现代艺术设计与艺术内蕴的交融性探析

“艺术是什么”和什么是“美”等问题，都是西方现当代美学中尤其是哲学美学中一个非常重要的问题，并且因为被认定是一个没有实体的自我循环的假命题。狄尔泰开始探讨艺术，而不去讨论艺术的本体是什么，观点表现为：“艺术王国是一个纯粹形式的王国。它并不是一个单纯的颜色、声音和可以感触到的性质构成的世界，而是一个由形状与图案，旋律与节奏构成的世界。”他认为艺术因为包含人的兴趣才有意义，因为处在历史的长河中才会有意义，因为通过上下文才可以体现出意义，反而不存在任何一种没有内涵没有条件的艺术。分析哲学的先驱乔治·E·摩尔这样认为：人们只能通过直觉来把握“美”，而不能像对自然科学下定义一样予以界定。因为它不属于自然客体；早期维特根斯坦也认为：“美”是一种只可意会不可言传的东西，当人们面对它们时，只能保持沉默。著名分析哲学家艾耶尔断定：因为对美学的命题都没有确切的指代，因此被认为是假命题。因此，美国的美学家莫里斯·韦兹和肯尼克也都反对给艺术下定义的做法，因为艺术是没有办法定义的。综上所述，这些理论认为：艺术是一切，一切都是艺术，一切也都不是艺术，艺术的本质放之四海而皆准。

但是正是这个没有任何标准定义的艺术，却成了我们思考的出发点。不能否认艺术的本质，也不能回避对艺术的定义，在现代艺术的发展过程中具有重要的意义。因为它不具备实体性质，当我们面临艺术的本质和定义的解答的时候，我们可以绕过对这些问题的直接回答，可以从艺术的主体以及艺术对人类的影响这些问题来出发，考察艺术的本质，这样更便于我们思考“艺术是什么”。通过对作品的分析语考察，可以从中寻找出艺术家、艺术作品以及艺术之间的相互关系，从而能够用心去体会艺术，寻找到心灵深处的颤动。

艺术设计是一种文化，它与社会中的政治、经济、文化等各方面密切相关。它反映的是当时的时代背景和物质文化水平，尤其是科技水平，同时也是一个社会的社会意识形态的反映。在原始社会里，人工制品大多数是为了满足实际生活需要，因此它们首先是工艺品，然后才是艺术品，因为它们身上也包含了古人的一种审美观念。但是前者是主要的，而审美主要是为了满足当时的世纪需要。西欧的文艺复兴时期，他们的艺术主要反映在建筑尤其是宗教建筑——教堂。教堂建筑是各种艺术的综合体，既有玻璃的彩绘，又有壁画、复制画，还有塑像、雕刻等等，不仅是艺术的体现与美感，也是一种信仰，一种象征。这一时期，工艺美术与艺术美术密切的结合在一起，为生活服务。

从古希腊到古罗马，再到西欧的文艺复兴，再到近代的印象派、抽象派，沿着这个脉络你可以感觉到：艺术发展过程中几乎都具备这样的规律——首先是对事物的描摹、表现，进而到借物抒情、创造意境等等。从塞尚以及立体派开始，造型艺术的基本因素是“构成”、“节奏”，抽象、形象等都体现了一种高度概括性。

造型基础它能帮助我们更加全面地整体的观察世界，准确而客观地表现对象的能力，它是初学者迈入艺术领域的必修课。但是，造型基础在不同艺术里面体现不同的本质和专业特色。因为它的重要性，过去很多专业院校或者系科都把基础造型作为一门基础课程，因此而导致了基础课把学生的视野限定在对形的理解，从表面上来理解造型。打好造型基础，不仅要有描摹的基本能力，通过目测等方法来准确的描述事物，但是造型基础最重要的是要用心去体会、去观察，只有透过事物的外在形式抓住它的内涵，才可以更好地理解造型。绘画的基础是素描、色彩、速写，画家首先要能够表现事物，更重要的传达是对客观事物的认识和理解。现代背景下的艺术设计，培育了设计素描和色彩，推动了艺术造型基础的深层次的发展。

设计素描、设计色彩是现代艺术创作中的重要表现手法。随着现代教育的发展，以及人们对现代教育设计认识的不断加深，人们逐渐意识到设计素描、设计色彩都包含各种符号因素，经过视觉发现，借助于线条、色彩等手段来传递理念和思想。因此，可以说构思决定了设计的好坏、价值的深浅、意境的高低，借助于表现技巧传递出构思的理念。因此，我们可以说设计素描、设计色彩更能体现艺术的风格。通过我们细致入微的观察事物，对事物的外形和内涵了然如胸，才会达到信手拈来、游刃有余的地步。

纯粹艺术的训练不仅是掌握一套艺术的技巧，更重要的是锻炼和提高思维能力，培养对事物的认知和外在感觉，只有对外形有了具体和整体的了解，才能将包含个人情感的形象表现为一个具体的形象。以往的艺术活动一般都被看成是技术与文化、艺术与技术、艺术与经验的结合体，现在社会中，设计要不断结合瞬息万变的科学技术，利用科学技术和现代的文化理念来丰富扩展自己的创造力，同时能够将各种不同的外部因素整合为一个整体，达到为我所用的目的。

艺术风格是一位艺术家或者团体在不断地实践过程中所形成的独具特色的艺术风貌、格调、气派等。它是一个艺术家不断进行个性创作的体现，它是艺术家不断走向成熟的重要标志，也是用来衡量作品的成败、优劣的重要标尺。而设计素描、设计色彩教学就应该这样做：审美是前提，培养美感，审美的感觉，只有具备了较好的审美感觉和态度，也就具备了艺术设计的首要条件，设计色彩、设计素描也不能走出此藩篱，在它们的教学过程中，技法是最直接也是最主要的因素，正是通过这些技法，才会给我们传递出各种各样的视觉效果，传达不同的意思。兴趣是关键，兴趣是最好的老师，也是最好的动力和源泉，通过兴趣激发学习者的学习热情；以创意为灵魂，作品像人一样是拥有灵魂的，没有创意的作品是没有生命力可言的。一个作品最为人所称道的是它的灵魂，也就是作品的独创性。

到了20世纪80年代，我国才出现电脑艺术，并且迅速的传播开来。这是艺术设计领域的一种新的理念，一种新的信息传递方式，它的迅猛发展说明了视觉艺术不再仅仅是一门艺术，而是具备各种学科因素的综合性艺术，它可以是油画，也可以是雕塑和装饰画，相同的材料，通过不同的技巧，就可以创造出不同风格，体现不同的视觉效果。

传统的设计教育需要老师的教导，与现代教学有很大的不同，现代艺术设计师充分利用了现代的科学技术，运用力所能及的教学手段，将各种先进的艺术理念进行深度的发掘和培养，让艺术的闪光点能够闪耀出来。因此，创意者也就不再像以往一样考虑到设计的难度和个人能力，他们可以更多的借助于现代技术，将自己的时间和精力用于构思和想象上，从而能够最大限度的发挥他们的潜力和创造力，创造出更为优秀的作品。在教学过程中，多媒体授课可以提高教学的效率和效果，让他们更好地接受，在图文并茂的作品中，经过引导者的介绍，可以使他们获得更多的视听享受。

随着科学技术的发展，艺术设计中也强化了数字化，弱化了徒手的技能，但是艺术的情趣并没有因此而发生改变，反而更加突出。在信息化时代下，设计艺术更多的是需要艺术家去发现、去探索，只有会发现与探索，才有可能感知到艺术的存在，才会发掘出艺术的灵魂，此外还需要不断提升艺术修养。同时，借助于现代科学技术，艺术家可以对艺术作品进行不断的修改和完善，这样创造的作品就更生动，更加富有生命力。因此，现代艺术设计作品不可缺少现代技术和创意。

（作者简介：陈群，广西工学院讲师，硕士）