许培鸿：惊春谁似我

健一

昆曲是中国戏曲发展醇熟，到达极度精致且最富表现力的剧种，也因此传习不易，创作尤难。盛行于嘉靖、万历与清初，一时名作名家迭出。道光、咸丰年间徽班融合昆腔与皮簧诸腔，创为平剧，因其平易，且受皇室喜爱而大为流行。昆剧因此逐渐式微，民国之后，传统的文人社会解体，昆剧更屡屡有广陵散绝之虞。

在此新美学的尝试下，青春版《牡丹亭》《玉簪记》演出遍及中国各地，以至欧美等国，盛况空前，464场，一票难求。在白先勇新美学的团队中，许培鸿的摄影是不可或缺的一环，他的参与不但见证了这一昆曲新美学的诞生，其本身就是昆曲新美学一种见微知著的绝佳表现。

从2004年到2019年许培鸿记录了上百场牡丹亭在全球各地的演出，按下了数十万次快门，累积了上万张的牡丹亭相关照片，这是他从事艺术创作这十多年来，唯一的经验。

在接受采访时，他经常会被问一个问题，一出戏拍这么多场不累、不厌倦吗？他总是微笑地说：“一点也不累，因为拍《牡丹亭》时，心态上我总将自己归零，只要用心，每一次都会有惊艳的收获！一份缘，青春版《牡丹亭》总制作人白先勇让这出戏有了源源不绝的能量，所有的人都在戏里成长。很幸运地我透过观景窗里，看到了演员的成长，记录了他们从青涩到成熟的身段和演技。”

“我认为，一张好的舞台剧照，得掌握到演员的精、气、神，并把演员挥洒的姿体，定格在最美的姿体艺术上，在演员动作的瞬间，每张作品都是我直觉式的即兴创作。对我而言，一张有水平的照片是不需要图说的，因为有力量的图片本身就能诉说自己的故事，但戏剧很特殊，只能用一两张照片去呈现复杂的剧中故事，但这一切又得跳脱传统戏曲的平面照片思维，于是我挑选了舞台上，静中有动、动中有静的相片，作为我诠释《牡丹亭》的舞台精华。”

“至于拍摄后台的部分，其实是戏曲之外最动人的地方，也是我观察每位演员最深刻的部分。但事实上，后台是演员情绪解放所在，也是演员最私密、最放松的场所，更是演员上台前累积情绪的地方。现场的拍摄必须降低自己对演员的干扰，同时尊重演员的情绪，让自己也是后台的一部分，隐形般地穿梭在演员之间。”

驚春谁似我昆曲新视界——祝贺青春版《牡丹亭》巡演二十年

展览开幕：2023年10月12日

展览地点：中国戏曲博物馆（昆山）

主办：昆山市文体广电和旅游局

昆山城市建设投资发展集团有限公司

前言

位于昆曲发源地的中国戏曲博物馆（昆山）开馆之际，由昆山籍昆曲人俞玖林领衔主演的昆剧青春版《牡丹亭》即将迎来首演二十周年。二十年来，这部由海峡两岸文化艺术菁英共同打造的昆曲剧目，在海内外巡演近500场，影响深远，堪称“新世纪昆曲复兴第一剧”。

当传统来到现代，当表演瞬间被摄影师捕捉，当影像遇到科技……让古老艺术重焕新生，还有无数可能！本次专题展，俞玖林携手青春版《牡丹亭》专属摄影师许培鸿，在昆曲发源地的全新空间，以“新视界”为观众带来全新的艺术碰撞，谨贺青春版《牡丹亭》巡演二十周年。

为什么会拍摄昆曲这种艺术形式？

我与昆曲的缘分始于2004年初，文学家白先勇制作了青春版《牡丹亭》。昆曲有一股说不出的魅力，拍着拍着，走了一段不可思议的昆曲之旅。昆曲集合了文学、戏剧、音乐、舞蹈、美术等多种元素，经过数百年的变革，甚至数度面临失传的危机。昆曲为“百戏之祖”，汤显祖的《牡丹亭》更是千锤百炼，如此的精致艺术非昆曲莫属，这也是吸引我投入记录的原因之一。

在拍昆曲时，你最关注的是哪些元素？

昆曲又称“水磨调”，节拍为四分之四拍，甚至是四分之八拍，如此慢的节奏，低回婉转，动人悦耳，简约雅致。融合音乐演出与舞蹈的拍摄经验，运用在昆曲的影像记录，特别是昆曲表演艺术流露出的“韵”，有别于其他戏曲的独特性。记录昆曲时我常常以慢速的快门来拍摄，让作品的视觉有一种流动性，在律动与静止之间取得了一个平衡，表演艺术的珍贵，在于每一次演出总有不一样的精彩出现。

你认为昆曲的美学特点是什么？你如何将这些特点通过摄影的形式表现出来？

昆曲是载歌载舞的艺术，不同于其他剧种，歌舞之余也表现出诗的境界，昆曲的唱与表演一气呵成，不仅唱腔长，动作表演性也丰富。透过昆曲记录，让我有着强烈的直观感受。美是抽象的，如何将心灵与精神上感受的美创作为影像，是很大的挑战，表演中的画面正在眼前不断进行中，视窗里每一个画面，结合了许多复杂的元素与技术考量，按下快门前一秒的思考，决定了所有观察、感受的定格，每一秒都是抉择也是赌注，这个形式的表现也和昆曲音乐特点如何体现在摄影中，有着十足密切的互动关系。

你的作品中，昆曲与当代社会的联系是什么？你希望通过作品传达给观众什么样的信息？

昆曲，对大部分的年轻人来说是陌生的，怕看不懂听不懂，所以直觉上产生距离感，现代生活中取而代之的是流行音乐。第一次接触昆曲对我而言也是陌生的，直到在昆曲拍摄过程中被感动而爱上，心里总想着如何运用影像的传达，让大众关注并进入昆曲的世界，一张照片或海报只要引起人们的兴趣，走入剧院欣赏表演，建立这个缘分，就是我想传达给观众的信息。

你觉得摄影在传承和推广传统文化方面有何作用？

数码的诞生，创造了影像即时性与普及性，一张好的作品无关媒材是数码或胶卷。当我拍摄时尚主题或音乐舞蹈，需要创造一些情绪与氛围，视觉需富有张力。然而面对人文或传统戏曲，必须尊重传统文化的原貌，放下浮动的情绪让自己的心先静下来，等候，等一个画面，等一个故事，一年接着一年记录着，同一出戏，同一批演员，一路走来将近二十年的历程真不容易，这些年来记录苏州昆剧院小兰花班的成长与精彩，也留下昆曲三代人传承的珍贵画面。

从音乐的角度来看，你觉得昆曲与其他艺术形式有何异同？你认为昆曲的音乐特点如何体现在你的摄影作品中？

音乐与许多表演艺术都是息息相关的，在我们的生活中也是。音乐在我创作上占有重要的分量，因它而狂，因它而雅，它滋养了影像创作灵感的来源，现在下载数码音乐虽然方便，但我依然收藏实体的ＣＤ，我喜爱各类型的音乐，有古典乐、爵士乐、乡村流行乐、民族乐，借着到世界各地旅行之际，如果聆听到当地美好的音乐便会如获至宝，如土耳其Türkü、苏菲旋转舞、葡萄牙的Fado、西班牙的Farmingo、蒙古的马头琴等等。

我拍摄过许多国际知名艺术家，如声乐家多明哥和卡列拉斯、大提琴家马友友、钢琴家傅聪等，舞蹈方面如瑞士洛桑贝嘉芭蕾舞团、苏黎世芭蕾舞团、云门舞团、玛莎葛兰姆，艺术家如文学家白先勇，画家刘国松，昆曲大师张继青、华文漪、汪世瑜，雕刻大师朱铭等等，拍摄大师肖像是很微妙的缘分，一生机缘或许只有一次，如果没掌握好，那遗憾就是一辈子。

舞蹈家透过音乐的旋律，肢体产生无限的生命力，视窗里，思绪随着他（她）们的肢体舞动着，心跳与指尖决定了千分之一秒的瞬间。

音乐家的感情丰富敏锐，生命的成长与滋养，让音符的诠释有不同层次的情感，演奏中的他们最为动人，也是我喜欢捕捉的时刻。

昆曲，在我的作品系列中属于后期的創作，照片虽无法传达声音的感动，从影像读取凝结中的故事，舞台上的音乐檀板轻敲，笛声响起时，身上每一寸细胞已被启动。《牡丹亭》一直进行到《惊梦》的“步步娇”及“醉扶归”这两支曲子，感受到杜丽娘在镜子里的美人气息，自赏且自怜，春光无限美好，也令人不禁伤感。当进入“皂罗袍”的曲子，达到抒情诗的极致，每一字、每个转身都是画面，有时候最优美的画面是主角与主笛的片段，观众也如痴如醉在剧中的氛围里，此时可能一个塑胶袋或物体移动的杂音就会产生干扰，在剧院里，观众与表演者的权益是优先的，虽然我是被授权的记录者，但这一刻我往往无法按下快门。

你拍摄了近200场昆曲演出，是什么动力让你坚持拍摄的？今后还会再拍吗？

近200场的拍摄记录，给了自己三个身份：工作者、记录者与观赏者。

第一阶段工作者：初期，身为青春版《牡丹亭》制作群成员之一，主要职责就是负责剧照的掌镜，戏开演了，我的职责也就完成。

第二阶段记录者：2004年4月在台北的首演成功闭幕后，我工作者的角色已经卸任了，然而，昆曲热潮这颗种子因为制作人白先勇的推动，在校园里萌了芽，从校园到各大城市，接着各大剧院艺术季的邀约，继而世界各国巡回演出。追随白先勇老师对传统文化推广的精神，也继续投入这段昆曲之旅的记录工程。

第三阶段观赏者：有朋友问我：“你长时间拍戏，一定没有好好看戏吧？”我说：“在记录一出戏的同时，我看着戏，因为感动也入戏。此时的我，是记录者也是观众，在观众席上，我会选择不同的区域座位来看戏与记录，赫然发现在不同的视角，一出戏有了多层次的体验感，一出戏有着不一样的解读，这也是多年来记录昆曲《牡丹亭》情与美的极致密码，一直也不厌倦。”

接下来《牡丹亭》将于7月在香港西九文化戏曲中心，明年3月在台北两厅院、高雄卫武营等地演出，我也将全程记录。