灯光对传统戏曲舞台影响——以传统戏曲《红罗衫》为例

王晨

传统戏曲的美学构建体现了中国传统文化的审美特点，它和西方的话剧、歌剧等截然不同。旧时观戏，看的是演员程式化的表演，故事情节与演员自身功底的结合，听的是演员的唱腔与念白，韵律节奏与情绪的融合。当下观戏，看的是舞台美术在舞台上的视觉之美，听的是改良后传统乐器与西洋乐器演奏相结合的协调之声。表面上这些似乎弱化了观众对传统戏曲艺术的审美，而随着现代技术不断革新，舞台多元化的表现手法对观众的审美产生了改变。

一、灯光与戏曲舞台的关系

早期的戏曲都是露天或者半露天演出，使用太阳光作为光源。随着演出样式的改变和观众审美要求的提高，演出的场所逐渐搬到了室内或者在夜晚进行演出，这时出现了“人造光”。曾有历史记载，宋代开始就出现使用“彩灯”作为光源。辛亥革命后，中国剧场开始使用汽灯或电灯照明。随着科技的进步，无数次的技术革命，现代灯光设备已实现智能数控和叙事抒情，远远不止单一的照明功能这么简单，早已成为灯光设计师手中的画笔。

近年来，观众的欣赏水平也在不断地提高，外国各种各样的艺术样式涌入我国，使我们不得不从美学的角度来重新认识戏曲。这样，观众对戏曲舞台美术、灯光、服装、道具和音响等的要求也越来越高。舞台灯光的特点是由戏曲的特点所决定，根据不同的剧本主旨、导演阐述、剧情发展、人物性格、时空关系、环境气氛等进行不同的灯光设计。由此看来，舞台灯光具有一定的独创性，灯光设计工作是在尊重戏曲表演情节的基础上实现的，创作要注重对戏曲精神力量的挖掘与传达，使之成为具有打动人心的独特审美力量。灯光设计工作要遵循戏曲的内涵出发，探索舞台灯光所能造成的精神力量，揭示剧中人内心的悲喜交集之感，创造符合戏曲空间画面美的灯光语言。同时舞台灯光具有一定的统一融合性，能将舞台空间中各种不同的视觉因素融合为一个整体，在舞台空间的各个角落、各种层次、各样结构、各式比例、各类虚实和主次关系的视觉创造过程中，组织美的视觉画面。换言之，就是营造意境、探究真谛、构筑哲理诗情的舞台空间。所以从本质上讲，灯光是戏曲舞台的一部分，不同的戏曲表演内容会设计不同的舞台灯光，两者是从属关系。

灯光的运用不能仅仅停留在照明，灯光技术发展到如今应该为戏曲的发展增色添彩，这也进一步奠定了灯光在戏曲舞台的重要地位。在传统古装戏的运用当中显得尤为重要，因为传统戏大多表演是程式化和虚拟的，场景是用简单的“一桌二椅”来表现写意的时空环境，舞台通常是空旷、干净的，给予观众更多的想象空间。就如《红罗衫》一剧共有10个场次，包括临别赠衫、船上遭劫、虎口逃生、佛门分娩、渡口弃婴、古井相会、巧娘告状、察院夜审、曹横招供、罗衫再合。该剧情节跌宕起伏，演员唱腔婉转动人，舞美简单写意。这时就需要灯光来改变明暗关系、色调对比、空间冷暖等，不仅要把演员和环境照亮，更要让演员立体、舞美布景真实，让观众能看到时间、地点、环境的转变，更重要的是演员的情绪，戏曲的精神内涵，使观众心中激起涟漪，感官与心理同时满足。

二、灯光对传统戏曲舞台美学影响

（一）亮度、明暗、光比与光感

早期的舞台灯光都是以照明为主，舞台全部打亮，演员要亮，布景也要亮，整个舞台平板无力，像是手术台上无影灯，虽然亮度很高，但是失去了明暗对比，使得毫无光感。特别是创作传统戏时，导演和演员总是觉得不够亮，往往忽略明暗对比，忽略如何让光有力度，让表演者立体。其实根据光感的特性，在灯光设计中，如果我们希望光或由光构成的某种信息容易为人们感觉到，就应提高它与背景的差别，增大光的面积，反之，如果不希望如此则应相反处理。问题的关键不在于光的绝对亮度，而是它与背景的差别和明暗面积的大小。

在设计《红罗衫》灯光时，面光只使用了少量切割灯，能满足舞台表演区的均匀铺开，而主要在侧光和顶光位置增加灯具。其中在船上遭劫这场戏，舞台上只有一桌二椅，给了表演者很大的空间，这也给灯光设计留有思考的空间。首先是增加光感，体现出亮度、光比、空间感、流动性，用这些来衬托剧目的情节、情绪。这场戏是在船上，夜深人静，平静中暗藏危机。面光使用百分之五十照度，主要使用侧光和顶光，投射到表演区，在剧中人物徐虎等一群杀人越货的盗匪面部形成强烈的明暗对比，配合妆容呈现凶狠和歹毒之模样，背景昏暗，微微光斑，危机四伏，用两侧流动灯光对冲舞台，配合烟雾呈现舞台的空气流动感。整个场次画面充满光感，虽然亮度不高，但这些都笼罩在强烈的暗喻之中，光影投射在演员本身反射到观众眼中，令观众感受灯光语汇的变化，同时演员内心发出的光感与灯光语汇自然融合，这种感受是产生于观众此时此地的心理需求，并与之呼应。

（二）色彩、冷暖、空间与时间

早期的戏曲照明主要以太阳光为主，太阳光具有全光谱，是人眼观看世界最好的方式。随着对太阳光的研究，英国著名的物理学家牛顿使用三棱镜首次将太阳光分解出七种颜色，出现了有色光。之后德国的大作家歌德最早地注意到并且表达出色彩与情感的关系。他们都为近代色彩研究方面奠定了基础。作为舞台灯光设计，通过研究色彩心理学，运用色彩的色相、冷暖等来模拟现实生活中的某种场景，创造戏剧环境的空间和剧情发生的时间，还有剧中人物的性格、心理、情绪的深度刻画，来满足观众对色彩的生理反应，让其更能投入剧中。

传统戏曲基本都是白光为主，环境氛围感很弱。在设计《红罗衫》灯光时，运用了大量的色块，同时降低纯度，很少有极其艳丽的纯色，都是混合色。如在古井相会这场戏中，逆光使用草绿色，一侧光为暖橙，一侧为粉色，营造出早春的感觉。这是徐继祖第一次与苏母相见，是对未来即将发生的美好之事所期盼。在察院夜审这场戏中，逆光使用暖白色，两侧光为孔雀蓝，虽然是公堂夜审，但又制造成过于阴冷的感觉，毕竟徐继祖是明事理的清官，虽然公堂之上郑巧娘状告自己的养父，他有点犹豫和疑惑，但仍能公正严明，执法如山。通过明与暗、冷与暖的对比，又为以后的“辨明真相”的用光埋下伏笔。通过色彩的运用，使观众在一个限定的空间里，感受到戏曲需要让观众感受到的情景，这也许是作为一个灯光设计所要追求的目标。

（三）变化、节奏、语汇与意境

舞台灯光通过色彩、冷暖、变化、光比等手段，来表达剧本中的所表达的思想、情感、空间、时间等，以生动的、具体的、富有哲理诗情的视觉画面，展示在观众面前。这些实现过程的手段，就是舞台灯光的独特语汇。运用这些语汇，引导观众心理设想，使之在欣赏过程中不由地进入到我们所构造的某种意境中，最大限度地参与到我们的剧情中来。比如在《红罗衫》中，曹横招供这场戏，逆光是暗暗的蓝色，只有书桌前徐继祖的表演区有微微的黄色，此刻环境是平静的，人物内心是波澜的，徐继祖面对血亲与恩养、国法与私情的抉择，犹豫、疑惑、矛盾、坚定，明暗和冷暖的运用使观众视线集中，观众与表演者情感连线，使之沉浸剧中，产生共鸣。这种灯光语汇的运用及对意境的构造与表现，是在假定的时空中需要与观众共同创造完成，并最终要取得他们的心理审美认同。

关于变化，是符合节奏和剧情的，更应是切合实际的。比如在《红罗衫》中，徐虎等一群盗匪杀害苏云一家时，锣鼓节奏急促，灯光如果通过强烈的变化来映衬节奏，那必然让观众无法看清戏曲表演者的肢体动作和面部表情。当观众在欣赏一个传统戏曲作品时，他是希望保留看到戏曲传统的表演，它是一个完整、连续的心理审美过程。所以作为灯光设计不能刻意追求灯光语汇的表达，过分地凸显灯光的存在，会打断观众审美的诉求和节奏。

总之，舞台灯光语汇可以塑造、烘托人物。但是，毕竟灯光也是为戏服务的，不可喧宾夺主、弄巧成拙。