张力理论观照下戏剧表演角色塑造和节奏把握策略研究

年 艳

（安徽艺术学院 戏剧学院， 合肥 230001）

戏剧是一门以表演者的综艺表演为中心的艺术，不仅要在舞台上演绎戏剧角色，还要熟练运用自身肢体动作表达角色的情感， 同时通过背景音乐、服装、道具等辅助性工具提高戏剧舞台表演效果[1]。 为了提高戏剧舞台的艺术性，现代戏剧理论围绕戏剧表演角色塑造和节奏把握展开了大量的戏剧研究和理论分析[2]。 在戏剧表演角色塑造过程中，就文化传输而言，表演第一原则主要体现在观众的理解上， 在观众的认知水平范围内进行艺术的创作[3]。 戏剧舞台表演者的表现节奏在不同的戏剧情境中具有不同的表现张力， 无论是在角色的演绎过程中还是在场景的应用下， 表演者的角色塑造效果和节奏把握能力都承担着重要的作用。

一、张力的性质及工作机制

在20 世纪西方文坛上，“张力” 是一个被广泛接受的新批评学派文本意义建构的重要概念。 庞德是美国意象派诗人和批评家，他认为好的诗歌是“意象的综合”。 这一形象包含了两个层面：内层是“意”，是指诗人的理性与情感的结合；外层是一种形象，其表现在投射到视觉和想象领域的理性与情感的错综复杂的关系上。 这一“意象情结”包含了内在意象和外在意象的区别，显示了对立与和谐的审美张力[4]。1937 年《论诗歌的张力》一书中，美国评论家艾伦·泰特提到“诗歌的意义在于其的张力”，也就是“诗中所能发现的所有外部与内部的有机整体”。 根据表达要求， 诗歌的逻辑结构和肌体结构是由各个部分组成的。 逻辑学框架是诗体的一部分，肌体是诗体的修饰。 构图与肌理既相互联系又相互独立，相辅相成又互相干扰，在干扰、对立、互补、统一的张力下，形成了诗情画意[5]。 新批评家们认为，“张力”一词不仅适用于诗歌研究，也适用于所有文学文本。 另外，随着张力理论的不断发展和完善，在文学批评中发挥着重要作用。

张力是一种动态的平衡，指的是在特定的语境中，两种不同的事物所表现出的思想观念不协调、不协调，优秀的文字表达往往是各级张力的平衡[6]。 当前，张力已引起了社会各行各业的广泛关注，并在语言、结构、角色、情节等方面得到了广泛的应用。从某种意义上说，两种东西（例如汽车和汽车主体）之间的差别越大，或者修饰语和被修饰语之间的矛盾越明显，张力就越大。 语言不会永远充满张力，因此可以在张力理论下对戏剧表演角色塑造和节奏把握策略进行研究。

二、戏剧舞台表演中的角色塑造

从戏剧舞台艺术表达上来说，角色塑造是通过演绎者的个人表达行为对舞台角色进行性格分析后，对角色性格进行二次创造，给予其丰富的角色性格特点和个性表达行为。 在戏剧舞台角色塑造过程中， 最重要的是要将角色塑造成一个完美的人物， 而这个人物的性格特征和特点，需要每一个戏剧表演工作者学习。

（一）角色性格特征

角色通过一系列的动作和语言来表现其典型的性格特征。 戏剧创作中，角色形象通常包含两个层次：角色性格特征和角色性格展现[7]。 要把握戏剧角色的性格特点，， 对于戏剧表演中的具体角色，表演者需要充分研究角色独特的思维逻辑和行为方式，通过独特的语言表达方式及对外部世界的独特情感和态度展示角色性格。演绎者在扮演这些角色的时候，要反映角色的内在性格和外部性格，并加以塑造，同时还要注重个性特征，准确把握角色的年龄、阶级等特点[8]。

（二）角色性格塑造

戏剧表演过程中要特别注意角色的性格塑造。 表演者通过展示和强化典型角色，控制了戏剧表演的节奏，激活演绎者的表演欲望，刺激戏剧舞台表演的内容发展， 达到了塑造经典角色和感染观众的目的[9]。 角色塑造是表演者综合表现能力和艺术教育能力的集中体现， 这是对表演者自身的语言表达张力， 身体适应能力和表演能力，以及表演者创作能力的充分表达。 表演者可以通过全面而细致地把握角色性格特征，提高对戏剧表演节奏的分析能力， 强化分析角色的节奏， 减少自身性格及与外界环境对表演的影响，最终完成戏剧舞台角色的塑造，提升戏剧舞台效果。

三、戏剧舞台表演中的节奏

每一个人都是社会人，都处于社会学视角下的社会关系之中。 人际关系的形成环境对人的性格的形成与发展起着重要作用， 戏剧舞台表演中，具体的情节对角色性格也有很大的影响。特定情境是指角色所面对的各种情境的总和，包括情节、时代背景、角色与事件的关系等，因此通过把握戏剧舞台表演中的节奏， 可以提升在特定环境下演绎者的角色心理和外部行为能力，提高戏剧表演角色塑造效果。

（一）语言节奏

在任何艺术学习中，都需要培养其基本要素戏剧和舞台语言，艺术是由四个要素组成，即文字、气息、节奏和旋律[10]。 也就是说，舞台上的戏剧必须是可持续的。 其适应了人的个性、时代和理性的特点，也会深入刻画人物的样貌、心理特征等。 通常来说，人们将戏剧称之为艺术活动，简单易懂，以确保其活动被观众所接受。 词语既具有可操作性又具有针对性，也就是说，一个词语就意味着“行动”。 其不仅要促进了剧本的发展，还要彰显一个人的个性，在有限的时间和空间内尽可能有效地用表演舞台来展示文化和艺术特色，旨在引发观众的共鸣。 戏剧当中每个人物都会用不同的语气、节奏来表演，方便受众区分不同角色。

以雷雨的代表角色为例，周萍的父亲对周萍说：“萍儿，劝你母亲把药喝下去。 ”此时，周萍处于沉默不语的状态中， 表演者要用面部表情和肢体动作来表现人物内心。 实际上， 在故事当中，由于父亲态度始终较为强硬，周萍内心比较害怕，不敢言语。 在封建社会，在一个残酷无情、势力强大的专制家庭里， 大父母的形象变得生动起来。 观众分享了舞台上不愉快的墙壁，感受到了角色的新鲜感和深度。

（二）动作节奏

舞台上的动作指的是每位表演者在排练时为角色设计的肢体动作， 这些动作可以用来表达语言无法展现的内容， 能让整个舞台表演更加精彩。 设计动作的基本原则是：要符合每个角色的性格特点和场景特征， 并要遵守特定的行为准则[11]。 比如，一个人性格比较腼腆，其肢体动作不宜过多，动作幅度不能过大。 由于表演者在舞台上的表演离观众较远， 角色的心理活动形象相对单一，一方面是言语，另一方面是言语限制的运动， 单一通过各种先进的拍摄技术来呈现舞台艺术是不可行的。 戏剧是一门艺术，需要表演者具有高度的功能性和身体表现力。 要掌握动作和打击之间的节奏， 用大而不夸张的肢体语言向观众传达信息， 让表演者认真分析和思考[12]。不能再在舞台上谈论的情感必须通过适当调整动作节奏，尝试用肢体语言展现出来。

在雷雨表演中，鲁侍萍让四凤高亢宣誓。 大家都跪在舞台中间，暮色苍茫，四只凤凰挥舞着双臂，噼啪作响，大叫：“再见，周家人就让天上的雷劈我吧！ ”从前有闪电，有风，有草，还有四凤像一片枯叶。 四凤展现了一个仍处于青春期的女孩是如何经历生命中的第一次攻击， 她梦想着生活和爱情。 台上灯光、音响、道具，观众并不觉得场面太过夸张， 但其深知这个孩子内心的脆弱与无奈， 对他所扮演的角色表示同情与怜悯。

（三）心理节奏

在戏剧表演中，人物的动作常分为心理节奏和外部节奏。 外部节奏是演员肢体的动作，心理节奏是发自内心的感觉。 只有对内在节奏的理解，才能将外在的情感传达给观众[13]。 在某些情况下， 表演者能够准确地把握表演的速度和节奏，获得真实的情感体验，正确地理解和感知不同性格、不同节奏的角色的行动和行为。

戏剧表演中的心理节奏控制难度较高，表演者要有舞台表演经验， 能对戏剧中角色的心理特点有一个深刻的认知，这需要深入阅读剧本，体会角色的内心世界。 同时，表演者要主动学习表现人物心理的技巧， 还要根据舞台音乐的节奏、剧情推进的节奏来调整心理节奏。 这样更容易让受众与戏剧、与表演者之间形成共鸣，让戏剧艺术受到人们的喜爱。

（四）全剧节奏

全剧节奏要从两个方面管控，其一要控制剧情变化的速度，避免剧情转换过于突兀；其二是对舞美的控制[14]。前一部分主要是由剧作家在剧作的润色中完成， 包括表演者在排练中对角色的一些感悟。 后一部分是要从受众角度出发，考虑如何增加舞台的表演氛围。 一般一个完整的故事有四个节奏，分别是开头、展开、高潮、结尾。 表演者需要通过不断的体验，使角色的成长得以完成。

表演既要保持其跌宕起伏，又要在情节的发展中放松。 随着现代科学技术的进步，科技元素在舞台上的运用越来越广泛， 戏剧的舞台不再是静止不动， 而是存在着行为者。 声与光的结合，可以帮助室内舞台创造任何背景和环境，如雷雨[15]。 试想一下，如果没有雷电的混合和鸣叫，雷雨的表现将是多么单调和空洞？ 在形成强烈的舞美背景后， 许多夸张的场景和情感都会发生变化。 此时不仅要通过使用音乐、道具来烘托舞台氛围，还要学会正确使用灯光，这对角色的形成有重要的作用。 角色演绎的形态与背景舞蹈美紧密相连，两者之间的节奏应该是平行的。当角色向上累积时，声光就会更快乐地结合。 当山雨临风时，舞台上的灯光、道具和声音会发出更快更暗的旋律，两边面对面，相互影响。 毋庸置疑， 舞蹈的节奏在整体表演中起着次要的作用，但也是必要的。

四、 戏剧舞台角色塑造过程中合理掌控节奏的具体思路

在戏剧的舞台上，表演节奏可以从内外两个角度进行划分。 通常内部节奏直接影响着外部节奏的变化速度， 需要表演者找准节奏变化的节点。 先从内部节奏来看， 主要以心理节奏为主。 从外部节奏来看，剧本的整体语言风格、故事背景文化、 剧情走向都决定着实际的表演节奏。 现场表演时，必须要保证演员情感充足、真实、自然。 在此基础上去刻画角色，才能将角色演“活”，不会因为表演而给戏剧减分。

通常基本表演原则是要张弛有度，还要从细节处出发， 先理清角色心理情感发生变化的原因，再寻找最佳的表现形式。 戏剧是一种以表演者的舞台演出为核心的一种文艺形式。 戏剧舞台表演节奏既是整个演出过程， 也是整个演出的核心内容。

（一）抓重点

表演者的表演也是对角色和历史的内在理解的表达[16]。 在精神层面与观众互动的过程中，戏剧表演强调的是凝聚力。 表演者是否正确地保持节奏这直接影响到表演的便利性和观众的观赏性， 所以掌握节奏的关键是要学会跟随剧本的发展过程。 就像水墨作画一般。 找出用浓墨的地方。 如何和哪里过渡到图像形成，使其更有针对性。 这一重点包括每场演出的主要内容和精彩的高潮。 角色的基本特征、矛盾都与言行有关。 戏剧舞台演员不仅要注意角色的动作和台词的节拍， 还要将整个戏剧的节奏和每个场景的节拍（肢体语言、台词、舞蹈的韵脚）有机地融合在一起，让舞台表演更加生动自然。 同时，还要抓住角色意图， 使之在创作表演过程中让角色的行为更加合理，不会脱离表现的思维。 在音乐的节律意识方面，需要掌握戏剧的创作动机，充分结合角色的背景。 在演出中还要掌握好剧中的整体节拍， 要求演绎者掌握好时机和角色的情绪，与戏剧中的情节和节拍相配合，抓住表演的重点， 使角色的精神面貌得到最大程度的呈现。

（二）抓停顿

在舞台上，有些戏不需要表演者，只需要他们采取适当的步骤。 这种没有证据的游戏叫作暂停。这种停顿不仅仅是静态的还有舞台的节奏[17]。从肢体语言的角度。 有些人坐着，从他们说话的节奏来看，他们表现出角色的困惑、痛苦和精神状态。 还有一段停顿来强调这个词的意思。 不要表达自己的情感，用适当的语调，仔细把握停顿来塑造角色。 如果把重点放在戏剧活动的补充上，戏剧的优化就显得尤为重要。 修剪冗余的枝叶的同时，为观众提供一个思考的空间。

角色语言的停顿将关系到句子是否连贯，有时候， 不同的停连方式会导致语句的意思发生变化。 因此，为了不产生歧义，必须要熟读剧本，尝试调整断句的位置和频率。 而且，在研读剧本的过程中， 应重点观察标点符号的设置是否合理。 另外，在涉及到两人或多人对话时，谈话中途也会有一定的停顿。 因为戏剧表演不仅是语言艺术， 还要通过肢体动作和其他表现方式来推进剧情。 所以，要做好对谈话间隔时间的控制及对间隔点的选择。 从日常生活上看，人们无意识的换气，情绪的崩溃和叹息等等，有各种各样的停顿[18]。 角色语言停顿是由语言的要求引起的，意义完整，语气均匀。 心理阻隔与角色的心理情绪变化相关，会集中体现人的欲望、情感起伏状态。 优秀的表演者将内在潜移默化与心理变化相结合，运用好在语言中的停顿，可以改善语言的表达，达到“无声胜有声”的艺术效果。 在戏剧舞台表演的时候， 要注重对空间节拍的停顿把控， 使观众在观看戏剧舞台演出过程中体会到丰富的人物情感变化和舞台场景变化，以此提高戏剧舞台的魅力。

（三）语调处理

语调是一种声调语言。语调的变化是由于高和慢的气质[19]。 如果人物的语言失去语调，声音处理就会变弱， 那么演出效果就会受到不良影响。 通常生活当中的语调变化与人在当时的思想变化保持一致， 是人为了达到某种目的自主对语调进行了调整。 为了通过语调准确地传达人们的想法，你必须清楚地说，“你在和谁说话？你为什么这么说？ ”其指的是你和他人的关系、行为动机等。 如果表演者决定通过处理语调来调整戏剧舞台氛围， 还要重点关注文字语言的语调问题。 例如，在前一句和后一句中添加一个句子非常重要。 如果想变得不可预测，就必须决定语调， 这对表演者的下一步行动和想法非常重要。 戏剧演出中的舞台艺术语言要表现出鲜明的“动态性”，即强化演绎者的语调运用能力，通过自身的呼吸和声音作为主要的创作手段，运用“重音”“语调”和“停顿”等手法，使角色的精神世界和内心感受有所变化， 从而达到塑造角色形象的目的。 戏剧舞台演绎者们对角色的认识与构想主要是通过动态的话语进行表现，通过语调的高低表达自身情绪的情感起伏，以这种方式使角色塑造的更加鲜明和生动， 提高观众的观赏感受。 戏剧在表演过程中，语言是最直观的情感体验，而演绎者在表演中，每一句话都有其“形”“音”和“义”的不同展示，所以利用语言的语调可以最直观的反映角色的特点，因此可以通过最基础的舞台语言语调来传达角色的不同意思， 准确传达出戏剧中的角色的思想和情感，有利于观众理解、体会到戏剧所要传达的故事内容。

五、结束语

艺术是和观众交流的一种方式。角色越是鲜明，戏剧表演的节奏就越合理，观众的共鸣也越强烈。 若说戏剧效果是目的， 那么节奏则是手段，而任务的本质就是基础。 戏曲表演的节奏感不仅在整个戏曲表演中起着重要作用， 而且决定着戏曲表演能否成为经典之作、经久不衰。 艺术的一部分是美的创造。 角色定位的好坏，直接影响到观众对剧中角色美的评价。 节奏是戏剧表演的灵魂，而表演者在其中扮演着重要角色。要注意局部节律与整体节律协调； 在这一过程中，戏剧表演的张力得以释放，并受到诸多因素的影响。 就表演者而言，根据戏剧创作的角度，可以将其分为身体节奏与语言节奏。 剧本的类型与风格，表演者与导演的合作，舞台道具的安排与设计， 在整个演出节奏中起着举足轻重的作用。 身为表演者要掌握节奏，在抓住重点的同时，也要突出创作者的中心思想。