拉斐尔油画作品色彩分析

袁甜

摘 要：文艺复兴三杰之一拉斐尔，意大利文艺复兴时期最著名的画家之一，他的作品以美丽、和谐、优雅而闻名，尤其是他的圣母像，被誉为“人文主义及文艺复兴世界的巅峰”。本文采用文献资料研究法，分析拉斐尔经典画作之中的色彩。他的作品以色彩明净、柔和的光线以及宁静而优雅的节奏感著称。作品光影处理温和明亮，始终是鲜艳的色调，多数作品采用红、黄、蓝、绿、白等多种明亮的色彩去绘画衣饰来间隔人物。色彩和谐温暖，用以表达画家内心深处的情感。

关键词：人文主义；拉斐尔；色彩；圣母；构图

Abstract： One of the three Renaissance masters， Raphael， one of the most famous painters of the Italian Renaissance， his works are famous for beauty， harmony and elegance， especially his Madonna，known as "the peak of humanism and the Renaissance world". This paper uses the method of literature research to analyze the colors in Raphaels classic paintings. His work is known for its clear colors， soft light， and quiet and elegant rhythm. The light and shadow treatment of the works is mild and bright， and the colors are always bright. Most of the works use a variety of bright colors such as red， yellow， blue， green and white to paint the clothes and decorations to separate the figures. The colors are harmonious and warm to express the artists innermost feelings.

Keywords： Humanism；Raphael；color；the virgin Mary；composition of a picture

0 引言

首先，“文藝复兴”（Renaissance）指的是“受古典模式的影响，始于十四世纪意大利并一直延续到十五世纪和十六世纪的艺术和文学的大规模复苏”，该定义显示了通常持有的预想：该时期主要涉及的是古典以及由古典所引发的东西，这是十六世纪以来为人们所广泛接受的表述[1]。在当时，新型资产阶级不仅促进了商业和手工业的繁荣发展，更是确定了人的价值，形成了人文主义思想体系，使得文艺复兴时期的美术水平呈现新的艺术高度，各类美术作品开始注重人的精神面貌，创作题材和表现技巧也在不断丰富，产生了不同的美术流派和留名千世的艺术家。文艺复兴首先起源于意大利[2]，15世纪中叶开始，佛罗伦萨逐渐失去了意大利艺术中心的地位，取而代之的是教皇所统治的基督教首府——罗马，形成了以罗马为中心的罗马画派。经过艺术家的不断探索和进步，在16世纪上叶以罗马为中心的意大利文艺复兴达到了巅峰，期间出现了达芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等杰出的艺术家，他们为造就这个时代的艺术做出了不朽的贡献。

1 拉斐尔的生平

1483年基督受难的那一天拉斐尔出生在意大利乌尔比诺的一家画廊中，父亲叫乔瓦里·桑提，是一个失意的画家，虽然拉斐尔的家中不是很有钱，但是母亲从小无微不至的关心，以及父亲的指导都让拉斐尔从小接受到了很好的指导，这为拉斐尔的成功奠定了良好的基础。父亲从小的理想就是成为一个伟大的艺术家，由于拉斐尔父亲的天赋不高，他只能止步于此，所以他将他的理想寄托于年幼的拉斐尔。在父亲专业的指导下拉斐尔很快就展现了对艺术的非凡的天赋，父亲希望可以在拉斐尔身上实现这个理想。同样受到父亲耳濡目染的影响，拉斐尔也开始励志成为一位伟大的艺术家。而本以为能目睹拉菲尔成功的桑提和妻子因病先后离世只留拉斐尔一人，但这一变故并没有让拉斐尔动摇自己的理想，而是更让他坚定自己脚下的道路，于是拉斐尔开始了一段孤独的艺术道路。[3]

2 拉斐尔作品色彩分析

拉斐尔的艺术作品色彩发展风格可以分为三个时期：早期在佩鲁贾时，他受到了老师佩鲁吉诺的影响，画风宁静、柔和、细腻，画面色彩红黄蓝三原色为主，画面给人一种温暖的感觉。早期作品如《圣母的婚礼》等就显露出他自己独特的柔美风格；中期在佛罗伦萨时，他学习了达芬奇的构图、米开朗琪罗的人体表现风格，创造出了自己的肖像风格，他的色彩开始走向成熟阶段，大量使用“颜色振动”的技法，能巧妙产生和谐的配色技法。如《美惠三女神》《马达莱纳多尼肖像》《圣母在草地上》等作品，后期在罗马的时候，受到了教皇朱利叶斯二世的委托，在梵蒂冈宫创作了一系列壁画，他的色彩的成熟时期，色彩和谐温暖，如《雅典学院》《西斯廷圣母》等作品。这些作品展现了他对人物姿态、情绪表达、色彩运用等方面的成熟和精湛，也是他职业生涯中最具代表性的作品。

2.1 早期作品

拉斐尔跟随佩鲁吉诺进行绘画学习，佩鲁吉诺擅长宗教题材的创作，善于运用柔和的色彩去表现宗教题材中的人物，致力于让画中的人物充满宗教色彩的庄重威严，让画面带有震撼。由于拉斐尔的出色，他逐渐接手一些老师的订单，一次机缘巧合下，他受到了乌尔比诺公爵的欣赏，后来被公爵允许去自己的收藏室参观学习，就这样拉斐尔平时跟随老师进行艺术学习，休息时去公爵的书房欣赏那些艺术大师的作品，从中吸取优秀的色彩，然后将这些色彩融入自己的画中。很快他就诞生了一批作品比如《圣母加冕》（图1）《基督被解下十字架》（图2）等，人们从中发现了与佩鲁吉诺不同的色彩表现。拉斐尔《圣母的婚礼》是拉斐尔对于自己几年学习的一次检验，更是自己成为世界伟大艺术家的开端，也是形成他独有的色彩风格的开端。

拉斐尔《圣母的婚礼》（图3）与佩鲁吉诺的《圣母的婚礼》（图4）表现出的绘画语言来看，这两幅作品中构图与题材几乎一致，画面中人物造型除带有老师娴静优雅的风格特征外，已经开始显露自己独特的色彩风格，开始使用对比色的技法使画面更加柔美和谐。

这幅作品在色彩语言表现上十分独特，画面上教堂蓝色的天空，玛丽亚身上红色的上衣、蓝色的斗篷，低饱和度的颜色对比使画面更加和谐，约瑟绿色的上衣、黄色的斗篷，红黄蓝三原色的低饱和度对比在拉斐尔的画笔下体现得淋漓尽致，显著的颜色也与周围的一群人形成了鲜明的对比。我们可以发现，画面的背景是模仿他的老师的画作，建筑和地面的黄色，建筑顶上的绿色，天空的蓝色，三种颜色的完美融合。画面中构图对称，色彩成熟，人物表情柔和，体现出女性的美丽，画面的色块有金色、红色、蓝色和绿色，这几种基本的色调构成了对比鲜明的色彩，充满了诗情画意。

我们感受到的是一幅具有生命的场景与艺术的结合，而不是生硬呆板的作品。画面中人物虽然三五成群看似毫无规律可言，但拉斐尔却通过透视的方法让人物分为两组，两组人物同时向外延伸增加场面的宏大，也让中间的圣母玛利亚与教皇成为中心烘托出婚礼的主题。在细节上拉斐尔主要刻画的是侧面的面部表情，这带给画面一丝耐人寻味的感觉。

2.2 中期作品

没过多久拉斐尔便带着老师的祝福展开了新的冒险，他的第一站就选择了佛罗伦萨，这个文化与艺术高度结合的城市。大量的艺术家在这所古老的城市生活，人们对于艺术的欣赏与理解也达到了相当高的水平，而拉斐尔来到这更重要的原因是他老师的同学达芬奇。达芬奇已经是当时最伟大的艺术家了，他博学多才精通绘画、解剖、研究发明等，虽然已经到了晚年，但是他在拉斐尔的心中占据着很重要的位置，拉斐尔渴望能在达芬奇身上学习到更多。虽然两人年龄的差距有些大，但这并不妨碍两位伟大艺术家在思想上的碰撞，达芬奇对于艺术的专注力和对画面感情的融入，都让拉斐尔学习到了很多。后来《马达莱纳多尼肖像》（图5）这幅画的出现也正是拉斐尔看到达芬奇的《蒙娜丽莎》所创作的，这标志拉斐尔对于达·芬奇构图法的消化和整理达到了完善，也代表他使用的“颜色振动”技法进入一个成熟的时期。

《马达莱纳多尼肖像》是拉斐尔艺术迈向成熟的关键时期，也是他的色彩成熟期，拉斐尔运用在佛罗伦萨中学习到的技法进行绘画，画面中的女性在拉斐尔的笔法下显得高贵优雅，颜料与笔法的结合更让这幅画流露出与拉斐尔其他作品不同的艺术情感。远处只有一棵树的背景与红蓝色的服饰形成独特的背景让欣赏者体会到一丝孤独和寂寥，但与拉斐尔不同的是达芬奇的《蒙娜丽莎》是通过面部的微笑来让人感受到其中的情感。在色彩表现方面，拉斐尔选择的是利用背景和服饰的对比来让画面丰富。色彩显得十分艳丽，他将人物置于自然风景当中，蓝色的天空背景，肖像中头戴波浪形的发带，身穿橘红色的衣裙，低胸紧身风格是贵族的象征，一层带有蕾丝花边的薄纱轻搭肩上，绘有花纹图案的宝蓝色外衣看似随意地穿在臂膀上，衣饰的色彩与远处明暗交织的风景相互交融，凸显了她的端庄柔美、温和近人。而在人物脸部的刻画来说这幅画依旧圆润温和，虽然这幅画其实并没有太大的面部表情，所有的情感都是通过眼神表达出来，这在拉斐尔的作品中是个例外。

虽然这幅画并没有超过达芬奇的《蒙娜丽莎》，但就拉斐尔而言这幅画却是他成功的转折点。在后来创作的《圣母在草地上》作品之中，作品之中采用“颜色振动”的技法，产生和谐感的配色技法[4]。整体画面色彩相对比较灰，一方面是为了加强画面的和谐感，另一方面是他对于三原色的运用，圣母上衣是红色，斗篷是蓝色的，以及周围背景的黄色调，使用红、黄、蓝作为主色来塑造圣母。画面之中圣母衣服的红蓝对比十分强烈，用低明度的棕绿色去衬托身穿红色衣服的圣母，使画面更加生动，圣母红色衣服所衬的草地倾向于绿色，而蓝色衣服所衬的草地偏黄色，这就是他使用“颜色振动”的技法，将红色与绿色、蓝色与黄色的色差形成振动，使画面更加灵动，三人的形象也增添华丽和鲜艳的气氛。[5]

2.3 后期作品

拉斐尔的《雅典学院》是以古希腊哲学家柏拉图所建的雅典学院为题，画中所有古希腊的哲学家都出现在其中，拉斐尔将所有的心血融入这幅画中，企图让观赏者回忆历史上“黄金时代”的美丽。

《雅典学院》（图6）这幅画的色彩也颇为和谐，拉斐尔经过长时间绘画的积累，对于色彩的运用达到了炉火纯青的地步，拉斐尔运用自己对色彩的理解增加了作品的表现力和塑造力。他用乳黄色系来绘制建筑，建筑背景的色彩变化也是极为丰富的，由亮到暗的色调分布，亮面以乳白色为主，暗面以深红色为主，中间是以橙色为主，完成由亮面到暗面的过渡，使得建筑本身亮丽而不跳脱，既能很好地凸显前面的人物，又使画面活泼浪漫，充满活力，很好地展现一个充满学术氛围的美好盛会。在人物设计方面，拉斐尔用红、白、黄、紫、绿、蓝等多种色彩的衣饰来间隔人物，人物皮肤的色彩变化也是由亮到暗的过渡，整体色彩以黄色为主，再进行一些细微的变化。其色彩和谐温暖，色彩之间相映成趣。色彩之间细微的纯度、冷暖变化让画面统一鲜明，使其更加真實充满动感。

图中拉斐尔为了缅怀自己对父亲的思念，特意把父亲放在了他的旁边。中心的建筑是根据彼得堡大教堂大厅的弧形结构，一种类似古典罗马时期的大厅。利用中心透视的方法，让人们的视野通过拱门通向遥远的天际。画中的人物好像是从远方沿着走廊走过来一样。画面的中心以柏拉图和亚里士多德，除此之外还有两个中心，右方是以几何学家欧几里德为中心围绕的人群。在左前方是以算术、几何、音乐、天文四个学科的创始人。整个构图程三角形的结构，让画面显得更为丰满，形成了如同舞台空间一样的场景，当人们面对着这幅画的时候就好像是进入了剧场一般。

拉斐尔被称为“理想的平衡画家”，因为他在各个方面都能达到完美的平衡，既优雅又克制，既美丽又端庄。他对于人类美、母亲美、爱情美都有着深刻的理解和表现，让美丽从天堂走向人间。[6]他把那些高高在上的神塑造成一个个有血有肉、有情感的形象。那些宁静恬美的圣母形象，或是他早逝的母亲，或是他神秘的恋人，或是他邂逅的园丁的女儿。从他的艺术作品中我们可以感受到人性最初的真善美，同时也激励后世的艺术家追求极致的艺术，在追求艺术的道路上有一个方向。拉斐尔在绘制画面色彩的时候并非是偶然和凭空的想象的，而是经过了深思熟虑的，在基督教中天主的圣爱一般由红色来表示，天主的真理由蓝色来代表，因此在基督教的绘画作品之中，圣母的服饰一定为红色和蓝色，在他的绘画作品中将此色彩表现得十分极致，红、黄、蓝三原色的调和对比下，圣母的形象更加高贵，华丽、端正和艳丽，画面始终是欢快明亮的，洋溢着浓浓的爱意。

3 结语

拉斐尔的色彩语言表现对后世的影响非常大，他确立的美的样式也成为了学院古典主义美的标准之一。拉斐尔从小就善于吸收前代艺术大师的画风与技法，然后再把这些统一在自己的创造中，在此基础上他不断地创新和发展，我们可以从他的创作发展中发现，他的色彩在不断地成熟，他在大部分的作品之中使用铅白，作为亮区的调和色，包括在底色的绘制和后期晕染后的提白。在衣服上大多使用红、黄、蓝、绿等明亮的色彩，使画面中呈现明净的色彩、柔和的光线和宁静而优雅的节奏感。最巅峰的色彩作品《雅典学院》画面之中色彩处理和谐，十分成熟，拉斐尔用红、白、黄、紫、绿、蓝等多种色彩的衣饰来间隔人物，其色彩和谐温暖，色彩之间相映成趣。色彩之间细微的纯度、冷暖变化让画面统一鲜明，使其更加真实充满动感。

4 参考文献

[1][2]（美）Marina Belozerskaya.反思文艺复兴[M].济南：山东画报出版社，2006.

[3]龚之允.自由的坐标：通往而立之年的艺术家——拉斐尔的圆满[J].中国美术，2017（01）：78-87.

[4]冯巢.“美”的探究——拉斐尔笔下的圣母像[J].宁夏师范学院学报，2013，34（04）：113-114+142.

[5]王鲲.拉斐尔圣母像的和谐人性美[J].文艺研究，2011（08）：157-158.

[6]段守虹.拉斐尔悬疑[J].天津美术学院学报，2008（04）：75.