舞蹈编创中音乐修养的重要作用研究

摘 要：自舞蹈艺术问世之初，便与音乐形成了紧密的纽带。在舞蹈作品中，舞蹈与音乐之间的关系具备重要的研究价值。当前，全国众多高校已经设立了舞蹈编导专业，为了满足专业需求，高校舞蹈编导专业开设音乐相关课程具有非常必要的意义。本文阐述了舞蹈和音乐两方面的共同性质，分析了音乐修养在舞蹈编创中的重要作用，提出了提升音乐修养是升华舞蹈编创的重要途径。

关键词：舞蹈编创；音乐元素；修养

中图分类号：J711文献标识码：A文章编号：2096-0905（2023）30-00-03

音乐在舞蹈中起着重要的作用，通过加强对音乐的理解和欣赏，舞蹈编导可以更好地与音乐进行互动，为舞蹈作品注入更深层次的情感和内涵。音乐元素在舞蹈作品中起着至关重要的作用，它不仅是舞蹈作品不可或缺的一部分，同时也是衡量舞蹈编导是否优秀的重要标准之一。高水平的音乐修养可以提升舞蹈编导的创作能力，并为作品注入丰富的情感和内涵。在舞蹈编创的过程中，我们应该重视音乐修养的意义和积极作用，并使用科学合理的编排技巧来使舞蹈与音乐更加紧密地结合在一起。这包括选取适合舞蹈表达的音乐、理解音乐的情感表达和结构特点、准确把握节奏和节拍等。通过深入理解音乐，并与舞蹈创作技巧相结合，舞蹈编导能够创作出更具艺术价值和感染力的作品。

一、舞蹈和音乐共同性质研究

舞蹈和音乐作为艺术形式，在许多方面都具有共同的特点和性质。这些共同性质有助于它们在舞蹈作品中相互融合，创造出更丰富、更有深度的艺术体验。首先，舞蹈和音乐都有明确的节奏性。它们都通过时间的划分和重复来传递节奏感，带给观众一种有规律的运动和音响体验。舞蹈通过动作的律动性和节奏感传达情感和表达意境，而音乐则通过音符的节奏排列和韵律感营造艺术氛围。其次，舞蹈和音乐都是情感表达的艺术形式。它们都可以通过动作、音响、旋律、和声等方式来传递情感，在观众内心产生共鸣。舞蹈通过舞者的肢体语言和表演技巧来表达情感，而音乐通过声音的音色、音调和音乐结构来激发听者的情感共鸣。此外，舞蹈和音乐都具有独特的结构和形式。它们可以通过重复、对比、发展等方式来构建起整体的艺术结构，使作品更加完整、有机且富有逻辑性。舞蹈通过编排的章节、舞段和舞蹈动作的组合来构建舞蹈的结构，而音乐则通过乐曲的主题、音乐段落和和声扩展来构建音乐的结构。舞蹈和音乐都需要通过视听的结合来呈现给观众。舞蹈通过舞者的身体动作和表演来视觉化音乐，加深观众对音乐的感知和理解。音乐则通过声音的节奏、旋律和和声来增强舞蹈的表现力，使观众更加深入地理解和感受舞蹈的艺术性。最后，舞蹈和音乐都涉及创作和演绎的过程。舞蹈编导和音乐创作者都需要通过自己的想象力和艺术技巧创作出作品，并由舞者和音乐家通过演绎来呈现给观众。他们共同努力，通过表演和演奏传递出作品的独特魅力和内涵[1]。

总的来说，舞蹈和音乐在节奏性、情感表达、结构与形式、视听结合以及创作与演绎等方面都有共同性质。这些共同性质使得舞蹈和音乐能够相互影响、相互补充，共同构成一部完整、感染力十足的艺术作品。

二、音乐修养在舞蹈编创中的重要作用

舞蹈与音乐密不可分，二者间存在紧密的关联性，因此音乐在舞蹈创作过程中扮演着重要而不可或缺的角色，对其应予以充分重视和重要性认知。

（一）舞蹈编创作品风格中的音乐价值体现

音乐与舞蹈相互依存，融为一体，共同营造氛围和增强艺术感染力。它们共同决定舞蹈的艺术风格。在舞蹈创作中，音乐与舞蹈紧密配合。音乐不仅包含并决定着舞蹈的结构、特征和气质，还借用节奏、韵律和调性等相关特征，通过充分利用富于变化的音乐，创造出独特的舞蹈艺术风格。要拥有自己的艺术风格，就要理解并充分利用多样的音乐资源。舞蹈的动感才能得到充分展现，使舞蹈音乐规律更加生动有活力，突显编舞者的艺术风格。

（二）舞蹈编创作品质量中的音乐价值体现

在舞蹈创作过程中，音乐的作用不可忽视。许多舞蹈作品正是因为音乐的引导和协调，才得以完成，并在观众心中留下深刻的印象。

以古典舞剧《梁祝》为例，通过主旋律与舞蹈人物形象的相互配合，将梁山伯与祝英台的美丽爱情故事娓娓道来。音乐的婉转旋律赋予了整个作品独特的意境和魅力。此外，音乐对于舞者的情感表达也起到至关重要的作用。舞蹈演员会凭借对音乐变化的敏感度，灵活地调整自己的情绪表达，使舞蹈作品情感更加丰富深刻。《白毛女》舞剧就运用了不同的节奏和节拍，恰到好处地展现了白毛女不同阶段的生活经历和情感状态，有效提升了作品的艺术品质。因此，舞蹈编导学生在选择音乐时应具备相应的音乐知识。只有深入了解音乐结构、风格和特点，才能更加精准地选择适合自己作品的音乐素材，这样才能使舞蹈作品在音乐的辅助下展现出更高的艺术水准和表现力[2]。

（三）舞蹈编创作品创造力中的音乐价值体现

在当今新形势下，创造性思维被视为艺术创作的重要驱动力。对于舞蹈编导而言，具备创造力是创作出有价值的艺术精品的关键所在。由于舞蹈编导领域的专业性，创新始终是其所追求的核心准则。只有通过拥有创造性思维，才能将独特且引人注目的舞蹈魅力传达给观众。然而，在如今繁多的舞蹈作品中，创新变得越发困难，抄袭事件发生也导致了原创性的匮乏。这在很大程度上源于舞蹈编导未能坚守职业道德，同时创作灵感也不经意间消失殆尽。舞蹈编导必须以创造性思维为核心驱动力。然而，由于思维的局限性，创作灵感在某些时刻可能会持续停滞。灵感的深沉触发往往来自动听的音乐，它能够带来内心的平静，同时也迅速唤起情感。随着音樂旋律的引导，我们的思维也会产生各种联想。一旦创作的思维之翼被激发，创作灵感便会如泉涌般自然流露。鉴于舞蹈与音乐之间的紧密关联，音乐对舞蹈编导创作灵感的激发效果尤为显著，甚至在聆听音乐的过程中，我们的身体也不禁随着音乐的旋律起舞，完全融入音乐所创造的氛围中，从而进一步激发起创作的欲望，突破创作的局限。然而，激发创作灵感的前提是需要对音乐具备一定的理解力。换句话说，作为舞蹈编导的学生，需要系统学习音乐知识，包括乐理、视唱练耳以及基础钢琴等，以培养自己的音乐素养。通过深入学习，我们可以从单纯的听觉感知音乐发展为真正理解音乐的层面，让创作灵感随着音乐旋律一同迸发。

三、提升舞蹈编创水平过程中音乐融入研究

音乐在舞蹈编创中具有至关重要的地位，它作为一种卓越的艺术形式，扮演着舞蹈作品的烘托者。音乐与舞蹈相互依存、不可分割，唯有音乐的存在，才能孕育出卓越的舞蹈之美。

（一）舞蹈结构段落中融入音乐节奏，突显音乐变化感

舞蹈中的不同场景或情节可以使用不同的音乐风格，以便更好地体现舞蹈的变化和发展。通过音乐段落的变化，舞蹈结构可以呈现出起伏和高潮，增加观众的观赏体验。音乐和舞蹈的协调性和和谐性能够增强观众对作品的感知和吸引力。

要创作出卓越的舞蹈作品，必须完美地融合音樂语言与舞蹈语言，而非将音乐作为舞蹈的附庸。音乐与舞蹈在地位与重要性上相等，音乐赋予舞蹈更为情感丰富的表达，使听众得以通过音乐的听觉艺术进入舞蹈的视觉艺术氛围中，有更强烈且丰富的感官体验。因此，在舞蹈编创中，应突显音乐在舞蹈中的关键地位，特别是抓住音乐段落结构与舞蹈段落结构的契合点，以充分表达舞蹈作品的段落结构，并恰当运用音乐段落烘托舞蹈。音乐的序奏、过渡、补充和尾声在舞蹈作品中各有不同功能，舞蹈编创要以音乐结构为工具，展现舞蹈的语言。很多古典舞的编创过程中，结合不同音乐形式，妙在运用每个音乐连接片段，使得队形变化更加协调流畅[3]。

（二）舞蹈编创中融入音乐渲染，突显情感

任何艺术作品都追求向特定受众传递其内涵和情感，而舞蹈艺术创作也不例外。在舞蹈创作过程中，选择恰当的音乐是至关重要的一环，尤其需要更加重视情感表达的部分。舞蹈以肢体语言传递情感，因此为了充分呈现舞蹈的情感内核，舞蹈编导应根据作品的情感内容选择多种风格的音乐，通过音乐的渲染使作品的意义更加鲜明，使观众能够更深入地理解和体悟作品，并在观看过程中将个人情感与之融为一体，最终实现情感的释放。音乐具备触动心灵的力量，因此只有选择适配的音乐，才能更好地辅助舞蹈的创作与编排。舞蹈不仅仅是通过肢体来叙述故事，还能透过音乐使观众产生共鸣。二者互相促进，严密融合，方能确保艺术目标的最终达成。比如，我们可以在《天鹅湖》舞蹈编排中，安排四位舞蹈演员以交叉牵手的姿态，配合轻快的步伐迈入舞台，以巧妙的手法将音乐的情感与舞蹈的表达有机地结合在一起。这样的呈现使得舞蹈的节拍与动作恰如其分地契合了音乐的情绪。显然可见，出色的音乐素养在舞蹈编导的过程中扮演着不可或缺的要素。

（三）将乐感训练融入舞蹈编创日常

通过加强对“乐感”的训练，我们可以提升音乐舞蹈的评判能力。然而，在舞蹈创作的基本功训练中，不应仅仅囿于对各项舞蹈动作的分解和掌握。这种单一的训练方式显然无法满足创作的需求。事实上，舞蹈创作者需要将对音乐的旋律、节奏等要素的训练视为创作过程的关键之一。在音乐的引导下，我们需要不断丰富所创作舞蹈的内涵，通过深入感受音乐的意境与情感，将音乐与舞蹈巧妙地融合在一起，从而确保创作出具备卓越艺术魅力的舞蹈作品。此外，创作者在进行舞蹈创作时，不应简单地模仿现有音乐的动作技术进行照葫芦画瓢，而忽略了对舞蹈与音乐内蕴的深刻理解。实际上，只有从舞蹈的内涵出发，深刻领悟音乐和舞蹈的艺术内蕴，我们才能真正掌握舞蹈专业知识的精髓。因此，培养自身的舞蹈鉴赏能力对于提升创作素质和舞蹈技能水平具有重要意义，切不可忽视其重要性。在努力培养鉴赏能力的过程中，我们可以更好地感悟舞蹈与音乐的完美结合，为创作出高质量的舞蹈作品奠定坚实的基础[4]。

在舞蹈创作中，编创者需要高度重视培养自身对音乐节奏感的把握能力，并选择适合舞蹈训练的音乐伴奏，以使舞蹈动作与音乐的融合更加精准和完美。以腰部训练为例，编创者应放松并打开腰部，顺应音乐节奏呼吸自然均衡，使动作柔韧、自如，并具备卓越的控制力和灵活性。针对不同训练要求，在慢节奏训练时，合适的选择是3/4或4/4拍子的音乐。这些音乐既有广阔的音域，又呈现丰富多彩的色彩，使舞者能将舞蹈动作与音乐节奏紧密结合。这对于培养腰部缓慢而自如的控制力大有裨益。而在快节奏训练时，应选择流动感强、突出音乐动力的音乐，使舞蹈与音乐相互融合，兼具刚柔有度的特点。正因为不同音乐的节奏和旋律对动作、身体位置和情感的引导有着独特的影响力，诸如音乐的高低强弱和旋律的起伏变化等，都会激发学生内心不同的形象思维和动力。

（四）加强舞者音乐理念

演员是舞蹈所承载的媒介，通过演员的肢体表达，更加生动地传达编导想要表达的人物、情感和故事。为了实现这一目标，我们需要借助编导的音乐修养，选择合适的音乐作品，帮助演员更快、更准确地进入角色，并与他们所刻画的角色产生共情。只有在音乐的助推下，舞蹈通过演员的肢体表达，才能达到与众不同的表演效果。如果在舞台上，演员仅仅表演舞蹈作品，而没有音乐的融入，那将无法达到最佳的效果。音乐的融入对于舞蹈表演至关重要。它赋予舞蹈作品情感和节奏，使表演更加有力量和感染力。演员在舞台上通过与音乐的完美结合，能够展现出更加精彩的表演，将观众带入一个独特的艺术世界。因此，对于舞蹈创作来说，选取适合的音乐作品并与演员的表演相融合是不可或缺的一部分。这样的整合能够增强舞蹈作品的艺术感染力和观赏体验。演员借助音乐的力量，能够更好地演绎出编导想要表达的主题和情感，使舞蹈作品更加出色。

舞蹈创作者还需要选择适合的音乐来辅助演员的表演，这样不仅能让创作者自己感受到音乐所传达的情感，进一步展开自身的想象力，激发创作热情，迸发创作灵感，编排出优美的舞蹈动作，同时也要让演员能够共同体会情感、肢体与音乐的完美融合。比如，在舞剧《粉墨春秋》中，在一个场景中，三师弟和其他弟子披着棉被，在夜晚小心翼翼地偷偷窥视师傅教兄长学戏的情景。这个场景中，音乐的设计是静谧有趣的，响度适中，节奏轻快。然而，当他们被师傅发现时，音乐突然增大，节奏急促，使得饰演三师弟的舞者黄豆豆在恍惚间被吓了一跳，表演十分真实。音乐和舞蹈的默契配合使得这个片段十分出彩，展示了舞蹈创作者对音乐的优秀把握，在舞台上与演员的配合，不仅能增加演员的信心和角色的塑造，而且能大大提升舞台的效果。

因此，为了呈现出令人震撼的舞蹈效果，舞蹈创作者需要确保在演员表演的过程中，同时展现音乐与舞蹈的节奏和情感。只有演员与音乐的紧密配合，舞台效果才能得到充分的提升，让观众能够全身心地投入舞蹈的表演中。这需要舞蹈创作者具备出色的音乐修养，能够准确把握音乐与舞蹈之间的关系，从而创作出令人难忘的舞台作品。

四、结束语

舞蹈编导需要经过反复思考和仔细考虑，确保舞蹈的主题与音乐之间达到最佳的配合。只有通过精心选择与主题相匹配的音乐，舞蹈作品才能充分展示出富有魅力和感染力的艺术表达。编导的决策和选择在这一过程中起着至关重要的作用，能够决定舞蹈与音乐之间的和谐度和完美度。最终，通过确保舞蹈作品的主题与音乐相得益彰，编导能够打造出令人难忘的舞台作品，给观众带来深刻的艺术享受。

参考文献：

[1]刘青璠.舞蹈编创中音乐修养的重要作用探析[J].戏剧之家，2023（17）：121-123.

[2]段莎莎.分析不同版本舞蹈作品《波莱罗》中舞蹈与音乐的关系[J].音乐世界，2022（05）：79-81.

[3]樊继斌.舞蹈编创中音乐的重要性[J].艺术科技，2017，30（05）：180.

[4]刘浩然，李韵葳.分析学习音乐知识对舞蹈编导学生的重要性[J].音乐世界，2022（04）：50-53.

作者简介：张春英（1977-），女，福建三明人，本科，二级艺术管理，副院长，从事舞蹈艺术研究。