完美现场演奏的培养

于琇伟

摘 要：现场演奏是对演奏者的演奏技术、音乐表达能力、心理素质等多方面的考量，如何在舞台上充分展示自我，为听众呈现出最佳状态，是众多演奏者所追求与探索的。拥有完备的技术技巧才能在舞台上将全部注意力集中在音乐表达中；要提高技术技巧便需要掌握正确的练习方法；此外，积累舞台经验，能够帮助增强心理素质，锻炼心理承受能力，总结复盘演奏过程，则有益于减少现场演奏失误的可能，将音乐更好地呈现给听众。

关键词：现场演奏；练习方法；心理素质

中图分类号：J620 文献标识码：A 文章编号：2096-0905（2023）09-00-03

现场演奏是艺术的一种表演形式，它要求表演者在有限的时间内将平时练习、积累的成果以最完美的状态展现在听众面前。在演奏中，每一个音符、每一个乐句的表达都随着时间的推移而不可逆转，无论出现任何的失误，都不会再有补救的机会。演奏者在舞台上的表演过程体现了其对乐器技巧的掌控、对音乐作品的理解、对作曲家情感的诠释与表达。这并不是一个轻易就能完成的过程，这对演奏者的手指技术、音乐理解与表达能力、艺术表现力和综合心理素质都有着很高的要求。很多演奏者面临的问题就是，越是到了重大演出场合，就越是无法发挥自己的正常水平，但同时，也有一些演奏者却能够在舞台之上拿出绝佳的状态乃至超水平发挥。那么，如何获得绝佳的演奏状态并减少失误的可能呢？笔者将结合国际知名艺术家的演奏经验与自身演出经历，对这一问题进行系统分析。

一、集中注意力以减少失误的可能

马塞尔·杜普雷 （Marcel Dupre）一直以来都是世界上最伟大的管风琴家之一。他不仅在即兴伴奏方面颇具造诣，同时具有完美的管风琴演奏技巧以及超凡的记忆力，这使他能够完全凭借自己的记忆在十场音乐会中演奏巴赫作品全集。杜普雷曾在美国、加拿大、欧洲及澳大利亚举办了超过两千多场管风琴独奏音乐会，他早年的录音以及当时的乐评，都反映出他在技术上无可挑剔的质量。即便在他职业生涯的最后几十年里，他的演奏受到了严重关节炎的影响，但那些曾听过他最后几年演奏的人，无一例外地对他演奏的准确性表示惊讶[1]。

作为曾在极端的技术难度上取得成功的音乐家，杜普蕾认为，音乐家在演奏作品时的全部注意力都应该集中在诠释作品本身，只有通过完美的技术支撑，才能充分向听众传达音乐内涵。也就是说，一个音乐家在演奏时，必须没有任何在技术技巧方面的疑虑，这样才能不妨碍其音乐的表达。杜普蕾的这一观点，在周为民的《钢琴演奏的心理学研究》一文中也曾有详尽的原理阐述。在演奏中，紧张心理是一个非常重要且不可避免的问题，它通常由多种复杂的原因引起。演奏者出现紧张心理反应是正常的，适度的紧张心理也并不会对演奏效果产生不利的影响，相反会对演奏者在一定程度上起到积极的刺激作用，有助于演奏者的临场技术发挥以及音乐表现，也就是通常意义上所说的“超常发挥”。但过度的紧张心理，则很容易造成演奏的失误，比如，忘记曲谱、音乐表现混乱、错音、技术失误等，也就是周为民文章中提到的“表演障碍”。因为紧张心理会干扰演奏者正常的心理活动以及大脑对肢体的控制，从而形成对人脑活动的阻碍，进而干扰演奏者的临场发挥和音乐表现。而合理分配注意力，则能够有效地帮助演奏者克服紧张心理。当演奏者把注意力都集中到对音乐本身的诠释中，也就是常说的“投入音乐中去”，就会容易忽略其他事物对演奏的干扰，从而保证演奏者可以发挥出自己正常的水平。

外界环境是影响演奏发挥的客观因素，这是不可改变的，因为演奏者不可能只在自己熟悉的场地、面对熟悉的观众、以熟悉的演出形式来演奏。当脱离了熟悉的演奏环境，演奏者的心理便会容易陷入一种紧张的状态。有些心理调节能力较差的演奏者，遇到陌生的外部环境，就很容易出现表演障碍，仿佛肌肉脱离了大脑的控制，明明在练习中从没出过问题的地方，也有可能会发生失误。既然客观环境无法改变，为了尽可能地减少失误，演奏者便不得不从主观方面下手，也就是调控注意力，而注意力分散，在演奏中便是像定时炸弹一样的存在。再者，大脑与肌肉的疲劳也会对技术产生不利影响。众所周知，在演出中，人的体力与脑力会加倍消耗。脑力的消耗会容易导致注意力不集中，而肌肉的疲惫会使肌肉发生不受控制的可能性，增加技术失误的风险，因此，疲惫也是艺术家在演奏中必须要克服的一个问题。那么杜普蕾是如何让自己的演奏技术保持在无可挑剔的状态呢？他的做法是：在日常练琴中就尽可能地消灭掉一切可控的、有可能对自己演奏产生不利影响的因素[2]。

二、掌握正确的练习方法

虽然杜普蕾是一位管风琴家，但他的技术基础却是来源于钢琴。杜普蕾坚持每天练习钢琴直到他的生命走到尽头。每天早上，他都会坐在自己的钢琴前练上一个小时，以下这些练习内容就是他为自己设定的每日固定的手指训练。[3]

1．四个八度平行三度音阶；2．三个八度平行六度音阶；3．平行小三度半音阶；4．平行大三度半音阶；5．平行纯四度半音阶；6．平行增四度半音阶；7．平行小六度半音阶；8．平行大六度半音阶；9．双八度半音阶；10．平行小三度双八半音阶；11．快速交替八度半音阶；12．一些琶音练习，如大小三和弦琶音、大小七和弦琶音、双手不同转位的琶音、双手反向琶音等。

只要时间允许，杜普蕾就会从他喜欢的钢琴作品中挑选一些来练习，如《贝多芬奏鸣曲》《肖邦练习曲》，或者门德尔松、舒曼、舒伯特和李斯特的各种作品，甚至在他去世那天早上的早餐前，他也在钢琴前练了半个小时。他不仅对自己的日常练习严格要求，对他的学生也是如此。他要求他的学生掌握所有大小调的音阶，以便让音阶指法成为本能，能够熟练运用到日常曲目演奏中去[4]。

日复一日的刻苦练习是维持演奏机能和状态不可或缺因素之一，除此之外，掌握正确的练习方法，也是至关重要的。杜普蕾认为，当接触到一首新曲目的时候，就必须确定好指法，一旦选用了一种指法，以后就不可以再更改，切忌在演奏中随意更改指法。而指法的选择，是在第一次試奏时，认真尝试了所有可能的指法后所做出的决定，必须是经过深思熟虑的。指法的选择绝对不可草率，否则会为演奏带来一些不可避免的错误。针对这一点，笔者认为很多演奏者都深有体会[5]。

在我们学习各种乐器的时候，更换指法都是需要一定的时间来适应的，若是在演奏前临时更换指法，难免会在紧张之下出现一定的混乱。杜普蕾自己很少把指法写在他的乐谱上，因为对他来说，他只要看一眼新的乐谱，就能发现最好的指法排列方式，并且毫不费力就能够记住。但这个能力并不是每个人都具备的，所以最好的方式，还是将指法用铅笔标在谱面上，避免出现乱用指法的现象。那么什么是最好的指法呢？对于杜普蕾而言，那就是能够使乐曲以尽可能少的多余动作演奏出来的。每个人手的大小和手指的灵巧程度都不同，所以同一套指法也并不适合所有人。并且，他意识到每一个小的段落都可能有不止一种理想的指法。就他自己而言，他会选择让手指离琴键更近的指法，因为他觉得当手指已经能够触碰到相应的琴键时，就不太可能会漏掉那个琴键。此外，杜普蕾对于在演奏中的多余动作是比较反感的，他认为演奏者应该始终放松，调整到最舒适的姿态，不能做任何不必要的动作，并在演奏时保持安静。也就是说，要杜绝多余的动作所带来的疲劳与失误的可能性[6]。

对于长时间的舞台演奏来说，确实需要尽量保持体力充沛以完成整场演出，减少多余的动作有益于保持演奏者的体能，但这一点也并不绝对。英文中“Performance”一词可译为“演出”或“表演”。舞台上的演出本就是有表演成分在的，在十九世纪就曾流行极具表演张力的演奏风格。在视觉效果上来说，外在的动作在一定程度上可以帮助演奏者调动起听众的情绪，这对更充分地传达作品的内容有积极的作用，而很多演奏家也并不会因为动作幅度大而在舞台上出现大量的失误或者体力不支现象。但对于像杜普蕾这类演奏家来说，通过减少动作而节省体力，并坚信演奏音乐本身就足以传达一切，无须外在动作帮助，这一点也不无道理，这只是演奏家个人选择的不同。但他对于指法编排设计的原则，在笔者多年的演奏及教学经验中深有体会。很多时候，曲子的某一个段落始终弹奏不顺畅，很可能就是指法编排不当导致的，换一套指法便可解决。指法最好是在练习曲目的一开始便确定好，后期如果更换指法，为了避免正式演出时，在紧张情况下出现指法混乱的情况，往往需要重复练习無数次新的指法。因为人的肌肉是有记忆的，在适应了一个运动模式后，往往需要更多次的重复才能使新的肌肉记忆彻底覆盖旧的肌肉记忆，这在无形之中就增加了许多麻烦[7]。

三、提高心理素质

现场演奏不仅要求演奏者具备高超的演奏技巧和艺术修养，对其心理素质也是一项挑战。演奏这一过程涉及触觉、听觉、想象、记忆等多种心理活动，演奏者需要把自己对于作品的理解、对作曲家内心的情感体验以适当的方式表达出来，并让台下听众与音乐产生共鸣。在演奏过程中，演奏者必须时刻保持冷静，心无杂念，保证自己不受外界环境的干扰，才能为听众呈现出完美的演出效果。很多演奏者在现场演奏过程中都会有这种追求完美效果的心态，这就会导致演奏者对自己产生过高的要求，反而会在演奏过程中更加紧张，无法以放松的心态将自己投入音乐诠释中。在这样的情况下，就无法产生良好的演奏效果，并且会导致演奏者更加紧张，形成恶性循环。由于对自己有着过高的要求，极其渴望获得演出的成功，害怕失败，这会让演奏者的精神进入高度紧张的状态，部分演奏者甚至会出现生理不适等现象，如心跳加快、肠胃不适、头晕目眩、血压升高等。这种生理上的不适会极大地对演奏者产生不利影响，使其希望演奏尽快结束，如此一来，便更加无法投入音乐中去。

再者，这种心态会通过音乐或者演奏者的肢体动作与表情传达给听众，导致演出现场反响不好，进而打击演奏者的自信心。要知道，听众对演奏者的影响是不容忽视的。现场演奏并不是一个人的独白，无论是音乐会还是参加各种考试，台下都会有艺术修养和音乐欣赏能力不同的听众。面对艺术修养较高的听众时，演奏者必然会想要发挥出自己的最佳水平，并希望能得到良好的反馈。这在无形当中带给自己的压力，很容易使演奏者过度紧张，而当听众反馈不佳时，演奏者便容易产生焦躁、失落的情绪，从而影响后面的发挥。由此可见，提高演奏者的心理素质以及临场应变能力是必不可少的[8]。

首先，钢琴演奏者应对自己的真实水平和临场发挥水平有一个正确的认识，不对实际演出效果有过高的期望。每一次演出之后，发现并总结自身临场发挥时出现的问题，对此多回顾、分析、思考，逐渐总结摸索出有益于提高自己现场发挥的方式方法。波兰钢琴家卡尔·陶西格（Karl Tausig）会在音乐会结束回到家后，再把全曲弹上一遍，对音乐会上演奏失误的地方进行复盘。每次演出后，认真总结问题，分析问题，方能在日后的演出中更好地改进。

其次，多积累舞台经验也能在一定程度上削减陌生环境所带来的心理紧张。对于这一点，演奏者可以利用空闲时间在演出场地进行模拟或者彩排，多熟悉环境，以此来降低陌生环境带来的心理不适感。或者在不同场地、面对不同人群进行多次实战演练，这样更有益于积累在不同环境场合下演奏的经验。只有多模拟、多积累经验，才能让演奏者心里耐受度提升，从而以更加平静的心态面对听众。

最后，信心是演奏成功不可或缺的重要因素。演奏者应培养正面的思维习惯，在日常练习和演奏中多关注自己的优点，不苛责自己，这样即便演奏中有偶然的小失误，也不至于太过影响之后的发挥乃至日后的演奏之路。只有掌握正确的心理调适方法，才能够以更加积极的心态应对现场演奏中的一切问题，并获得理想的演出效果[9]。

参考文献：

[1]周为民.钢琴演奏的心理学研究[J].中国音乐，2008，110（02）：149-153.

[2]毛冀钰.如何提高钢琴演奏的临场发挥水平[J].钢琴艺术，2011（12）：30-33.

[3]丁大水.钢琴教育与钢琴技巧训练[J].黄河之声，2020，557（08）：72-73.

[4]杨晓萌.钢琴演奏的心理学分析[J].人民论坛，2015，500（33）：36-37.

[5]杨欣.钢琴演奏心理调适初探[J].艺术教育，2017（Z2）：94-95.

[6]蔡丽，张璇.浅析钢琴技巧练习的精进措施[J].戏剧之家，2022，420（12）：91-93.

[7]王潇.钢琴技巧大师—卡尔·陶西格与他的《每日练习曲》[D].天津音乐学院，2017.

[8]刘丹.浅谈钢琴技巧形成和发展的基础[J].北方音乐，2016，36（16）：48.

[9]冯媛.钢琴演奏中情感与技巧的运用[J].戏剧之家，2023，448（04）：79-81.