色彩在油画创作中的艺术表现力分析

杜鹏勃

摘 要：色彩是油画艺术中语言展现的有力途径，代表了画家看待某种事物所产生的主观意识或个体情感。色彩的种类繁多，各式色彩具有专属的品相和特质，经过画家恰到好处的点缀、装饰，使油画的艺术感染力进一步提升。随着美术艺术的发展，油画创作者愈发关注色彩在作品中的运用呈现，鉴于此，本文分析了色彩的概念及艺术特征，探讨了油画创作中色彩的艺术展现和情感内涵。

关键词：色彩；油画创作；艺术表现力；情感内涵

中图分类号：J213文献标识码：A文章编号：2096-0905（2023）24-00-03

不同时期的美术创作，在理念、思路、技术等方面都有着截然不同的方法和意义，色彩的使用和搭配都要遵循一定的原则。色彩是美术界的语言艺术，一方面是指色彩能够呈现作品的主体内容，另一方面，色彩配合线条可以表达出作品的深层次概念，鉴赏者可直达作者的内心深处探究艺术的源泉。可以试想，当人们在观看某幅油画作品时，首先映入眼帘的就是描绘的主体和色彩，鉴赏者在品鉴的同时愈发感受到色彩的作用和功能，它是打动人心、引起共鸣的关键因素，因此可以认为，色彩既是油画的语言艺术，也是油画创作的真谛，缺乏色彩加工的油画作品显然是没有灵魂的。

一、色彩的三要素及特性

“赤橙黄绿青蓝紫，谁持彩练当空舞”，人們对于颜色总是有着某种情怀和向往的，色彩为生活赋予了鲜活感、层次感，同时，色彩也是油画创作不可缺少的修饰元素。从特性上看，色彩一般分为有彩和无彩两种类型，有彩指的是人所共知的颜色，如绿、青、蓝、橙、黄等，有彩的特性分为以下三种形式：1．纯度，它是衡量色彩纯净程度的重要指标，受油画作品中有色占比影响，如有色占比多，则纯度高，反之则纯度越低；2．色相，它是油画作品中人们对某种颜色的称呼，亦可用来区分各种颜色，专指颜色的品相；3．明度，顾名思义是指色彩的明亮度，各种颜色的特性和展现力各有不同，因此其明亮程度亦有着不小的差异，倘若色彩一致，则明度受光线的强弱影响，强度越大明亮度越大，反之则暗淡无光，体现一种深邃美。无彩指的是白、黑以及各式灰色，它只有明度这一种特质，没有纯度和色相，当明亮程度达到一定标准时，越趋于白色，反之则靠近黑色。通常认为，当色彩的纯度保持相同时，明亮程度最高的颜色是黄色，如绿、红等颜色下降一个等级，紫色最低。美术创作中说的色彩对比，是指两种或两种以上不同颜色聚合后形成的对比效果，这个效果会受各式色彩的色相所影响，如红绿或红蓝这类颜色进行组合后，会产生与众不同的视觉成效，但同时也造成了视觉层面的不和谐、不协调，长时间观察容易导致目眩[1]。如果是同类色对比则会产生另一种效果，它是指在色相一致的前提下，纯度或明度不同下的色彩对比，其视觉类型更趋近于静谧、安宁、典雅的风格，但观察久了同样会造成视觉疲劳，色彩过于单调，少了那份打破沉寂的激情和动力。

二、色彩语言的艺术特征

色彩语言理念的诞生，是源于对动物领域的研究，人们发现部分动物会变换鳞片颜色用来展现信息。随着时代的演变、教育的进步，美术艺术迎来了宝贵的发展机遇，创作人致力于使用色彩提升油画作品的艺术表现力和内涵层次，也逐渐在其他艺术种类中大放异彩，但鉴于创作思维的局限性，人们仅仅把色彩语言看作一种创作的本能反应，未对其进行系统整理。亦有资料显示，色彩语言概念的真正形成要追溯到我国的魏晋时期，时值朝局动荡，在野人士大失所望，将山水景色作为寄托情感的载体。无论如何，色彩如今是油画创作必不可少的绘制要素，而色彩语言则是突出色彩功能的一种表述形式，其艺术特征主要体现在以下两个方面：其一，色彩运用的多样性。油画艺术历经两个重要的发展时期，分别是古典主义和写实主义，当时的创作人为了确保画作景象的真实感，运用混合搭配法将各式色彩融入创作中，勾勒出作品主体、配物以及背景的层次性，用以满足艺术创作的多样性需求。我国画师擅长借助色彩的差异性呈现反差效果，因此对色彩的多样性及相关应用技巧格外重视，如现代美术教育家徐悲鸿先生著有《彩霞》《黄山》《田横五百士》等传世作品，其中不乏使用多种颜色元素衬托作品主题，最大程度提高了作品的艺术张力和立体感。其二，色彩运用的层次感。油画给人的初体验是杂乱烦琐，但细分析后发现，这种感受是基于油画的层次性所产生的，在这一点上它与水彩画或版画等均有不同，油画在色彩使用上主张层层推进、深浅相间，以此形成独一无二的视觉冲击[2]。也正是因为这种创作理念，鉴赏者可根据绘画的层次感进行相应的情感剖析，为深入了解作品的核心思想打开了便利的大门。综合而论，想要提升油画的艺术感染力，就必须深刻解析色彩及色彩语言对油画创作的真实意义。

三、油画创作中不同色彩的艺术展现

（一）红色

红色是油画创作中最为常见的色种之一，多用于表达喜悦、热情、幸福等感受，也可将其看作战争、革命等具有标志性含义的符号。选用红色的意义在于对油画作品的可塑性进行丰富、延伸，并对其他色彩要素起到一定的烘托作用。作为三原色之一，红色在中外油画作品中时常出现，油画作家通常使用红色表达作品的深层次内涵，因为红色与我国的主流文化息息相关，和谐、幸福、美好等是中国社会历来追求的目标，所以它是美术创作中不可或缺的元素之一。在国外的油画创作中，红色通常也被赋予了多种概念。比如布歇的《市场》，借助红色勾勒背景场面，展现作品人物在情感上的一波三折，揭露了人物关系的复杂性和矛盾性，采用了一种隐喻的创作手法；刘易斯丹的《求婚人士》也是运用红色描绘故事环境和人物背景，突出了油画创作的结构性特点。因此人们认为，红色具有丰富的色彩语言和绘制功能，是美术艺术上升为语言艺术的便捷渠道，红色也被诸多画家及爱好者奉为主流色彩。

（二）黄色

黄色与红色在创作功能方面有些类似，都是以衬托环境或背景为主，但采用黄色展现人物内心情感所带来的效果要略强于红色。黄色可以代表人的心情寄托，如希望某件事情尘埃落定、心情欢愉明朗等，亦可用来装饰人物的着装、服饰、道具等，体现出高贵典雅之美。历史上有很多画家表示，黄色是他们的“信仰之色”，如上文提到的布歇，享有法国“第一画师”的美誉，就不止一次表达了对黄色的独爱之情，除此之外，像丹麦画家卡尔阿加德、瑞士象征派画家柏林等，都将黄色视为作画的基础色。布歇先生有两幅作品堪称经典，分别为《戴安娜在休息时》以及《侯爵夫人》，这两幅画均采用黄色诠释主题信息，将洛可可风格用于修饰女性之美的那种华丽精巧、妩媚娇柔体现得淋漓尽致，也正是对黄色运用的独到研究，使得布歇先生一跃成为洛可可艺术领域的代表画家。

（三）蓝色

蓝色具有阴冷、沉郁的特质，作为三原色之一，蓝色带来的视觉体验与红色、黄色可谓截然不同，它是冷色调的奠基色。心理学认为，同一环境下，人的本能和心情会随着颜色的变化而变化，如身处于红色的屋室中，会不自觉地形成亢奋、激动等情绪反应；转变到蓝色的区域內，人的情绪逐渐回落、脉搏放缓，肾上腺素趋于平稳，科学家用脑电波实验也证实了这一论点。由于蓝色具有静谧、安宁的色彩特点，因此在一些作品中得到广泛应用。如毕加索在某个时期十分钟情于蓝色，鉴赏者一眼望去，完全可以感受到那份特有的隐晦和淡暗，表现派画家康定斯基、马克等，都非常乐于使用蓝色表达内心情感[3]；莫奈在《日出》这幅作品的创作中，为了让鉴赏者感受勒费尔港口静谧祥和的清晨，采用精妙的处理手法打造了一个被蓝色萦绕的露天场景，促使鉴赏者沉下心神慢慢品鉴。

（四）绿色

绿色可以用来描绘宁静、和平、安逸等氛围，虽然在油画的背景绘制中多有体现，但其显著的点题效果往往使作品具有别样风貌。莫奈的《睡莲》这幅作品中，绿色多有体现，首先，睡莲作为大自然的植物要用绿色加以衬托，其次，绿色对背景勾勒的重要意义，它与白、红、黄等交相辉映，焕发了睡莲的活力与动力，再加上池中蝴蝶翩翩起舞使画作意境进一步提升，造就出一幅和谐美妙的自然景象。再如梵高的《咖啡馆》这部作品，绿色既有安宁静谧之意，也突出了“生命可贵”这一主题，咖啡馆周边光线暗淡，内里却活跃四射、嘈杂纷乱，宾客三两成群、侃侃而谈，与外部环境形成鲜明对比，这种对比就得益于画家高超的色彩运用，造成了强烈的视觉反差，令人大开眼界。

（五）橙色

橙色所具有的色彩语言特点并不如上述颜色那般直接，实际上，橙色多在作品想要表达情感起伏时出现。橙色和绿色在艺术表达方式上有着一定的区别，尽管它同样可以用来展现愉快、光辉、安宁等积极情绪，但缺乏决定事物客观特性的影响力和说服力，所以对于橙色的定义以及运用方法，不同流派保持着不同的意见。古典派和写实派善于从现实角度进行叙事，他们认为橙色可以代表事物激进的思想，而学院派则对这种看法不以为然，比如学院派代表人雷顿在《燃烧的六月》中也用橙色作为主题颜色，但这部作品的核心内容是批判激进思想，否认写实派及古典派的某些意图或行为。在这部作品中，橙色起到了良好的传播语义的作用，提高了作品的艺术价值和可研究性。

（六）紫色

紫色的色彩语言可解释为高傲、自信、优雅，在特殊语境下，也可用来表达悲戚之感，其适应性略低于上述几种颜色，且直接效果不明显，需要鉴赏者结合画作其他信息进行深度理解。塔德玛在《无主见的对手》这幅作品中就使用紫色烘托悲伤的情绪，让艺术情感得以展现无遗。受政治、信仰等因素的影响，紫色曾被禁止应用，直到十九世纪开始，人类社会步入了新阶段，艺术领域逐渐告别了传统的思想糟粕，越来越多的画家才开始将紫色应用于油画创作中。

（七）灰色

灰色普遍应用于立体派、印象派以及巴洛克流派，其色彩语言主要表现为深邃、幽静、平凡，它与红色、绿色等呈现出积极情感的色彩有所不同，在油画中经常表达出事物消极的一面，所以画家在选用灰色作为基调时会非常谨慎，要避免色彩运用的突兀感，同时还要注意灰色与其他色彩的结合感。美国油画作家比尔施奈德的《罗林湾之险》以及德国作家安巴赫的《海岸风暴》，都是通过表达自然灾害的影响，进而体现出大自然强势、人类弱势这一恒定规律，灰色被大量运用到画作中，带有明显的压抑情绪[4]。

虽然色彩运用颇有讲究和难度，但掌握色彩的理论知识后，对大师作品进行分析理解，也不难发现，色彩是油画释放艺术张力、呈现艺术魅力的重中之重。

四、三原色、衍生色及其艺术情感

除色相、明度、纯度这三要素外，色彩在创作运用中还分为红、蓝、黄三原色，三种颜色任意搭配可以调出创作需要的颜色，比如黄色和蓝色可以产生绿色、红与黄可调制橙色、红与蓝可生成紫色，即三补色，再加上六个副色就形成了常见的十二色色环及衍生而来的二十四色色环，颜色越多色彩越丰富，画面也就越协调。原色与间接色形成邻近色、对比色、同类色三大色类。其中，邻近色是指色环上邻近的颜色，如红、橙、黄橙、土黄、黄灰、基黄，与另外两种色类相比，邻近色的协调性高、和谐性强；同类色是同一色下的不同色彩，如蓝紫灰、钴蓝、蓝色、天蓝、蓝灰、晴朗蓝等。

在如此多的色彩中，常用暖色和冷色进行归纳区分：暖色通常指人对色彩的心理感受，红、橙、黄等颜色作为代表，这类颜色容易让人联想到火焰、太阳、火山、阳光等，总之会带给人一种温暖的体验；冷色以蓝、紫、绿等颜色为代表，在一幅油画作品中，冷色调所产生的情感价值正好与暖色相反，它可以让人想到天空、海洋、冰川、雪地等，带给人寒冷、寂寞、孤独等体验，同时，冷色还象征着不确定的未来，如人类对科技的向往与追求。在实际生活中大家都会感受到冷暖色的真实存在，它是通过不同时机、不同遭遇产生的不同情绪感受演变而来的，如当人们因为遭遇不幸时会因此而愤怒、生气，此时就可使用暖色来表达这一情绪；如发生家庭矛盾、夫妻之间“冷战”时，彼此情绪低落、沉闷，就可使用冷色进行表达。在冷暖色认知的基础上，还提出了有关色调的理论，它是指一幅油画作品中画面色彩的倾向性或趋近度，按照“大协调、小对比”的原则保持色彩的对立与统一。

对于三原色、衍生色以及冷暖色调的相关概念，可以通过实例分析验证以上说明，以荷兰著名油画大师梵高先生的经典作品《星月夜》为例进行剖析。先观察画作整体的色彩分布，蓝色居多即意味着以冷色调为主，但是在将冷色调作为核心色彩的同时，还包含了一些暖色处理，如月亮、星河以及油柏树都是暖色的具体体现。该部作品以冷暖结合的方式促进了画作的协调性和统一性。除冷暖色调以外，还运用到了同类色与邻近色的和谐，在同类色处理过程中，出现了普通蓝、天蓝色、蓝灰色以及浅蓝色，把蓝色及黄色的同类色运用到一幅画面[5]；邻近色方面，黄色、橙色、红色按照“大协调、小对比”的原则进行加工。如梵高等美术大师的作品至今依然被奉为传世经典，想要鉴赏此类作品并深入分析其情感基因，就要求人们加强对色彩理论实践的学习，方能从色彩的角度进一步探索其内在要义。

五、结束语

油画离不开色彩的加工与装饰，只有保证色彩应用恰如其分、科学合理，方能吃透油画艺术的创作精髓，继而完美展现油画的艺术表现力，鉴于此，还望有关人士不断加强对色彩理论的认知与学习，灵活应用色彩语言为油画“添砖加瓦”，为油画艺术事业的进步与发展贡献力量。

参考文献：

[1]张瀚文.现实主义题材美术创作特征分析——以陈逸飞的油画创作为例[J].美术教育研究，2023（04）：26-28.

[2]杜晓玉，曹辰腾.现实的浪漫杂糅与对于传统的变革——论刘绍昆油画创作的转向[J].东方收藏，2023（01）：52-54.

[3]杜珊珊.东方印迹与当代绘画的融合转换——化用中国传统雕塑艺术进行油画创作[J].新课程导学，2022（31）：4-7.

[4]孙如静.油画教学中传统文化艺术的渗透——评《转译：传统文化元素与油画创作教学》[J].中国教育学刊，2022（10）：147.

[5]郭美馨，莫德格.由客观现实到主观意识——论油画创作中表现性语言的培养[J].美术教育研究，2022（18）：16-18.