音乐与摄影：实现艺术间的通灵

林路

在摄影中，音乐可以作为一种灵感来源，为创作的情感孕育惊人的能量。而在音乐中，摄影则可以作为视觉效果的通感，转换成美妙的旋律上抵天宇。

即便是从短暂的摄影史中，我们也看到了无数大师级人物在音乐的旋律中“起舞”。比如对现代艺术和摄影的发展做出巨大贡献的阿尔弗雷德·斯蒂格里兹（AlfredStieglitz），他的创作就受到了音乐家兼作曲家肖邦的影响，其《夜间曲》系列在肖邦同名乐曲的引领下，表现出深情和浪漫的氛围。被誉为“现代主义摄影之父”的爱德华·韦斯顿（EdwardWeston），为人熟知的作品以人体和自然景观为主题，受到巴赫和贝多芬的音乐启发，弥漫出优美与和谐的氛围。还有曼·雷（ManRay），以其抽象和实验为观念的创作生涯，被誉为“达达主义摄影之父”。他的创作明显受到了爵士乐的影响，跳跃出充满活力和节奏感的旋律。而被誉为“后现代主义摄影之母”的辛迪·舍曼（CindySherman），以自拍和身份探索为特征的创作受到了流行音乐的影响，包括一些作品有着大卫·鲍伊和帕蒂·史密斯等音乐人的启发，以其反叛和自由的力量震惊于世。

其中最为经典的例子，莫过于美国著名摄影家和环保主义者安塞尔·亚当斯（AnselAdams），他的创作受到了贝多芬和莫扎特的音乐启发，还有肖邦钢琴演奏的“神灵附体”。其实亚当斯早年就是一位钢琴演奏家，只不过他在后来放弃了钢琴演奏生涯的生命长途中，用黑白胶片的神奇魔力，演绎出一曲自然世界的宏大乐章。他在按快门前，总要先凝视大自然，然后才拍摄。他说，每当他凝视大自然时，似乎能听到自然界也在向他叙述什么。用他自己的话说：“当我看到一张好照片时，常常会听到照片里的音乐。这并不是我故弄玄虚、自作多情，而是一种结构上的感觉，是音乐自发地从照片中产生出来的。”他的作品以其丰富绝伦的影调和纤毫毕露的细节，为亚当斯证明了摄影媒体潜在的可能。有意思的是，亚当斯是在与音乐家贝斯特结婚，定居在约塞米提山谷后，放弃了对音乐的钟情，转移到对音乐家妻子的热爱上，进而可以腾出主要的精力拓展他的摄影生涯。由于他和妻子都被地球上连绵起伏的山脉所迷恋，定居那里，就意味着他不必每年夏天都去一次，而是可以直接面对自然的神奇。更精彩的是，他用一个比喻，将摄影暗房制作与音乐巧妙地“通灵”在一起：负片是乐谱，制作就是演奏！

这样的“通灵”反之亦然——美国著名的民谣歌手和诗人鲍勃·迪伦（BobDylan），也是一位摄影师。他的摄影作品反映了他对美国社会和文化的观察和关注，被誉为“民谣摄影之王”。至于格雷厄姆·纳什（GrahamNash）这位英国著名摇滚歌手和词曲作者，作为摄影师的身份，通过风景和人物摄影，表现出了和他音乐节奏相通的深情和浪漫。同样作为摇滚歌手、诗人的帕蒂·史密斯（PattiSmith），她的摄影作品以黑白照片为主，孕育着她对文学、音乐和艺术的热爱和追求。还有一位美国著名摇滚歌手和词曲作者迈克尔·斯泰普（MichaelStipe），其摄影作品以人物和当代社会为主题，反映了他对社会和政治问题的关注和思考。

其中最为经典的例子莫过于布莱恩·亚当斯（BryanAdams），加拿大著名摇滚歌手和词曲作者。当你在互联网的搜索引擎上输入他的英文名字，大部分都是他作为音乐家出现的摇滚乐作品。有人说：世上最动听的情话是什么？我觉得是布莱恩·亚当斯的这句：我所做的一切都是为了你（EverythingIdo，Idoitforyou）。《Idoitforyou》诞生于1991年，在英国流行音乐排行榜位居榜首长达16周，该专辑获得美国格莱美音乐大奖。1993年，布莱恩·亚当斯和另外两位英国摇滚明星合作发布单曲《AllforLove》，再次牢牢占据全球榜首。他在音乐的道路上始终风光，是加拿大作品最畅销的歌手之一，全球唱片销量超过7500万张，获得多个音乐奖项，并因电影作曲获五次提名金球奖，三次提名奥斯卡奖。然而他从21世纪开始选择的是摄影——世界上大多数著名的杂志都争相刊登他的作品，并且引以为豪。布莱恩·亚当斯于是成为另一个世界的明星，是从摇滚乐歌手到摄影家的综合体。有一次回答媒体的提问“你是如何平衡音乐家和摄影家之间的关系？”他坦言道：“每个月我在世界各地都会有大约10场音乐会，中间的空隙全部用在摄影上。人们经常问我哪来那么多的时间，会不会分心？我以为我有足够的动力，充满激情去挑战。我喜欢自己拍摄的照片，具有神秘感！”

至于落到更实在的案例，首先，摄影作品可以通过构图、色彩、光影等手法来表达出对音乐的感受——《爵士之夜》（JazzNights）：美国摄影师威廉·克莱恩（WilliamKlein）的一组作品，他通过黑白照片的高对比度和强烈的光影表现手法，表达了爵士乐的热情和节奏感。《摇滚与烟雾》（RockandSmoke）：美国摄影师罗伯特·弗兰克（RobertFrank）的一组作品，他通过模糊的画面和色彩的渲染，创造了摇滚乐的狂热和烟雾弥漫的氛围。《布鲁斯之夜》（BluesNight）：法国摄影师雅克-亨利·拉蒂格（Jacques-HenriLartigue）的一组作品，通过对色彩的运用和对人物形象的把握，渗透了布鲁斯乐的深情和痛苦。《爵士的黄昏》（JazzatDusk）：美国摄影师威廉·莫滕森（WilliamMortensen）的一組作品，通过复杂的构图和明暗的对比，提升了爵士乐的悠扬和复杂性。《摇滚之光》（RockandRollLight）：美国摄影师亨利·达尔兹（HenryDiltz）的一组作品，通过自然光线和人物形象的塑造，穿透了摇滚乐的自由和艺术性……呵呵，数不胜数！

反之，音乐可以通过节奏、旋律、和弦等元素，来表达摄影画面的感受和氛围——《纽约之眼》（NewYorkEye）：美国作曲家菲利普·格拉斯（PhilipGlass）的一首作品，它以重复的旋律和节奏，凸显了纽约城市的繁忙和活力，与摄影师罗伯特·弗兰克（RobertFrank）的黑白照片中所表现的城市景象相得益彰。《雪山飞狐》（SnowMountainFlyingFox）：中国音乐家胡伟立的一首作品，它以激昂的旋律和高亢的和弦，将大自然的壮美和摄影画面中所表现的雪山风光相呼应。《狂野之心》（WildHeart）：澳大利亚音乐家尼克·卡维（NickCave）的一首作品，它以低沉的嗓音和急促的节奏，展现了摄影画面中所表现的野性和狂热。《野人之歌》（SongoftheWild）：美国音乐家凯特·布什（KateBush）的一首作品，它以温柔的旋律和和声，喃喃低语着大自然的柔美，达到了摄影画面中所表现的野生动物可愛和可怕之间的平衡。《午夜巴士》（MidnightBus）：英国音乐家布莱恩·伊诺（BrianEno）的一首作品，它以柔和的旋律和充满想象力的声音效果，让摄影画面中所表现的城市夜景的神秘和梦幻若隐若现……不胜枚举！

约翰·伯格曾说：“音乐是最好的疗愈，因为音乐不产生话语。”这让我想起了当时已经70岁的美国新色彩摄影代表人物之一的威廉姆·伊格莱斯顿（WilliamEggleston），面对记者很不情愿地讨论他的摄影作品时，却谈起了音乐，尤其是他自己的作曲，是为风琴所创作的乐谱。老人说：“我心目中的英雄就是巴赫，但是他没有太多的乐趣，也许因为他只是为教堂作曲……有人告诉我他所创作的清唱剧实在太复杂了，没有人能够唱出来。”关键是新鲜的体验方式对于伊格莱斯顿来说太重要了。根据这样的思路，他又提起了美国作曲家约翰·凯齐的观念和作品：“我无法确认他是一位音乐家还是一位魔法师，但是他太迷人了。”

旅美中国摄影家黄甦，对音乐与摄影的关系理解更是一往情深。他认为：音乐本是人类的另外一种语言，它表达了人们的喜怒哀乐和审美情操，进而塑造了音乐的形象。摄影原本就拥有图面的形象，它也能表达人们的生活情感，它通过技法手段形成了摄影的语言。他进而展开说：“音乐形象的组成要素为旋律、和声、节奏、力度、音区、音色、调性等。摄影语言表达的方式是构图、色彩、影调、深度、焦段、光影、用光等。于是：音组的七个自然音级就类似于画意中的七彩原色……”

最后，当我们迷恋于音乐与摄影的“通灵”时，还应该记取一种独特的文化现象——唱片封面上的音乐家和拍摄他们的摄影家。摄影史学家盖尔·布克兰德这样说：“音乐需要影像来传递自由和个人创造的信息，当音乐结束之后，静止的影像依旧存在，让音乐传遍四方。”于是，当音乐人通过唱片封面成为视觉明星的那一刻，拍摄音乐明星的摄影师也因此成为名人，包括安妮·莱波维兹、马克·塞里格、琳达·马克卡尼等等，让音乐明星的影像和自身的魅力并驾齐驱。是否可以这样说，摄影从音乐中抽出了最基本的能量。不仅是明星，还有对偶像崇拜的狂热人群。这些影像在摄影史中的地位，应该是不可低估的。

音乐与摄影，一言难尽的艺术“通灵”！