高校声乐教学教改中如何体现创新性

2020-12-02韩京讯郑州工业应用技术学院

黄河之声 2020年15期

◎ 韩京讯（郑州工业应用技术学院）

高校声乐教学和中小学声乐教学有着不同之处，高校声乐教学要调动学生的主观能动性，让学生达到自主学习的目的，正所谓知其然并知其所以然。教师作为声乐教学的重要传递者，不仅仅要将一首首现成的歌曲交给学生，还要将歌唱的理论依据和学习方法传授给学生，正所谓“授人以鱼，不如授之以渔”。[1]随着时代的变革和时间的推移，教学模式和课程体系必然随着时代的发展产生新的变革，让学生更容易接受某种新的学习方式、更容易获取知识技能，并从中受益。而作为高校的一线教师，不仅要把工作的重心放在教学上，还要利用教学之余，去研究教学，与时俱进，探索声乐教学新思路。[2]

一、高校声乐教学的现状

高校声乐教学一直在改革发展，在这个过程中也取得了巨大的成绩。但是，也存在着或多或少的问题。经过笔者调查研究发现，目前高校声乐教学有以下问题亟待解决。第一，声乐课堂教学氛围不够活跃。高校的声乐课堂早已形成了一种固定的模式，通常是小组授课这样的形式，并沿用至今。在一个狭小的琴房，首先进行发声练习，然后再演唱作品。发声练习主要教授演唱技巧，是声乐教学的必要环节。但是，因为学生的不重视，再加上声乐教学比较抽象，造成了声乐课堂机械乏味的现象，很难调节课堂的氛围，使声乐教学课堂陷入被动的局面。第二，学生的音乐素养远远不足。声乐艺术是一门综合性的艺术，涵盖多个学科的知识，当下普遍的现象就是学生歌唱理论知识储备甚少。[3]在有些招生层次较低的院校，学生甚至在音准、节奏上都存在问题。这样的状况会直接影响声乐教学的效果。第三，缺乏舞台实践经验。很多学生经历了本科四年，毕业之后，依旧不敢张口面向观众，看到人多就紧张，上台之前心跳加快、手脚发抖、口干、无法控制自己的身体，更无法控制自己的声音。这就是在高校声乐专业人才培养过程中，缺失舞台实践所致。第四，部分教师教授唱法过于单一。美声唱法与民族唱法之间是有很多相通之处的，但是在实际的教学过程中，有的教师把美声唱法和民族唱法完全分离，让学生误以为两者毫无瓜葛，甚至相互排斥。

二、高校声乐教学改革创新的必要性

（一）创新是教师个人提升的需要

在声乐教学中，有一些年龄偏大的老师，有着丰富的教授经验，但是，时代在发展，很多固有的观念和教法已经不适合现在的学生，学生不再喜欢甚至不愿接受老套刻板的教学方式，教师的教学对学生的学习产生直接的影响，只有认识到创新性声乐教学的重要性，与时俱进才能更好的投入教学，促使学生取得更大的进步。

（二）创新是塑造作品的需要

创新性的教学方式，有助于学生歌唱思维的培养。我们都知道，歌曲表演艺术有两个创作过程，“一度创作”是指词、曲作者的音乐创作，“二度创作”就是歌唱者的音乐表现。[4]“一度创作”是固定的，通常无法改编，那么“二度创作”就是创新性最有力的体现方式，从了解作品，背诵作品到演唱作品，是一个学习的过程，这个过程可以是浅显的也可以是深入的，也是展现自己与别人演唱效果不同的最佳方式，如果只是学习了声乐作品的谱面内容，而没有深入研究，那样演唱出来的声乐作品很难去打动自己，更难打动别人，教师在教学的过程中，要极力引导学生进行“二度创作”，塑造让人印象深刻的声乐表演，为自己学习演唱过的声乐作品留下属于自己的标签，由此可见，创新性会让学生展现出独一无二的自己。

（三）创新是培养符合社会发展人才的需要

从学生的择业就业来看，工作环境对声乐学习者的要求日益提高。我们知道，要想每一位毕业的学生都能够成为歌唱家、进入歌剧院工作是不可能的。很多工作岗位需要我们演唱专业性歌曲，而并非专业的传统歌剧作品选段。但是，在传统的声乐教学中我们通常会选择专业的艺术歌曲或者咏叹调，很难让学生在工作岗位中展示自己，突出自己的优势。因此，传统的声乐教学不利于学生长远的职业规划。这就要求教师要把更多的经历放在声乐作品的选择上，一定要教授多样性的声乐作品，让学生学到处理各种类型声乐作品的技能。

三、高校声乐教学改革创新性的具体措施

（一）建立反转课堂

相互合作包括教师和学生之间以及学生和学生之间，传统的声乐教学模式中，存在着大量的教师和学生相互合作的情况，教师讲授，学生接受。要想调节课堂的氛围，就需要让学生从课堂的接受者、旁观者转变为主动的参与者。在一对三的教学过程中，让一名学生进行声乐作品的演唱，另外两名学生进行指导，指出问题所在，这并不是为了让学生在课堂上“反目成仇”，而是为了让他们更有效率的学习，更用心的投入课堂学习。在声乐学习的过程中，很多学生总是听不出自己的问题所在，反复讲解，依旧很难领悟。通常情况下，学生可以听到别人的问题，所以，我们要以此为契机，让学生相互指出对方歌唱的优点和缺点，同样，也要给出解决问题的方案，这样一来，歌唱中的问题学生会记得更清楚，也更有效的去学习了别人的长处，避免自己歌唱时错误的出现。当然，这样的做法并不是教师不尽职，也不是将教师从声乐教学课堂中解脱出去，教师依旧需要参与全过程，时刻监督学生，掌控课堂，与学生共同讨论，引导学生去解决问题，随时帮助同学解答解决不了的问题。

（二）提高学生整体音乐素养

当前，高校声乐学生存在一个普遍的现象，很多学生为了升学选择了一条看似捷径的道路，在几个月的音乐集训之后进入了向往的大学校园，在开启真正的声乐学习之路时，我们会发现，这些学生的整体音乐素养远远不够。基于这样的普遍现象，首先，提高学生的音乐知识储备，进行音乐以及声乐专业知识的系统学习。当然，不能让学生只了解一些皮毛知识，声乐课堂时间有限，更多的分配给了声音技能的训练，因此，要从最基础的抓起，将理论知识系统全面的普及到每一位同学，这就需要在学习声乐的过程中，专门加入声乐理论的大课，让学生共同了解歌唱学的体系，引导学生不断丰富自身的知识储备，为更好的声乐学习打下坚实的基础。其次，提高学生的音乐辨析能力，培养学生音乐欣赏的兴趣，让学生多学习观摩优秀的声乐作品，利用这样的鉴赏方式，主动发现作品的独特之处，加深学生对作品的理解，对作品进行尽可能详细的分析。第三，提高学生对情感的感知和把握能力，声乐艺术也是情感与艺术的结合，情感充沛会使作品演唱更具生命力，我们常说“艺术来源于生活，高于生活”，因此，在教授歌唱的过程中，教师要通过现实生活中鲜明的实例，对学生进行歌唱情感的引导和挖掘。

（三）舞台实践课程建设

通常情况下，学生平日里在琴房上课，都能够表现的从容淡定，一到考试，就会出现“怯场”，所谓“怯场”，就是学生在面对不熟悉的人和环境歌唱时，出现了紧张的情绪，导致演唱不自然，通俗的理解就是没有发挥好。这种表现时有发生，这样的状况一旦出现一次，就会直接打击到学生本身，会使学生对歌唱丧失信心，这就必须要找到原因，总结教训，在日后的学习中，努力克服。声乐表演能够取得良好的效果，扎实的演唱功底很重要，但是很显然，上述情况是舞台实践太少，要想正常发挥，取得良好的舞台效果，就需要多上台。这也就证实了声乐舞台表演实践是检验声乐演唱好坏的重要途径，在整个练习的过程中，教师作为策划者，监督者，不是要把问题全部抛给学生。而是要让学生深刻领悟到好的作品需要一遍遍的打磨，需要一次次揣摩作品情感，精心设计每一个动作，将自己全身心的投入到声乐作品，一次次的在舞台上演练，将自己舞台学习的整个过程记录下来，让学生真实的了解自己的每一次变化，紧抓作品的每一个细节，积累更多的舞台实践经验。久之，心理素质也会不断地提高。以此类推，用同样的方法，经过持久的舞台实践后，一定能够演唱好每一首声乐作品。在实际工作中，一定能做到声乐演唱与舞台实践同步进行和发展。

（四）塑造学生正确的声音理念

随着时代的发展，美声唱法走向了我们，我们的民族唱法走向了世界，美声唱法和民族唱法之所以可以长远的发展，都有其存在的科学性。[5]美声唱法具有较为完善的理论体系，民族是我们中国的传统音乐，都有各自的发展道理所在，因此，在很长的一段时间里，歌唱界存在着“民美唱法之争”的现象。甚至于现在，在教学的过程中发现，一些学生初入大学校园，已经给自己贴上了唱法的“标签”，对于唱法的界定，这些初学学生的理解总是很简单，比如模仿音响效果，唱出了厚重的声音，又或者艺术考试的时候选择了一首外国的咏叹调，他们就认为自己的是美声唱法，有些学生唱出了细亮的声音，又或者唱了一首中国的地方民歌，他们就认为自己是民族唱法，这就是他们衡量自己唱法的标准。显然，这样的标准太笼统表面。

大多数人都有先入为主的思维方式，一旦认定了自己是某种唱法，就会下意识的抵触另一种唱法，很常见的现象就是民族唱法的学生不愿意接触外国作品，美声唱法的学生中文字咬不清楚等等诸如此类的问题，这样一来，必然局限了自己的视野。因此，在教学过程中，要教会学生互相借鉴，美声唱法源远流长，科学严谨，民族唱法风格显著，表演形式灵活，情感更加灵动，在声乐学习的初期，不要刻意把自己圈进一种唱法，这就需要教师的正确引导，在教学的过程中，教师应该让学生尝试不同的声音，接触各种类型的声乐作品。这对教师的要求显然更高，在教授歌唱的过程中，不能仅仅示范单一的声音，要让学生理解歌唱声音最终的走向就是“通畅”。只要声音通畅，民族美声是相通的，是可以互相借鉴的。