现代艺术内涵的精神研究

摘 要：现代艺术在西方艺术史上有着极大的影响，这时的艺术家有个人的想法，更愿意去做出宣言，来标示个人的艺术品与过去传统的经典有何不同，应该以新的视角和思维去探寻新的艺术形式。本文着重分析现代艺术内涵的精神，了解现代艺术的本质及对非具象艺术的把握有着重要的意义。

关键词：现代艺术；艺术创作；代表流派；内隐精神

中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：2096-0905（2023）28-0-03

现代艺术绘画不同于“写实传统”，在艺术的创作中创作者可以感受到的是：艺术的创作与科学、理性以及艺术家的内心世界密不可分。艺术不是简单的创作，而是对生活、社会、精神意识的一种表现形式，在20世纪的“西方现代艺术”打破了16世纪文艺复兴以来“忠实地再现自然”的传统，艺术的方向标开始转向全方位的探索艺术“形式问题”以及艺术家思想层次的内涵和充满个性的内心世界等。回观现代艺术史，20世纪的现代艺术发展虽然流派众多，简单来说，艺术的发展似乎沿着两条道路行走，一是更注重探讨客观“形式”，二是更注重表现艺术家的“内心”。可以看出，艺术不仅有感性的一面，也有更加理性的一面，而西方现代主义艺术家所追求的艺术创作目标是表达其事物的本质，艺术家将作品呈现在观众面前，这一过程其实就是将内在精神与理性精神进行结合的过程。

一、纯粹表达，内隐精神

西方现代艺术给人的感受是纯粹的，在艺术家的作品中力求表达出人的内心生活、所描绘对象的情感和理性世界的复杂性。艺术家在创作过程中，会对不同的主体、客观对象存在着各异的理解与想法，也造成了对艺术的追求也不尽相同。比如18世纪的后印象派代表人物文森特·梵高，在他的静物画《向日葵》中投入了大量的情感，作品的背后展示了梵高在命运的无情拨弄下痛苦的挣扎与求索，传达了他对自然、人生、生命的独特情感体验，一种既热烈又悲伤、既躁动又孤寂的心灵情感。艺术家倾注了全部的生命与热情在绘画过程中，以至于我们在今天来观看时仍然能鲜明地感觉到他的精神与诉求就像熊熊烈火一样在燃烧。梵高一生热爱艺术，从他的作品《向日葵》画面中，我们看到的是一团火，一团像风一样的呼啸而过的火焰，凡是黑暗呻吟的角落，风将长驱直入，绽放灼热明耀的太阳本色。梵高为我们留下不朽的宝贵遗产，鼓舞我们燃烧生命的火，去创造生活。生活成了创造的生活。这就是一种纯粹的表达，作品内在隐含的精神品质。

现代艺术所表达的是艺术具有精神特征的艺术呈现，而不是像传统或常规上的表达。譬如野兽派大师马蒂斯在他的艺术观念上，将构图、用色、笔触从传统绘画脱离出来，使“粗犷的色彩，大胆的笔触”绘画风格进入大众的视野，马蒂斯运用纯粹、和谐的线条在画面上探索艺术的本质，强调艺术其实是自我情感的表现。

马蒂斯在画面中使用最单纯的色彩，偏爱平涂的画法，根据画面的需要有意地减弱画面的深度感和体积感，体现了他在艺术表达上的形式独特、符号语言强烈、纯朴简约与思想追求自由的绘画思想，同时，他在创作上将高纯度的色彩在画中组合，使其形成冲突对比与平衡和谐的关系，让观者欣赏后，脑海中产生音乐般的节奏。在马蒂斯的画中，可以感受到造型极其简练，线条弯曲起伏，笔法轻松流畅，散发着儿童般的天真稚趣，萌发着生命的朝气，传达着某种欢快的情感，给人以视觉的享受。色彩上热衷于运用鲜艳、浓重的笔触，往往用直接从颜料管中挤出的颜料，以直率、粗放的笔法，呈现出视觉强烈的画面效果，整体的画面充分显示出追求情感表达的表现主义倾向。这就是艺术家纯粹表达的点，其所隐喻精神的点需要我们去看与解读[1]。

二、敢于突破，创新意识

现代艺术创作是对现有艺术的学习与革新，敢于突破传统，强调创新意识，艺术家邓晓芒说：“现代艺术不再是那种直白的情感传达，而是致力于传达情调。但这种情调并不等同于本能和生理上的情绪，而是最终由情感引发并且是建立在情感之上的，所以仍然是精神性的，它是更高层次的感动，甚至提升为‘世界感，因此现代艺术和传统艺术不同，它对观众有更高的要求，因而往往是小众的艺术，只有一部分人能够欣赏。”

正如立体主义的出现改变了西方传统艺术中对绘画空间进行静态观察以及焦点透视的方法，成为艺术史上的又一次重大突破。而立体主义所采用的则是动态观察、散点透视的方法，形成了多透视点的全景同存突破，不通过对象的客观描绘而实现了对对象本质的揭示。立体主义画家都应该具有非常细致的观察力以及丰富的想象力，只有这样才能够将存在于不同空间的事物展现在同一空间的画面上，让画面变得更加生动、具有立体感。现当代艺术表达的本质是表达自我，画家突破以往，不再追求展示真实的自然，画画的目的是表达自己的艺术理念和主观的审美情绪。

西方现代主义艺术家艺术作品风格彼此不同，但他们对精神世界的认知角度是相同的，但在艺术形式表达与艺术画面表现上有着共同点，其实这种共同点就是追求艺术自由的精神。现代主义艺术家注重的是内在精神和自由精神的表现。如著名画家高更所追求的精神自由，也是在画面中表现形式语言的自由，同时也是艺术家内心精神的自由，概括来说即生命的自由。高更的象征主义绘画是一种主观表现与生命精神的产物，是艺术家在艺术创作中内心需要外化的表现形式，从中获得个性思想的解放和审美原则的超脱。这是一种新的内在之美，它不再只是靜观内心境界，而是源于现代生活的自觉韵律；它是艺术主体意识彻底解放而获得新的内心感觉、境界、情感。总的来说，现代艺术突破了原有艺术的束缚和禁忌，追求返璞归真、超越自然，体现艺术创作的无限自由和不断创新[2]。

三、动人心者，莫乎于情

现代艺术作品表达的形式多样，一幅好的作品，莫乎于情，所呈现描绘事物内容能够打动人的内心，与之产生共鸣。如艺术家尹秀珍的作品《行思》，由500根颜色轻柔的织物串联的500双鞋，如树林一般疏密有致地悬置在展厅。随着空气的流动或观众的进入，它们也不时地轻微晃动。有人感受到了温馨，也有人觉察出了一丝惧怕。如此庞大的体量，使观众能够走进去，在人的经历中去“穿行”，就像时间的印记。每个观众穿着鞋子进来，又带了另一种经历。数量的增加和重复，使得个体成为集体。这个复数化的呈现既有个体的差异性又有集体的共同性。汇集经历、历史记忆于一处，构建一个反思处境和如何走向未来的“行思场”。艺术家所搜集的是人的经历而并非简单的衣物材料，搜集的不同地方的衣服含义又不一样。穿过的旧衣服承载着很多信息，它们携带着人们的经历，体现了不同的价值观和审美观。她把它看作人的“第二张皮”，或许是不是陌生人的衣服已不再重要。把这些衣服缝合在一起的过程本身，便形成了一个新的集体，一种新的能量。这种行为无疑是蕴含着丰富的情感，蕴藏着背后的故事。

塞尚也是如此，在创作上也是注重情感的表达，一些文献都说塞尚脱离印象主义的影响，对于印象主义的精神内涵更多是强调光与色、光与影之间的联系，笔者认为，塞尚他还是他自己，很好地把自我特点保存于一体留下了别具一格的风采，塞尚也将致力于把一个观念与美感的理性结合起来了，这是个人眼界的开阔，需要的是这种捕捉与语言的碰撞。

塞尚在画面中通过对色彩与明暗的把握与分析，他观察物体是有着多个视角的，用一种崭新的眼光对待视觉透视，使得艺术变得更加真实。塞尚也将形状和色彩结合在一起，倾向于表现物体间的关系、结构和色彩，用细小、块面化的笔触和色彩在画布上进行表达，他对艺术的追求也不是仅仅停留于画面的本身，也有隐蔽于意义内在深处中的实在，“实在”更多强调的是贴合主题中心的情感与目的，以及表现出的对自然的纯真与美感[3]。

梅洛-庞蒂所说：“一个成功的作品有着奇异的力量散播其教示”。正如其中的奇异、力量、教示，其中把它们归结起来就是传播与传达，要为人所熟知而表达本身特有的感觉与形式，一件作品静静地在墙上所悬挂起来，但又散发着它对这幅画的魅力而以此震撼到赏画者，其实梅洛-庞蒂所说的这一句话是很有道理的，塞尚的画中也是透着这种奇异力量的，其强调氛围和整体感受，他在实物中倾注了自己的感受，最终体现了一种新的真实。

塞尚也还是强调“思想与方法的一致性”，也重视事物的情感性。塞尚的目标是去除事物的矛盾从而达到“和谐”“合一”的效果，他不仅仅追求事物的表面印象，更注重如何表现出物体的构成与内在，目的是追求和谐平稳的状态，在画面中和色彩中表达绝对与真实的感受。所以达到了这种理想的状态，也就是真正地把一致性烘托出来。

艺术家在创作过程中，会把握情景场景的特点，如艺术家尹秀珍和塞尚是通过对表达事物的特点来反映艺术家本人的思想感情，所谓动人心者，不仅仅是源自生活，创作时也是服从于一定的主题内容，同时反映的又是时代的脉搏和作者的思想感情，表达对新时代、新生活的歌颂。也就是说，不仅重视客观生活的选择和描写，更重视主观思维对创作表达的认识和反映，强调艺术家的思想感情的作用，才能获得“动人心者，莫乎于情”的感受[4]。

四、视觉反应，张力差异

一是色彩的视觉张力。在现代主义创作上，可以感受到画面的艺术张力，现代艺术家在色彩表达上的张力，是艺术家对生活的感受，也是艺术家内在的情感烘托的色彩张力。色彩是艺术家情感的媒介手段呈现，也是色彩语言方式与内在情感的表述，可以说是现代艺术的创作要素，在现代艺术家的创作表达中，色彩之间的关系是其灵魂与生命，色彩之间的关系不搭，看起来就会色调不统一，画面有一种破碎感，画面上就会有一种不平衡与违和感，从中就失去了艺术家对创作的本真。我们以高更的作品《我们是谁？我们从哪来？到哪里去？》来简单分析其色彩中所形成的视觉张力。画面中就色彩而言，其视觉张力给人的感受主要来源于两种，其一是色彩之间的对比感，其二是色彩之间的调和感。对比就是色彩与画面物体之间的差异，其中包括艺术家在画面中故事性的构思与画面情绪的表达。

二是画面的形式语言差异感的张力。在当代艺术的表现中，画面的点、线、面都有画家的思考、感悟与布局分布的变化，画面形式的形状有变化，物体形式的表达、画面语言的长度、点的形式构成就组成了当代艺术画面的张力感。当代艺术家在色彩上的运用，是有比较大的主观感受的，而画面的丰富、形式语言的分布会给画面带来视觉冲击感和张力[5]。

差异感在画面上的表达，则以野兽派马蒂斯《红色的和谐》为代表。从整体上看，这是一幅抽象画。画面的内容是一位女性占据画面，实际上却是马蒂斯对画面表达色彩差异张力的一幅画作。从构图来看，很多原本造型的物体，颜色大胆有张力，与我们现实生活中的色彩还是有很大不同的，文中所表达的差异化实际是做减法和简洁化，表达艺术家的想法与感受，如《红色的和谐》画面中的红色的布。原本生活中不会用这种大红去表达，这是因为艺术家进行了主观处理，即画面的桌面花纹与左上角的窗户角的设计，没有交代物体之间的联想，但画面中的窗户之间的设计与整体的感觉会有呼应，只是艺术家以差异化的表达去完善画面整体，来展现出艺术家的情感。

《红色的和谐》画面中人物旁边桌子上的物体，其实是作者在里面对色彩情感的表达，所以画面左上角的室外的世界，其实也是室外与室内的对比，艺术家用线条与色彩的交错来表达自身的情感。其实，这也是一种不同的创作技法，差异化的张力其实也是一种象征的表达。

三是画面构图方式的视觉感受。画面构图方式感和形式化的差异张力、物体之间的色彩之间的关系被视为艺术家在艺术创作绘画中会去衡量的三个重要因素。相比于物体的形式感、画面的色彩感受，整体的构图则更加彰显画家对生活的认知与感观，也体现出画家本身的绘画功能。就绘画而言，很多优秀的艺术家在色彩的表达上不一定丰富，在描述物体的形状时不一定有差异化的表现，但在构图上是有很大关联的。而构图方式带来的是和谐张力、物体之间的对比，而产生的对比感是形式冲击张力以及节奏变化的起伏张力，让受众者获得不同的感受。

日本当代艺术家草间弥生，在她的作品《南瓜》系列中体现出了画面的构图与平衡，其作品左右的点体现出丰富的视觉效果。在有视觉集中点的作品上，颜色层次与视觉感受涌入眼前，而现代艺术家达利的作品《时间的永恒》则体现出明显的对比构图，进而烘托出画面之间的秩序，也可以呈现梦幻的感觉。

五、结束语

现代主义的内涵精神更注重主观精神与内心的想法感受，在作品中可以看到艺术家运用现实的人物、事物进行表达，在画面中塑造真实、有情感的故事，用新的观察角度及新的媒介方法观察事物，现代艺术的内涵精神是对生活、生命之间的关联思索及对事物的感知与身体的体验，从物质、精神层面到个体、集体、社会的情感表达，表现出对生活、社会、世界的感受，追求内在的灵魂趣味。现代主义艺术内涵精神带有纯粹的表达，敢于突破，具有创新意识。

参考文献：

[1]约翰·拉塞尔.现代艺术的意义[M].北京：中国人民大学出版社，2003.

[2]叶朗.美学原理[M].北京：北京大学出版社，2018.

[3]李小刚.论后现代主义艺术存在方式的多元化[J].合肥工业大学学报（社会科学版），2006（01）：187-189.

[4]张晶.艺术媒介论[J].文艺研究，2011（12）：50-58.

[5]高嶺.现代艺术精神与现代艺术语言——兼论现代艺术的理论基础[J].艺术·生活，2005（02）：21-23.

责任编辑：付晓琳

作者简介：赖功程（1999-），男，江西赣州人，硕士研究生，美术学专业，从事综合材料（中国画）研究。