传统绘画与艺术设计

□张 轲

（张轲/崇信县文化馆）

传统绘画与艺术设计同属于艺术系列，二者既有相同之处又有本质的区别，是同一领域两个不同的门类。传统绘画纯属艺术系列，而艺术设计虽属艺术系列但更倾向于商业活动。对于二者的联系与区别感受最深的是画家和设计师。画家在艺术创作中需要有丰富的绘画基础作为支撑，将自己的所见、所闻、所想高度概括总结，巧加规划设计，通过笔墨语言予以表现，给人以美的享受；而设计师大多是美术生出身，具有一定的审美基础，按照拟定的命题要求，通过独特的设计构思，设计出优秀的作品来满足客户的要求。绘画注重意境的表达，而设计按照规定的方向进行，它们既有个性的表现，又有相同的审美理念。总之，他们是同一门类的两个不同学科。

一、传统绘画特征之所在

绘画是画家本人对大自然或生活实践的感性认知，是个体情感、思想的自然流露和表达，多数情况下是以自我为中心，随着自己的感觉走。因此，绘画要求画家具备较高的美术功底作为支撑，需要有较强的观察能力、笔墨材料的掌控能力、传统文化的感悟能力、个人情感的表现能力等。无论现代绘画还是传统绘画，都建立在继承和创新基础上，中国传统绘画（国画）注重意境的表达以及传统绘画技法笔墨语言的表现，要求画家融入个人对事物的感性认识，利用介质（画布、纸张）等进行创作，给人美的享受。同一作品重复的复制犹如印刷机千篇一律没有情感的表述，是缺少生命力的，只能称之为工艺品而非艺术作品。正如人们所说，传统绘画是将古人的东西揉碎了加入自己感性认识变成自己的东西，而不是将自己揉碎了交给古人。纵观绘画发展史就会发现，无论中国还是西方，优秀的艺术家都创造过极具个性化的艺术作品，从而形成自己特有的艺术风格。随着时代的进步和社会的发展，人们对事物的认知能力发生了变化，对艺术的审美也有了更加丰富的理解。

当今世界正走向资源共享、信息技术高度发达的互联网、物联网时代，网络、电视、各种自媒体等犹如雨后春笋般出现。新时代赋予人们新的历史使命，如何反映这个时代特征，如何用绘画语言表达自己所见、所闻、所想，是每位艺术家要思考的问题。一个合格的艺术家首先要具备对外界事物的敏感性认知，其次要具备超强的创新能力。要想在全国美展或大型书画展览中表现最为突出，在成千上万的作品中脱颖而出成功入选，绘画作品首先要标新立异，有较强的视觉冲击力，给人以耳目一新的感觉；其次是画面的经营状态、笔墨语言的表现能力、章法布局等。画家只有将自己的绘画语言表达到极致，才能产生震撼心灵的效果。而另一部分作品是作者运用传统绘画元素融入个性化创意尽情释放自己，如绚丽的色彩、奇特的构图，以吸引观众眼球，达到视觉冲击效果，给人以美的享受。如程十发惯用的墨块勾线法，厚重苍劲形成了他特有的艺术符号。崔子范的花鸟最忌直线，以曲线美而独树一帜，创立了更大写意的风格。

绘画是在二维空间上，对绘画艺术语言进行组织，依靠明暗结构的变化来表现物象的形态，构成物体的凸凹感，给观者产生物体对象的立体幻觉感，并通过所描绘物象的大小、前后遮挡关系、透视变化和墨色深浅变化、虚与实的对比等手法，呈现远近高低大小的空间效果。不同的绘画方式因工具材料、技法等因素，形成了种类多样的艺术趣味性，来满足人们对美的多样性需求。中国画依赖于笔墨的形象联系，讲究笔触线条要有力透纸背的力度美感，墨色具有深浅变化和积墨的厚重感，画面整体构图气韵生动。西方油画讲究色彩的浑厚、光影效果、物体的立体形态感。版画讲究木刻的“刀味”以及印刷的可复制性。水彩画讲究色彩、笔法的清丽明快及水分丰润的艺术美。种类繁多的绘画形式构成了绘画特有的艺术美。

二、艺术设计发展与现状

艺术设计是一门独立的学科，主要包含环境设计、平面设计、视觉传达、产品设计等，艺术设计广泛应用在城市规划、建筑景观、工业设计、产品营销、市场推广、公共服务等，关系人们生活的方方面面，运用十分广泛，与我们的生活息息相关。艺术设计因需求不同而千变万化，没有固定的模式和规律可循，仁者见仁，智者见智，以满足设计对象需求为目的，这就对设计师的综合素养有了更高的要求。

艺术设计是比较理性的，它必须受某种环境、题材约束，满足客户的需要，表现某一种产品或特定的宣传效果和含义。做设计必须有奇特的创意，想到好的创意并不是一件容易的事，设计者前期要做大量的工作。笔者认为，设计的成功与否取决于能否让产品受众满意。好的设计需要设计者全面了解对象的信息，包括环境因素、文化元素、产品元素、设计要求、受众满意度等，以精致为美。

把设计师比作调酒师是最为恰当的比喻，调酒师必须按照客人的喜好调制出不同口味的酒水，做设计可以很复杂，也可以很简单。从某种意义上来说，好的设计就是设计师的一种奇思妙想的搭配，我们通常无法预测设计所产生的最终效果。正因如此，每个人对事物理解认识程度不一样，其设计作品也各不相同，其中不乏有一些出乎意料的作品。

中国是较早使用货币的国家，据史料记载，自“夏”代，人造货币就出现，古代货币形形色色，蕴含了劳动人民的智慧，如早期的贝币、布币、刀币、五铢钱、铜钱、纸币交子等，足以向我们展现古代劳动人民的聪明才智。古代的许多货币设计样式延续至今，一直影响我们中华民族传统纹样的发展和中国传统文化元素的形成。秦代的铜钱内方外圆，融入了中国传统文化元素天圆地方的理念，图案简洁美观，实现了最完善的使用功能与最广泛的教化功能，使人类最初对图形的认识和应用达到一个新的高度。中国彩陶纹样是古人将设计纹饰用于生活用品中，除了点、线，还融入三角形、圆形、方形等纹样。这些简单纹样通过设计师的构思，巧妙搭配组合，形成了丰富的纹饰。当时人们已经明白了不以规矩不能成方圆的道理，懂得了圆动、方静，用天圆地方的规律认识图形，如此设计才显现出无比的高妙。钱币的圆形设计一直延续至今，被多国运用。

古代自从有商品交易开始，设计就发挥着不可或缺的作用。从宋代张择端的传世之作《清明上河图》不乏让人看到宋代商业的兴盛以及集市的繁华，这足以见证最初的广告营销在商业活动中的运用。“幌子”随着交易而产生，这一表现形式在产品销售中发挥着极其重要的作用。通过巧妙的设计和奇特的形状，其既装扮美化店铺引起人们的注意力，又向顾客传达商品信息，起到宣传作用，久而久之形成品牌形象和行业标志。

随着市场经济的不断发展和经济全球化的推进，设计在市场经济条件下的应用更加广阔，门类划分更细化，涉及各个领域，达到历史新高。在激烈的市场竞争中，无论国际还是国内的企业都对设计师提出了更高的要求，都把提高设计水平作为提升竞争力的一种重要手段。随着市场经济的快速发展，设计的功能和作用也在不断被放大，其影响力更是前所未有。根据调查显示，全球设计师人数约9000 万，这个数字为全职从事设计行业的人数。而在中国有将近1700 万设计师，其中包括室内设计、服装设计、平面设计、建筑设计、工业设计、产品设计、互联网设计和其他设计。这样一支正在不断壮大的文化产业大军，是市场经济发展过程中不可缺少的重要力量。然而，长期以来，从业人员分散在不同的行业领域，大多处在被边缘化的境地，行业界定不够明确，缺少规范的机构来管理和指导。从业者大多分工不明确，没有规范的行业标准来约束，行业中介组织更是无从谈起。面对经济社会高速发展的今天，市场竞争越加激烈，大数据、电子商务、直播带货、物联网等新型市场模式迅速崛起，我国设计领域相对滞后，迫切需要设计师提高自身素养和创新思维能力改变这一现状。

设计源于生活，劳动人民是最大的设计者。中国文化源远流长，博大精深，从出图的各类文物足以见证一切。新石器时代人类为了生存钻木取火，制作石斧、鱼叉等，到后来的陶器、青铜器、瓷器等每件物品的制作都充满智慧。例如，中国古代的钱币设计，就单个钱币设计所使用的年限之久，流通范围之广，使用数目之多以及这一设计所产生的政治、经济、文化等诸多方面的价值来看，可以说绝无仅有。如果要在全世界范围内评选某一项设计大奖的话，自然是非此莫属。所以，我们应该俯下身子少一点“专业”的眼光，客观看待问题，直视问题差距，虚心学习传统文化知识。基本的绘画知识是一个合格的设计师所必备的条件，设计师应将中国传统绘画理念融入现代设计中。

三、绘画与设计二者异同

(一)传统绘画与艺术设计的差异

1.绘画与设计的表现形式不同

绘画是画家对传统文化的继承和创新，是把个人情感的自然流露和对外界的感性认识，通过绘画的形式表达出来。绘画的材料有笔、墨、纸、砚、颜料等，根据需要，画家可选择不同的材料介质。绘画的过程分为观察、构思、创作、调整等。设计作为商品，是为商品市场服务的，是理性认识的思考，带有很强的目的性，以达到或满足某种诉求作为创作出发点，最终达到什么效果，以受众满意度为评价标准。设计可以手绘或电脑设计。随着科学技术的发展，计算机应用更加广泛，已逐渐取代手工绘制，对绘画基础要求有所减少。设计过程一般为掌握设计需求—开展调研—构思创作—电脑设计等。因此，绘画与设计的表现形式存在很大差距。

2.绘画与设计的价值属性不同

绘画与设计的价值趋向截然不同。对于“绘画”而言，它是纯艺术的、精神领域的追求，并非纯商业化（商品绘画除外）。画家在绘画创作过程中更多考虑的是自身的感受、技法运用、个性风格和情感寄托的表达，不会去考虑作品在市场经济中的价值。设计是伴随商品经济的发展而产生的服务活动，把它归属为服务业，足以说明设计的价值属性。设计具有物质性、目标性、功利性和实用性。设计师面对的是客户，必须按照客户的要求去设计产品，满足顾客的需求，赢得大众的认可，最后通过市场竞争，达到设计的目的。这势必要求设计师在创作中处处为客户考虑，加入消费者的观点。这就影响了设计师个人情感的表达。所以，设计与绘画最大的区别在于价值属性上的异同。

(二)传统绘画与艺术设计的联系

传统绘画与艺术设计之间存在着各种差异，但联系又非常紧密。绘画与设计都遵循美学逻辑思维，审美价值取向相同，且对美的追求和给人带来的美的享受是相同的，在艺术规律和艺术特征上有很大的相似性和同源性。特别是设计师必须具备扎实的绘画基本功，如此才能提高思维能力、创新能力、表现能力、审美能力等。综观各大院校设计专业课程设置，学习设计必须从绘画的基础开始，在有一定绘画基础的前提下，才能向设计课程过渡。如果一个从事设计的人不懂得绘画，那将寸步难行。在设计初期，绘制草图可以拓展思维，捕捉灵感。因此，绘画是培养学生设计意识及设计表达能力的重要环节。画家具有敏锐的观察能力、事物感受能力、丰富的情感和生动的想象能力，本身就具备设计能力。如果在创作过程中融入设计理念，作品会更具美感。

综上所述，绘画与设计既是独立的个体，又不可分割，紧密联系在一起。我们只有正确理解绘画与设计的共性与个性、差异与联系，才能对二者的关系有客观、辩证、科学的认识。事物的产生都有其存在的必然性，设计师也应随着社会的发展，在学习中成长，在摸索中前行，将传统文化元素融入设计理念中。画家在创作过程中要融入设计思维，不断提高创新能力，多创作出能够触及人们心灵的精品力作，讴歌时代新风尚。创新发展，人才是关键，只有培养出新时代所需要的高质量的艺术人才队伍，才能使设计与绘画在碰撞与交融中得到更好的发展。