读乐谱，全面把握作品的风格，理解和掌握作品所内含的情感，并用熟练的技巧来表现，才能把乐谱的内在涵义完美地表现出来。

二、观摩大师的演奏或教师的示范弹奏

钢琴演奏动作器官的外部操作是直观明了的，而非具象性的声音的细微变化却是难于用语言精确描述和把握的，二者之间的相互关系更有许多只可意会、不可言传的微妙之处。因此，观摩大师的演奏或教师的示范弹奏显得尤为重要。这是因为任何一首作品，即使是最简单的作品的内容，也不可能用语言或某种其它方法完全表现出来，鲜明而又技巧高超的作品演奏或示范弹奏，能给予学生一定的艺术享受并产生强有力的影响，能启发学生对音乐的想象力和理解力，从而更好地表现作品的音乐内容。

但是，在课堂上观摩大师的演奏或教师的示范弹奏，绝非只有好处而无坏处，过多示范弹奏每一首新曲目，在一定程度上会妨碍学生主观能动性和创造性的培养。那么学习一首新曲目，在哪个阶段给学生观摩大师的演奏或教师的示范弹奏较为合适呢？一般来说，在开始学习新曲目的时候，为了激发学生学习新作品的兴趣，或是在最后为了帮助学生更好地体会作品的形式，更深刻地理解作品的内容和形象时，观摩大师的演奏或教师的示范弹奏是有好处的。除了全曲示范弹奏外，还可以示范弹奏作品的一些片段，这在学习一首新曲目中间阶段的过程中特别有益。

三、培养良好的音乐听觉和节奏感

我们知道绘画是在空间中由线条和色彩组成的艺术，人们通过视觉来感受；而音乐则是在时间过程中由节奏和旋律组成的艺术，人们通过听觉来感受。音乐是声音的语言，必须用美的声音来表现，因而培养学生良好的音乐听觉能力显得至关重要。在钢琴演奏中，缺乏敏锐的听觉是很难鉴定演奏效果的，同时也很难提高演奏的表现力。因此，作为钢琴教师应该要求学生用敏锐的听觉去练琴，在弹奏的过程中学会用自己的双耳随时聆听声音的强弱、明暗、均匀度、透明度和音质等，用好听的声音，像说话一样有语气地表现每一首作品。同时，引导学生对钢琴弹奏力量的来源，放松与紧张的辩证关系，指、掌、腕、臂、腰等部位的相互联系以及与声音的关系，有比较清晰的认识，对科学的弹奏方法与优美的声音有清晰的概念与敏锐的分辨力，而不是完全把自己的注意力放在视谱和手指上。

值得注意的是在学习新曲目的中期阶段，学生特别热衷于技术训炼，经常拼命“死抠”一些难弹的地方，有时是用粗糙而过急的触键硬挤出每一个音。这种弹法的结果，学生在整个学习的过程中只有很少一部分时间是真正放在处理声音上的，而其余声音的弹奏是平淡而无表情的。针对这种情况，教师应时刻提醒学生在弹琴的整个过程中都要随时关心声音的质量，努力改善音质。对于学生来说，经常弹奏各种不同类型及各种不同长度的旋律，有助于培养他们的音乐听觉能力。多听管弦乐曲与重奏曲，有助于训练学生的色彩听觉，教师可多做一些色彩比较，教会学生倾听钢琴上弹出的许多模仿管弦乐的音响，这种“仿佛”、“近似”，常常会改变学生的弹奏面貌。学习弹奏作品时还应养成想象音响的习惯，最初可挑选学生早已熟悉的乐曲，问学生这一句或那一句的声音是什么性质的，学生开始时的回答往往是含含糊糊和不够具体的，随着学生的艺术成长及其听觉进步的程度，弹奏的声音就会逐渐变得富有表现力。

除了培养良好的音乐听觉外，培养学生的节奏感也非常重要。节奏是音乐的生命，是最重要的音乐语言表情因素之一，有些能达到声音要求的学生，往往由于弹奏缺乏精确的节奏，或没有体会出节奏的韵律，仍不能塑造出准确的音乐形象。因此，钢琴教学中教师应在潜移默化中逐渐培养学生良好的节奏感，使学生在演奏中善于感受和捕捉乐曲节奏的韵律、韵味、情境和风格等，表现出明确而自然的节拍强弱感及特殊的强弱关系（包括渐强、渐弱、突强、突弱等），恰当地弹好非均分律动节奏（包括渐快、渐慢、突快、突慢、散板、延长音等），把节奏对表现音乐的作用充分地发挥出来。不同乐派、不同风格、不同作曲家的音乐作品都有不同的节奏要求。如肖邦的《波兰舞曲》和《玛祖卡》等。但是在演奏每段音乐时必须有自己统一稳定的节奏和速度。若节奏和速度不符合作品的内容和风格，在演奏中不能控制自己的节奏和速度，将作品演奏得过快、过慢，或随心所欲地变化速度，那将完全改变甚至扭曲作品的音乐形象。因此，在钢琴教学中，教师应注意培养学生生动活泼的、真正富于艺术性的弹奏节奏。

四、正确处理艺术与技术的关系

钢琴是通过富有表现力的声音传达出来的，要弹奏出准确而好听的声音，必须具备良好的钢琴演奏技术。技术是演奏和表现的基础，一切练习都是为了掌握炉火纯青的展现乐曲内容的技术。然而，一味进行单纯的技术训练，会使学生感到枯燥乏味和身心疲惫，会磨灭学生的音乐灵感和创造力，使演奏像部机器，没有灵魂，因此任何时候都必须把技术训练和艺术牢牢地结合在一起，使技术训练和表现音乐的内涵统一起来。如德彪西钢琴曲中捉摸不定的飘忽感觉，好几个P的弱奏是一种极为高超的技术，学生必须充分领会印象派的表现手法，甚至还要去鉴赏、研究印象派的绘画，并通过触键与踏板恰到好处的密切配合，才能令手指在琴键上发出各种富于变幻的音色，使作品具有丰富的表现力。学习技术的目的是为了准确、充分地体现作曲家的思想意图，表现音乐内容，只有掌握了精湛的技术才能将音乐表现得更完美，反之只有从音乐的内容出发，才能使技术训练有目的、有方向。

我国钢琴教育家应诗真教授指出：“钢琴演奏技术是从属于音乐表现的，是手段；但同时它又是非常重要的，没有它，想完美地表现音乐形象就成为一句空话。”可见，技术只是音乐表现的手段，而音乐表现才是钢琴演奏的目的。钢琴的演奏技术与所表现的音乐内容是密切联系在一起的，各种不同风格内容的音乐，需要各种不同的技术来表现。钢琴教学中，教师要让学生树立正确的艺术观点，正确处理艺术与技术的关系，不能先技术后艺术，而是以艺术带动技术，以艺术表达技术。

世界著名钢琴演奏大师阿图尔·鲁宾斯坦指出：“只根据乐谱弹奏是毫无意义的，把乐谱的内在涵义表达出来才有真正的价值。”可见，音乐表现力是钢琴演奏的灵魂。在钢琴教学中，教师要把提高音乐表现力作为钢琴教学的重要目标，要引导学生勤于动脑，善于钻研，从多方面吸取知识完善自己。在教学中不仅要加强弹奏技术的训练，而且要注重对学生音乐表现力的培养和训练。只有这样，学生才能对音乐作品有更全面、更深刻的了解，才能把作品的内容完美地表现出来，弹奏出来的音乐才有生命力和感染力。

参考文献：

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