西方钢琴演奏艺术及教学之流变

摘要：钢琴作为音乐活动和音乐教育中使用最为广泛的乐器，其性能不断发展完善至接近现代钢琴的模样大致是在肖邦的时代。对发端于羽管键琴时代以来三百多年的钢琴演奏及教学之传承发展做一梳理将有助于"钢琴教师"们更好地完成自身所担负的教学职责。

关键词：钢琴教育 钢琴教材 钢琴演奏 钢琴学派

现代钢琴演奏艺术，自巴洛克时代以后，海顿、莫扎特、克莱门蒂影响了贝多芬的钢琴创作、演奏技巧又传至车尔尼的演奏体系，再经车尔尼的学生李斯特、莱谢蒂茨基等人和他们旗下众多弟子传承下来并传播到世界各地（19世纪后期钢琴演奏舞台上活跃着的大多都是李斯特和莱谢蒂茨基这两位贝多芬再传弟子的学生们），结合所处地缘地理环境塑造的民族性格和民族文化风俗特征，发展出后来的“德奥学派”、“法国学派”、“俄罗斯学派”等等有各自特点的钢琴演奏风格流派而传承至今。

一、巴洛克时期的钢琴演奏及教学

钢琴演奏、教学和现在流传的作品以及还在影响着现代钢琴艺术各方面的历史回溯来看，现在公认的说法是“钢琴艺术三百年”，也就是从巴洛克时代开始。

巴洛克时期，钢琴的前身——羽管键琴发展到了鼎盛阶段，羽管键琴除了独奏以外还在室内乐演奏里演奏起着乐队指挥作用的数字低音，羽管键琴就是乐队的灵魂，一般也都由作曲家自己担任教会、皇室、城邦、公爵的宫廷乐队队长兼乐队指挥并亲自演奏羽管键琴（比如巴洛克音乐的集大成者巴赫、亨德尔）。此外，也普遍的用来为歌剧、清唱剧中的宣叙调做伴奏，羽管键琴也成为当时上流社会的一种时尚选择。德国作曲家巴赫（J.S.Bach 1685-1750）、英国作曲家亨德尔（Handel 1685-1759）、法国作曲家库普朗（Kouperin1668-1733）、意大利作曲家维瓦尔第（Vivaldi 1678-1741）和斯卡拉蒂（Scarlatti 1685-1757）等等都是那个属于巴洛克后期最为著名的音乐家，其作品至今仍然广为流传，尤其是巴赫，对键盘音乐的发展起着无人可替代的重要作用。

从钢琴教学方面来说，所有正规学习过钢琴的人恐怕或多或少都弹过巴赫的作品，“从这本《初级钢琴教程》看来，巴赫认为学习他的作品最好从主调音乐复调化处理的织体入门，因为这样的作品段落清楚，结构方整；节拍明确，强弱分明；体裁定型，织体单纯，旋律处理简单，易于把握风格。而且，在这样的织体中可以慢慢学会如下一些弹奏复调音乐的基本功。1.声部线条化处理……2.声部对比和互补……”巴赫为自己的儿子而写的二部、三部《创意曲》等等这些钢琴作品（教材），都是为了使学习者学会在弹奏复调音乐的时候要注意除了主旋律以外的声部。在“伴奏”的低音声部，除了其和声功能以外，还要找出其中的旋律音来，并要让它歌唱起来，这样的织体处理方式在肖邦的音乐中也有很好的“继承”体现。巴赫的音乐除主旋律以外的声部均具有一定的独立意义，弹奏时就需要采取相应有对比、有变化的不同触键方式来弹奏，还要注意节奏、节拍、切分重音的处理，“除了教会最基本的乐理知识和钢琴基本弹奏技术——如音名、不同的谱表、指法、触键技巧——之外，巴赫一是希望通过这本曲集让他们熟悉巴洛克音乐的一些主要体裁和主要音乐语言风范。二是想向他的孩子们演示，自己是怎样仅以一些最不起眼的、普普通通的动机构成各种各样乐曲的。”巴赫的儿子卡·菲·埃·巴赫在后来的著作《论键盘演奏的真正艺术》中就键盘乐器演奏的手型、指法、装饰音和即兴弹奏等等做了详细论述，他主张弹奏钢琴时要用“拱形”的手形而不可用“平直”的手形来弹奏，“准确无误的指法、趣味高雅的装饰音和丰富的表现力是演奏好键盘乐器的三个要素。”莫扎特的演奏（和创作）大体承袭了巴赫时代“手指学派”精致细腻、清晰流畅和趣味高雅的即兴演奏（创作）的传统。

从钢琴教学的内容和形式来看，那个时期的钢琴教学基本上都是私人教学的授课方式，其教学除了学习钢琴演奏当中各种音阶、琶音、级进、模进、颤音等各种装饰音的弹奏技巧以外，与音乐相关的乐理、和声、曲式等等内容也同时就融合、结合在钢琴教学之中进行，一般也就不再需要象现在一样的另外开设这类课程，所以那个时期的巴赫、斯卡拉蒂、亨德尔等音乐家大多既是作曲家又是演奏家、指挥家。后世很多如海顿、莫扎特、贝多芬、肖邦、李斯特、拉赫玛尼诺夫等等杰出的音乐家也无不是把巴赫的音乐当作学习演奏、曲式、和声、对位等等全面音乐技能的“圣经”而认真学习、研究过，他们大多也都承袭了巴赫集作曲家、演奏家于一身的传统而流芳古今。

二、古典乐派以来的钢琴演奏及教学

回溯钢琴演奏与教学的历史，近现代钢琴演奏各大学派和各学院教学风格、传统可以追溯至出生于意大利，被看作是贝多芬引路人的克莱门蒂（Muzio Clementi）。他被称作是“近代钢琴演奏之父”，其作品和演奏增加、丰富了羽管键琴时代所没有的八度、双三度、震音等一些内容和技巧而大大拓展了钢琴的表现力，其创作的《钢琴演奏艺术入门》是最早的钢琴教材之一。当时处于钢琴和古钢琴同时存在的过渡时期，钢琴的制造和专为钢琴创作的音乐同时在发展，钢琴音乐作品也由复调音乐逐渐向着“主旋律加伴奏”的方面发展变化。作曲家、作品、演奏家、钢琴、教师、学生是与钢琴相关的一个完整有机体，钢琴上乐队化的演奏效果和歌唱性旋律极具表现力的丰富多样的演奏形式，使钢琴家们努力去丰富和增强他们解决一系列技术问题的技巧、能力。

随着钢琴制造技术的改进，仅依靠手指尖第一关节灵敏、轻巧触键而手掌、手腕等等都不允许有所动作的弹奏方法无法表现出多一些的力度层次效果来，从而就必然会限制了作品情感表达的、基于巴洛克时代作品的羽管键琴上的“手指学派”弹奏方法就自然不再适应在当时已经基本发展、改进到了接近现代钢琴性能的钢琴上来演奏的需要，所以，克莱门蒂要求学生进行严格扎实的“高抬指”（手掌不动，手指抬高，大力弹下）训练，均衡全面地训练五个手指。海顿奠定了钢琴作品最为重要的“奏鸣曲”曲式结构，“贝多芬创造性想象力的巨大力量引发了技巧展现的新形式，并产生了对钢琴家和钢琴制造业的极高要求。一个新的声音典范开始形成。”贝多芬为代表的作曲家们为表现丰富多样情感的富有更多创造性想象力的作品；要求钢琴家们具备更多能够以丰富多样的技巧来进行演奏的技术能力；钢琴制造者们对乐器的精巧设计不断改进也使得乐器的音色和性能得到相应的发展进步，三者之间相互刺激，使钢琴作品和相应的演奏技巧更加丰富多样，也就促使适用于羽管键琴时代的巴洛克“手指学派”更进一步走向了衰落。

卡尔·车尔尼为了解决那个时代古典乐派钢琴作品演奏中所可能碰到的各种问题的需要在教学当中创作了一系列数以千计的练习曲，查理·路易·哈农也从解决纯手指技巧的角度创作了《哈农钢琴练指法》，为了让儿童自然、愉快地学习钢琴而创作的、作曲家费迪南·拜耳1875年出版的以手指运动法开始的阶段式教材为轴心，再配以理论式解说的《拜耳钢琴教程》等等，他们所代表的是古典乐派以前至古典主义向浪漫主义过渡时期的钢琴演奏艺术，更多是“手指学派”时代的传统技能训练，但这些严格训练钢琴演奏最为基础的手指技能为主的练习曲仍沿用至今，广为流传。

浪漫主义音乐的杰出代表肖邦就仅教过极少几个学生，他的演奏和教学要求完整协调地使用手指、手掌、手臂，而不仅只是使用手指来进行弹奏，他主张在钢琴上探索、使用不同的触键方法，特别注重连奏和歌唱性，主张向优秀的歌唱家们学习，学会在钢琴上歌唱，他要求学生要同时学习声乐和钢琴，“当你弹钢琴的时候必须要唱出来”。“浪漫派钢琴演奏风格始于肖邦和李斯特……浪漫主义演奏风格的传统——纯净的音色、带有矫揉造作感的乐句、刻意突出的内声部、大量自由节奏的运用和速度的波动、沙龙风格、对乐谱的随意改动、具有明显特征的曲目选择。”

同为浪漫主义音乐大师的李斯特和肖邦一样，其演奏和教学原则主张也是通过其经典杰伦的练习曲加以呈现的，他主张“技巧不需要练习，而是要依靠练习的技巧。通过分析技巧，他把钢琴音乐中所有难点简化成某些基本程式。一个掌握了这些程式的钢琴家，经过一番调整后，就具备了为这一乐器所写的任何作品的能力。他认为音乐家要做的第一件事就是学会听；只有能把身体和手指与耳朵和心灵配合起来的钢琴家，才能被认为是真正的技巧大师。”李斯特的演奏和他的作品都继承、发展了贝多芬所追求的乐队交响化效果的处理，要求手指、手腕、手臂、肩膀和躯干所有身体部位肌肉的运用和协调，促进了钢琴演奏技巧的根本变革。

和李斯特同样出自车尔尼门下的钢琴教育家莱谢蒂茨基，与李斯特活跃于演奏和创作以及在一些时期开设“大师班”不同，其作为钢琴家活跃于演奏舞台的时间并不长，其主要精力专注于钢琴教学且成就卓著，除了在维也纳从事私人授课外，1852年他22岁的时候到俄国演出遂与安东·鲁宾斯坦结为好友，此后侨居圣彼得堡从事指挥、演奏、教学工作，10后又应创建圣彼得堡音乐学院的鲁宾斯坦之邀，担任了圣彼得堡音乐学院钢琴系主任16年，至1878年他返回维也纳，继续从事私人教学。他的教学继承了车尔尼进行全面严格的手指技术训练的教学体系，又吸纳了当时初有影响的“重量弹奏法”的理论，根据学生个体差异区别对待、因材施教，“他能够使学生听到并辨别自己在琴上发出的声音，从而让学生成为自己的老师。”让每个学生找到自己的发音方法和探索出自己的演奏风格是他的教学原则。其门下弟子风格多样，众星闪烁，其中安娜·叶西波娃成为俄罗斯钢琴学派奠基人，阿图尔·施纳贝尔则成为德国现代钢琴学派的开山鼻祖。

三、钢琴演奏艺术概述

钢琴演奏的艺术，是基于形象化原则来加以呈现的，演奏者根据自己的理解，透过创造性的诗意想象和直觉，使用恰当的弹奏手法把作品的艺术形象、情感内涵和精神力量传达、表现出来。“每位演奏家是根据自己的世界观和文化修养，根据自己的（受社会影响制约的）经验，以自己的方式去领会和解释音乐作品的。他淡化或强调某些特点，是作品合乎自己的条件——总之，是力求使作品贴近自己的个性。”同一作曲家的作品在成熟的演奏家演奏时必然有着各自的风格特点，比如“吉泽金对莫扎特的诠释是旧式的，虽然没有夸张的浪漫主义风格，但也没有像施纳贝尔那样富于莫扎特非常男子气概的壮丽结构，也没有菲舍尔的戏剧紧张度，更不像后来的鲁道夫·塞尔金那样的活力、幅度更大的力度变化和恢弘的声音，吉泽金的演奏始终保持着节制，就像是端庄的淑女。”尽管这几位钢琴家都同样属于德奥学派。

俄罗斯学派“钢琴家的艺术修养首先体现在对音乐风格的精确把握上。……它主要集中在歌唱性的旋律、追求完美的音色，以及对音乐曲式结构、历史背景的研究和理解上。”德奥学派“他们都是贝多芬的精神后裔，有着极高的艺术修养，注重理性思维能力，强调对作品结构的掌控。他们也非常注重对音色的锤炼，与浪漫派的光彩照人、娇媚可爱和令人炫目的表演不同，德国现代学派的演奏通常是雄浑有力、扎实稳健和素淡持重的。”法国学派“‘如珍珠般（jeu perlé），意指均匀而迅速、清晰的演奏风格，均匀的经过句中每个音都明亮，声音形态完美，就像项链上的珍珠。”

“德奥学派”与“俄罗斯学派”是音乐界公认的两大学派，他们的传承、发展基本都同样源于贝多芬时代的音乐精神和技术传统精髓。尽管当今许多活跃于世界舞台的著名演奏家来自美国，但他们大都是在欧洲成名后才到美国发展的，美国作为世界上最发达的工业国，有着最为繁荣的文化和商业环境，为演奏家们提供了更多的舞台及商业机会，所以全世界有成就的艺术家们都以赢得美国听众作为演奏事业成功的重要标志。

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作者简介：

范琴雯，云南艺术学院音乐学院副教授。