室内乐作品演奏中钢琴声部的要点研究

◎李宇辰

室内乐在意大利产生，是一种比较小型的乐器合奏。钢琴在室内乐作品演奏中处于不同的位置，很多人认为钢琴是伴奏乐器。但是，钢琴是重奏作品中重要的部分，在日常的演奏中，需要增加对钢琴演奏的了解，掌握钢琴声部的要点。基于此，本文对室内乐作品演奏中钢琴声部的要点进行研究，以期加强对钢琴声部要点的掌握，同时提高钢琴演奏者室内乐作品演奏的技巧。

一、室内乐的演奏形式及钢琴声部的作用

（一）多样的演奏形式及默契的声部关系

1.多样的演奏形式

在欧洲宫廷贵族当中，有很少部分的人进行演奏，同时也有少部分的观众聆听，这样的演奏形式称之为室内乐。但是室内乐演奏并不是在大戏院或者大型的音乐厅，是贵族家中的私人音乐厅。室内乐是贵族热爱的一种娱乐活动，分为声乐和器乐两种不同的形式。在18世纪中期，室内乐得到广泛发展，进入一些公开的场合，而演奏和观众也逐渐变多，成为形式更加多样的音乐表演形式。经过不断的发展，中国的乐器也逐渐走向了世界的舞台，民族乐器深受人们的喜爱。我国也出现了室内乐作品，例如冼星海的《阿曼盖尔德》，朱践耳的《玉》，以及谭盾的《风雅颂》等。钢琴声部通过对民族交响乐的模仿进行旋律的编写，通过钢琴独有的音域以及较为复杂的演奏技巧对各种不同的民族音乐进行演奏，考验了演奏者的专业技术。除了一些古典音乐不断发展之外，流行音乐也加入室内乐的作品中。最初是一群热爱流行音乐的年轻人对经典的歌曲进行改编，利用弦乐演奏的方式录制，然后再发布到网络平台上，之后便出现了很多有趣的组合，例如，三四个人共同演奏一个三脚架和一把大提琴。而钢琴的演奏者也没有在琴键前，而是通过一人演奏琴键，一个弹拨琴弦，另外一人拍琴板的演奏方式进行演奏。在表演形式方面进行了创新，也让声音的效果更加动听。通过这样的方式让歌曲被大家注意，从而丰富了音乐的表演形式。

2.默契的声部关系

室内乐一般分为四个独立的乐章，一般情况下，第一章是快板奏鸣曲式，第二章是浪漫曲，第三章是小步舞曲，最后一章是急板的回旋曲。室内乐跟独奏的作品演奏不同，能给人带来更加丰富的视听效果，但是跟交响作品相比，又如同小家碧玉一样，更能体现出丰富的情绪。室内乐作品中最为重要的就是复调式的写作方法。跟单一的主题不同，复调式能够让作品更加多样化，在一定程度上也保持了音乐的平衡。钢琴不仅能够演奏出不同的声部以及复杂的和弦，同时还能够在高低音区域灵活跑动，这样就提高了钢琴本身具有的复调特点，还增强了钢琴声部的层次感。在室内乐作品演奏中，没有哪一种乐器是用来伴奏的，每个乐器都拥有自己特殊的位置。乐器和乐器之间是平等而独立存在的，演奏者在发挥自身乐器演奏潜力的同时，对其他的乐器音效进行兼顾和统一。正是这种演奏者之间的默契让室内乐演奏显现出和独一无二的特色。将细腻的情绪以及演奏技巧发挥得淋漓尽致，带给观众不一样的体验。在演奏的过程中，想要展示出完美的演奏效果，需要对乐器有一定的了解，在排练的时候做到换位思考，调整自己的音色以及情绪。只有加强演奏者之间的密切合作，整个演奏的效果以及情感的表达才能得到提升。例如，舒伯特的《A大调五重奏“鳟鱼”》，在演奏中，小提琴声部是鳞片反光游动的小鳟鱼，而中提琴则是湖水，大提琴以及低音琴是暗涌以及波浪，钢琴声部好像偶尔刮来的风。这样看来，每个乐器声部都具有独立的音质表现，但是又会彼此融合，将奇妙而和谐的音乐完美地展示出来。

（二）钢琴声部在室内乐作品中的作用

1.对音色进行整合

钢琴能够对乐器的不同音色进行有效整合，在演奏的时候具有一定的技巧性。钢琴的音域较为宽广，能够和不同乐器进行有效配合。例如，和大提琴进行重奏时，沉重且哀婉的低音能够给人们带来下坠感，钢琴能够在中高音演奏出伴奏型织体，能够代替大提琴进行主题旋律的演奏；和小提琴合作时，高音具有明朗大方的特点，能够让人感受到小提琴轻飘飘的质感，而钢琴则会在中低音进行拉拽，增加了音乐的立体感。在室内乐作品演奏中，钢琴声部好像领导者既像音乐的黏合剂，能够对各个乐器之间的音色进行中和，使整个演奏表演更加流畅，更加具有特色，更加吸引观众。例如，在达律·米约的《小提琴、钢琴、单簧管三重奏》中，能够感受到钢琴在中低音的重要作用，因为小提琴的音区较高，让整个音乐的声音都显得明亮，单簧管的声音则稍微低一些，但是也位于中高音当中，单簧管自身的音色比较温润，可以对高音区的音色进行平衡，钢琴声部安排在低音区，增加了沉稳和低沉的效果。钢琴声部能够带来稳重感，拉开整体的声部差距，让整个乐曲具有不同的音响效果。

2.具有强大的和声效果

室内乐作品演奏中，钢琴的作用无可替代，自身具有宽广的音域，而且也具备强大的和声作用，可以完成复杂的和声编配。管弦乐可以发出比较连贯的以及流畅的声音，在大部分的作品中担任了主题的演奏，和弦的演奏需要两到三种不同的乐器来演奏，如果加入钢琴声部，就可以缓解各种乐器之间的凌乱感，一般比较复杂的和弦都会让钢琴加入，让演奏作品更加具有层次感。例如，柴可夫斯基的《a小调钢琴三重奏》，钢琴声部能够增强室内乐的复调属性，同时对大提琴和小提琴进行中和，增加线条感。

3.辅助其他乐器进行演奏

钢琴声部也能辅助其他乐器进行演奏，创造出不同风格的作品。不同时期演奏者的风格各不相同，而要想将自身的情绪发挥出来，就需要以演奏的作品为基础，把握好演奏作品的风格，带入自身饱满的情绪，进而演绎出不同的特点。例如在巴洛克时期，室内乐刚刚发展起来，跟现在的室内乐不同，其声音更具有空间感。强调演奏作品声部的连续性。从当时的演奏来看，钢琴声部主要是通过手指之间的断奏来发出清脆的声音。而古典主义时期，各个乐器之间的音色具有强烈感，演奏中每个乐章的调性也存在很多变化，钢琴声部的承接作用就显得尤为明显，这样也能突出演奏中的冲突感。浪漫主义时期更加强调个人情感的表达，通过对比发现演奏作品中更具有人情味。钢琴声部因此也能担任更多的和声表现，将复杂的情绪充分展示出来。例如贝多芬的《F大调第五奏鸣曲(春天)》，小提琴能够在高音区温柔地进入演奏的主题，对春天的美丽以及各种景象进行描述，钢琴声部处于中音区，能够有效地连接和弦伴奏体，好像是春天的风，让整个演奏作品充满生机。在低音区，单个音符能够给人带来更多的沉稳感，好像种子苏醒一样，能够体会到贝多芬的浪漫主义色彩。

二、室内乐作品演奏中钢琴声部演奏的要点

（一）钢琴声部风格的把握

室内乐作品演奏中对钢琴声部的演奏要点进行分析，主要参考贝多芬的《春天奏鸣曲》。此作品能够展现突破性，具有丰富的装饰音和动听的旋律，受到很多钢琴以及小提琴家的喜欢。此曲钢琴声部的分量也较重，展示了较高的钢琴音色以及演奏技巧，在众多室内乐演奏作品中具有代表性。贝多芬大多数的室内乐作品都创作于早期和中期，在早期，创作了六部钢琴和小提琴作品，另外还有钢琴和大提琴等作品。贝多芬早期的音乐较为简洁，通常遵循古典主义的规则，后来受到法国启蒙运动影响，作品中能够感受到对自由平等的追求，创造出属于自己的风格。同时也受到海顿的影响，在钢琴演奏中出现了克列门蒂式的演奏技巧，所以贝多芬在钢琴演奏中，自身的技巧也逐渐提升。在室内乐作品演奏中，增加了很多钢琴声部，这也需要演奏者付出更多的体力和精力。此外，贝多芬在室内乐作品中还运用了很多踏板的方式，虽然在很多作品中没有对踏板的使用进行标记，但是他的学生也提到，在室内乐演奏中，很多作品都用到了踏板，比作品标注的还要多。《春天奏鸣曲》中，钢琴声部为了能够更好地展示出春天柔和的旋律以及春意，需要增加踏板的使用，但是，在使用踏板的时候，需要注意踏板的深浅以及使用的时间，这样可以有效避免踏板滥用的情况。在速度方面，还是要保持古典主义的稳定性和严谨性，对速度的处理不能过于自由。在力度方面，贝多芬还运用了大量的力度记号。例如，突强和突弱等，很难出现中间级的标记。在演奏技巧方面，也出现了很多回音和颤音，需要通过手指的灵活性完美地展示。在这个时期，钢琴演奏要保持古典主义的刻板，还需要演奏出自己的风格，让演奏更加具有戏剧化色彩。

（二）钢琴声部与小提琴声部的默契配合

室内乐作品演奏中，通常分为重奏和齐奏以及主奏伴奏三种不同的演奏方式，重奏的运用最多，也是最为重要的。但是不论运用哪种演奏方式，演奏者之间以及乐器之间都需要拥有极高的配合度。室内乐作品是一种合作性的演奏方式，在演奏的过程中会出现很多问题。例如，风格不同，每个演奏者之间擅长的演奏方式以及擅长的乐器会存在一定的差异，所以进行同一首音乐的演奏时，演奏的风格以及表达的情感需要保持一致性。然后是音色不同，小提琴是高音的乐器，钢琴音域宽广，两位演奏者之间需要不断磨合，寻找对方的发力点，然后根据每个发力点的音色对两种乐器的音量进行调整。最后是注意力不同，在室内乐演奏合作的时候，每个演奏者需要注意的是，不能只沉浸在自己的声音当中，只关注自己的声音并不能很好地完成一场演出，而是要在整体的演奏中，随着整体音色的变化不断改变自己的音色。在室内乐合作中，演奏者之间的良好配合是完成作品的根本保障，也能让作品更好地展示出来。《春天奏鸣曲》中的三声中部部分，具有整齐的突出和声效果，钢琴声部和小提琴声部能够构建出大三度和弦。对小提琴的音阶进行配合，使整体更加干脆利落，通过空间感以及和声的效果展现出音乐的流动感，能够看见贝多芬的英雄主义色彩。齐奏部分能够对整首作品起到画龙点睛的作用。在第一乐章中，钢琴声部还有小提琴声部都是小二度半音颤音，也是演奏基本功的体现，在节奏方面，要求更加精准，而且手指的力度也要均衡，配合的难点是重复的十六分音符的颤音都没有错误的空间，而其他的部分通过延迟的方式寻找节点。在这一段中，如果前一段的织体看作是春天的暴风雨，那么后面的小节更像是对春意的盼望，为演奏作品增加了一些期待感，同时也呼应了整体结构。为了能够突出乐器的音色，也会安排不同的乐器位置进行主旋律的轮换演奏，因为音色的不同，可以让作品的主旋律更加多样，可以增加音色的趣味性，也能让观众感受到不同音色的主旋律，增加想象的空间。《春天奏鸣曲》第一章中，通过小提琴和钢琴交替演奏，凸显音乐的线条感，利用极低和极高的音乐效果形成反差，钢琴声部起到稳定的作用，在不断的重复下，将音乐的情绪进行烘托，让第一乐章拥有更加辉煌的结尾。

（三）钢琴声部的技术难点

钢琴声部要严格遵守每个乐章的速度，《春天奏鸣曲》在中速标记之后还有更为详细的形容词，例如，“极富表情的”柔板。在第二乐章中，钢琴声部的前半段柔和平稳，也会有一些装饰音，如果其他的音乐部分不进行音乐表情设计，就会显得平淡一些。所以，在进行钢琴演奏时，需要控制好呼吸，注意呼吸的长短变化，根据音乐的表情进行不同的处理，但是不能对整体的演奏节奏产生影响，这样的表现就会更加符合柔板的要求。第三乐章在速度方面用“极快”来形容，每个速度标记都是一个范围，“极快”就是该范围内最快的演奏速度，所以需要对每个形容词进行了解，掌握之后就可以避免出现失误。不同的演奏者在合作之前，需要对整体的速度以及节奏进行讨论，如果音乐的情绪出现变化时，例如，即将出现推向辉煌的结尾，就需要增加一些符合音乐整体的情景。主要的难点是要“适当”地控制，通过多次的排练，掌握彼此的速度，形成更好的默契记忆，让不同演奏者寻找到最好的演奏速度。此外，在切换段落的时候，钢琴声部需要先进入下一段，对音乐进行演奏，就好像讲故事一样。在演奏过程中对呼吸以及休止的控制也很重要，如果太过于死板，就会如机器人一样；如果太过于自由，又会让合作的演奏者找不出演奏的规律。所以适当地变化能够增加整体演奏的和谐性。钢琴声部的休止符设计可以影响到小提琴的声部呼吸，所以在演奏时，需要及时和演奏伙伴进行沟通，通过反复多次的排练，产生共情的效果，让演奏更加默契，保证演奏呼吸带来不同情感。另外，要注意对整体演奏音色特点的把握。小提琴声部在高音区，音色明亮，而钢琴声部在中低音区，能够表现出醇厚的旋律，不能为了展示不同的音色，而忽视了不同乐器之间的互补性，钢琴声部能够增加整体的浑厚感觉，而小提琴声部能够带来更多的柔和感，通过钢琴和小提琴之间的音色互补，才能展示出作品所表达的情感。

三、结语

综上所述，室内乐作品和大型的管弦乐不同，虽然涉及的乐器比较少，但是乐器之间的组合形式多样，同时拥有较为细腻的音响效果，具有一定的个性化特征。在室内乐作品演奏中，钢琴能够展示出多样化的风格，创作出的作品也不计其数。对室内乐演奏中钢琴演奏声部的要点进行研究，灵活地运用演奏技巧，把握好音乐的风格，可以有效提高钢琴演奏者在舞台上的灵活应变能力，演奏出不同风格的室内乐作品。