小型音乐剧的启示

程梦雷 邵运希

相较于大剧场，小剧场音乐剧的投入费用较低，可节省制作方的演出成本，灵活性更强。美国除了著名的纽约百老汇音乐剧，还兴起了以实验性、前卫性为代表的小剧场音乐剧——外百老汇音乐剧（Off-Broadway）和外外百老汇音乐剧（Off-Off-Broadway），以抵制百老汇愈演愈烈的商业化趋势。这些音乐剧主要在百老汇的外围剧场上演，投入成本较低，舞台简单，人物刻画细腻，推出了众多先锋戏剧和音乐剧。小剧场音乐剧也逐渐从外外百老汇扩散至美国其他地区。这种发展趋势也可以为国内音乐剧制作方借鉴。目前国内的小剧场音乐剧主要有直接引进外国作品、购买版权制作中文版和本土原创三种。笔者以三部小型音乐剧为例，分析其发展特点。

《异想天开》：来自外百老汇的奇迹

1960年，美国作曲家哈维·施密特（Harvey Schmidt）和词作者汤姆·琼斯（Tom Jones）创作了音乐剧《异想天开》（The Fantasticks），一经上演便备受好评，成为外百老汇上演时间最长的剧目，后来也登陆伦敦西区，并于2006年至2007年在百老匯演出。2023年4月29日至5月7日，由满堂彩文化制作的新版中文音乐剧《异想天开》在上海的中国大戏院上演，随后开启全国巡演。这部剧基于莎士比亚的爱情剧《罗密欧与朱丽叶》改编而成，展现了一个带有笑与泪的故事。上半场两位父亲特地邀请外人来上演劫持戏，以促进一对儿女的感情，两人如愿以偿。剧中的“劫持戏”也增添了不少喜剧气氛。下半场小情侣日久生厌，分道扬镳，历经波折后却又殊途同归。

笔者曾于2023年5月观看了该剧中文版在上海的演出。该版沿用了原版简约的舞美设计，台上仅摆放了一个箱子。一位身穿黑色紧身衣的演员扮演两家之间的“墙”，象征人物之间有形和无形的隔阂。上半场幕布上贴了纸制的月亮图形，开启恋人的浪漫童话，下半场太阳替换了月亮，揭开了残酷的现实。《异想天开》的道具极为简单，反而为观众增添了想象力和寓意。这部剧为何能长演不衰？笔者认为，其成功得益于作品本身反映的真诚情感，如两位父亲故意制造矛盾撮合小情侣，两人在恋情受阻时萌发爱意、确认恋爱关系后又产生隔阂，以及劫匪与女主角路易莎之间产生了若有似无的暧昧情愫。这些都是普通人可能遇到的事情。最后历经磨难的小情侣在雪夜相拥，真正明白了幸福的含义，也符合观众对圆满结局的期待。剧中的主题曲《还是否记得》（Try to Remember）旋律优美，亦能唤起观众对美好往昔的回忆。劫匪艾卡洛（El Gallo）时而跳出故事框架成为叙述者，提醒观众思考，时而进入剧中角色，串联剧情。剧中也包含一些奇幻元素作为点缀，如劫匪让路易莎戴上面具，将马特受折磨的场景浪漫化。

中文版《异想天开》由音乐剧演员刘阳承担剧本翻译和歌词译配工作，他在译配时充分考虑到演员演唱的可行性，唱词较为流畅。中文版的演绎还融入了京剧《霸王别姬》的经典唱段，但仍然保留了诸多西方元素。男女主角的名字明显是外国译名，路易莎提及的“萨宾妇女被劫”的典故也出自西方文化。不彻底的本土化会给观众在理解剧情时带来一定的困惑。

中文版别出心裁地设计了观众互动环节，上海演出时特意设置了“居民席”，互动时由劫匪从“居民席”随机邀请观众上台参与“劫持戏”，为马特的“英雄救美”进行铺垫。“居民席”的其他观众也会分到刀枪一类的道具，为劫匪助威。这部戏体量较小，更适合小剧场或中剧场的演出。原版最初在外百老汇演出，那里的剧场一般少于500个座位。上海演出时安排在拥有800多个席位的中国大戏院，可能在一定程度上影响了观赏体验。

《过去五年》：从外百老汇到西区的双人叙事剧

《过去五年》（The Last Five Years）是三座托尼奖得主杰森·罗伯特·布朗（Jason Robert Brown）的代表作，杰森根据自己的第一段婚姻故事创作了这部剧。因为初版剧情与个人生活重合度过高，杰森被前妻以泄露个人隐私为由告上法庭。《过去五年》自2001年芝加哥首演后备受好评，于2002年在外百老汇登场，并于2006年进入伦敦西区演出。剧中男主角杰米是一位作家，女主角凯西是一名音乐剧演员，两人相恋并步入婚姻殿堂。婚后凯西的演艺生涯没有起色，而杰米的作家之旅一帆风顺。凯西无法找到价值感，杰米却一直沉浸在事业中，忽视了妻子的烦恼。夫妻二人隔阂越来越深，最终杰米出轨了，给凯西留下道别信后离开。

这部剧以婚姻和爱情为主题，剧情并无创新之处，叙事风格是一大特色——男主角杰米正叙，女主角凯西倒叙。《过去五年》最初的外百老汇版本中双方各自叙事，女主角的情绪一开始非常低落痛苦逐渐恢复到初见时的欣喜。男主角从一开始的心动，到渐行渐远转为冷漠。两位演员除结婚一段之外没有任何交流，而伦敦西区演出的版本增添了双方的互动。此次上海演出较为接近伦敦西区版本。笔者于2023年11月在上海大剧院观看了现场演出。舞台中央摆着一架钢琴，不唱歌的角色会留在舞台上为另一个角色伴奏，幕布后还有一个现场乐队。两位演员也是集演唱、表演、弹奏为一体，中间转场非常之快，对两位演员的眼神和动作要求极高。他们需要全方位输出，舞台上没有一刻可以放松。热恋时期女主穿上了印有桃红色爱心的毛衣。凯西在杰米出轨时敲响了台上的一口钟，表现愤怒之情。

女主角情绪非常饱满，初登场的《仍然痛苦》（Still Hurting）充分展现了女主角与爱人分手时的激烈情绪。凯西的旋律抒情性较强，杰米的唱段节奏较快。剧中穿插了两段戏中戏。如杰米为凯西写了一个圣诞小故事——一个裁缝在时钟先生的帮助下勇敢追求心爱的女孩。杰米想以此来比喻他和凯西的感情，并鼓励凯西追求演艺事业。另一段是凯西面试的片段。《你回到我身边之时》（When You Come Home to Me）这段唱词既出现在面试场景中，也出现在生活场景里。气息短促的旋律表明凯西面试时的紧张心情，而流畅的旋律体现了她对生活的希望。凯西并不愿意一直困在家中，她对事业也怀有美好的期待。剧中两人时间线交汇的唯一时刻是结婚场景《下一个十分钟》（The Next Ten Minutes），现场洒满了白色花瓣，视觉冲击力极强。这一段中，两位主角上演了四手联弹，原版则安排的是两人同乘一艘小船。最终，杰米终于移情别恋，《没有人需要知道》（Nobody Needs to Know）这一段旋律后来也被林-曼努尔·米兰达借用到了《汉密尔顿》中男主角的出轨场景。

这部剧只有两个演员，体量较小，演出时灵活性较高，非常适合小剧场演出。在新冠疫情期间，有的剧场甚至推出了线上版的《过去五年》。这部剧曾在2017年推出中文版制作，市场反响一般，可能由于剧本译成汉语后会缺失原版的韵味。并且演员主要参照外百老汇版本，两人之间的互动很少，不如西区版本紧凑。2023年10月至12月，这部戏在上海大剧院的别克中剧场和Young剧场演出。Young剧场大概有1000个座位，上海大剧院别克中剧场大概有五六百个座位，这部袖珍双人戏放到中型和大型剧场演出，可能不利于观剧体验。另外，杰森深受桑德海姆的概念音乐剧影响，突破了传统的线性叙事，在剧中呈现两人恋爱和婚姻生活的碎片，以此激发观众思考，不一定符合中国观众的观剧习惯。

《灯塔》：从亚洲大厦走出来的沉浸式音乐剧

2020年8月，亚洲大厦运营方联合“一台好戏”制作了首个驻场音乐剧《阿波罗尼亚》并一炮走红，吸引了多个公司入驻演出。魅鲸文化推出的原创音乐剧《灯塔》，自2021年6月2日在亚洲大厦星空间9号开启驻场演出，强调“立体环境式”体验，每周都有数场演出。《灯塔》以19世纪40年代的英国为背景，讲述了英格兰一处海岸的故事。导演在访谈中表示他不想描绘现代日常生活的场景，而想展现一段不熟悉的故事，类似文学创作中的“陌生化”手法。笔者于2023年12月现场观剧时，发现演员台词和肢体表现极为现代化，并不完全符合演员的身世年代设定，更像具有19世纪外国故事背景的现代人。该剧重点刻画了角色性格：修船人霍普虽是孤儿，但充满了乐观和天真；怀恩的设定是家道中落的贵族，有一定经历的中年人——但实际演绎时，怀恩更像青年；守塔人是历经沧桑的老年人。三个人各自代表一个年龄阶段，在灯塔旁相遇。《灯塔》给了演员较大的发挥空间，只设定了人物的基本性格，没有限制其表演方式，由多版卡司轮流演绎，因而也有“换演员如换剧”的说法。守塔人的歌曲基于北欧民歌的调式，但一般观众很难察觉这一点。歌曲与场景较为契合，单独聆听旋律性并不突出，必须要在一定的情境中感受。观众也可根据三位人物的音色感受其性格特点，如霍普的明亮音色展现其少年意气。灯塔象征生命或希望，坚守数十年的守塔人某种意义上和灯塔融为一体，指引霍普和怀恩的人生方向。灯塔又似乎成为三人生命交汇的一个临时驿站，让他们在这里停下脚步，探索心灵。

《灯塔》作为亚洲大厦的驻场戏剧，布景极为细致。剧中灯塔和搁浅的船都是用实体道具制成，地上还铺设了白沙，给观众身临其境之感。制作人试图打破第四堵墙，非常注重观众的互动，现场设置了甲板、栈桥、海岸等不同观影区域，观众可以近距离接触演员。修船工爬上甲板干活时也会和甲板区的观众打招呼。守塔人雇佣霍普修船时，会从台下邀请一位观众当船工，并要求对方拿出身上的贵重物品作为抵押。另外怀恩在修船时会请观众起个船名。在暴风雨那一幕会由霍普引导甲板区的两位帮工跑进灯塔躲雨，那个瞬间现场也会喷出白色的雾气，夹杂着冷风和晃动的灯光，营造电闪雷鸣的效果。沉浸式戏剧是一把双刃剑，一方面可以拉近观众跟演员的距离，另一方面对演员提出了更高的要求。他们不可以有丝毫马虎松懈，即使是简单如走路这样的形体动作也不可随意。因为观众的眼神无处不在，演员一旦出现倦怠，如表情或动作没有到位，就可以轻易被观众察觉。

亚洲大厦的目标客户群体以年轻女性观众为主，制作方也鼓励观众在演出后与演员交流。目前主要依靠忠实度较高的观众反复观剧来提升上座率，有些观众已对剧中的互动环节和各种线索了如指掌。主创人员在访谈中表示他们会在演出后去社交平台搜索观众的反馈，并根据一些观众的建议进行调整。比如他们曾经推出过“纯观剧、无互动”的版本。因为在互动时，参与观众的现代服装和随身携带的物品可能让其他观众出戏。

为了提升观众的沉浸式体验，《灯塔》的演出空间所有区域加起来仅有一百多个座位，更接近外外百老汇的剧场规模，可以说是名副其实的小剧场。目前这部剧已经走出亚洲大厦，成为武汉剧院和成都剧院的驻演剧目。作为地区“常驻戏剧”，魅鲸文化在成都设立了鲸剧场，完全复刻上海的剧场设计。武汉采取的是另一种做法，由演出公司引入版权，在本地完成演员招募、排练。显而易见，《灯塔》从上海到其他省市的发展模式与美国音乐剧从纽约百老汇到外外百老汇，以及纽约以外的其他地区的路径有些相似。

隨着《声入人心》和《爱乐之都》等节目的推广，近年来国内音乐剧市场已经有了很大的发展。本文提到的三部音乐剧都刻画了人们共同的情感体验。其中《灯塔》是唯一的原创剧，它的推广路径充分表明，本土原创小剧场音乐剧也可以“走出去”。小剧场非常适合先锋和实验性音乐剧，其互动和沉浸式体验也有一些可圈可点之处。在实践过程中，未来制作方可能需要注意互动的氛围感是否超出戏剧本身的表达。另外在引进国外小剧场音乐剧时，可能要考虑中国观众的观剧习惯，在推介活动中着重宣传相关内容，以保证观众体验。

（作者单位：程梦雷，上海外国语大学英语专业硕士；邵运希，上海外国语大学贤达经济人文学院英语系讲师）