濮存昕：出精品从传承开始

刘佳璇

北京人民艺术剧院2021 版《雷雨》剧照

“文艺的核心是美、品格和精神。我们每天在做的事情，就是让观众走进剧场，感受文化和艺术的力量。”北京人民艺术剧院（以下简称“北京人艺”）演员、中国戏剧家协会主席濮存昕对《瞭望东方周刊》说。

近期，北京人艺院庆纪念版《蔡文姬》亮相舞台，濮存昕与徐帆、杨立新时隔多年再次共同演绎了这部郭沫若于1959年创作的经典。这座以“人民”命名的艺术剧院在6月迎来了70周年院庆，北京人艺为此推出纪念演出季，濮存昕承担了5个剧目的演出任务，除了《蔡文姬》外，还有《白鹿原》《茶馆》《阮玲玉》和新版《雷雨》。

濮存昕将经典剧目的演出视为北京人艺的传承。近期，他参与录制了中央广播电视总台大型文化节目《从延安出发》，演绎的片段也是经典之作《雷雨》。

“吸引观众走进剧场，通过文化消费让社会主义文艺的繁荣走向良性循环，这需要文藝工作者出精品。出精品则从传承开始，在经典中扎下根来，向前辈学习，吸取养分去创造新的成果。”濮存昕说。

文学艺术关注人，文艺工作者应该奉献出的精品，也是对人的精彩解读——人的信仰、生活方式，人所经历的悲欢离合、喜怒哀乐。我们不仅是播种机、战斗队和宣传队，我们为人民提供形象的艺术创造，带领人民走进剧场去阅读生活。

每一代艺术家，都会用自己的心灵去解读这个世界，但是仍要参照和传承经典，再去表达态度，这样的创新才有韧性，有影响力和光芒。

《雷雨》是常演不衰的经典之作，为创作新版《雷雨》，我们翻出1934年的老剧本，发现了1956年修订后的版本中删除的部分，这些部分我们今天可以拿来借鉴，去解读曹禺先生在《雷雨》中的言外之意。

我们天天在想，如何让更多的人走进剧场。每场演出的观众不到1000 人， 我演100 场才能影响不到10 万人。这就像拿着镰刀一刀一刀割麦子，到今天干了40 年。

《雷雨》尊重人的生命，和巴尔扎克、托尔斯泰的文学作品一样，主要探讨人的存在。无论如何揭露或剖析人物，曹禺先生对笔下的每个人都怀有怜悯之心，包括周朴园在内，这些人物都在一个走不出的困境中挣扎。

对所有人物加以同情，是新版《雷雨》创作中特别关照的一个主题。我认为曹禺先生如果能够感知他的后生这样认识《雷雨》，他会高兴的。

于是之老师曾说，希望北京人艺的演员和艺术家们成为学者型演员和艺术家，有见识、有解读能力、有表现能力，熟悉历史、了解社会，而不是仅靠天性的直觉和本能创作。

青年文艺工作者应有扎实的基本功训练、培养出好的创作方式，从而在良好的剧团生态里获得机会。他们的基本功、判断力、理解力和想象力，都来自那些老演员用真情实感演绎的经典角色之中。

我曾试想《雷雨》和《茶馆》是不是200年后还在演出。北京人艺建院初期就创作出了《雷雨》《茶馆》《蔡文姬》这样的经典，上一代演员演出来，成为下一代的模范，年轻的演员扎下根去学习，继续演给年轻观众。随着时代变化，经典也不能完全是老样子，所以我们学老戏的同时也在创新。这就是北京人艺的文脉传承。

北京人艺是我的家。北京人艺1952年建院，我父亲是人艺第一代演员、导演。我1953年出生，从小就在剧院长大，做完功课便乐此不疲地去看《英雄万岁》里的道具炮，摆弄《霓虹灯下的哨兵》里的道具枪。

北京人艺也是我命运的拯救者。如果我不搞文艺，可能还是个边疆的农民，或者在城市里做个待业青年。我青年时代下乡，后来辗转回到北京，北京人艺录取我的那一天，我的心情是记忆中少有的风清日朗。是北京人艺接纳了我，让我一直能够演戏、站在舞台中间。

6月9日，市民在首都剧场前拍照留念。在北京人艺70 周年院庆前夕，备受观众期待的人艺经典剧目《茶馆》于6月9日晚在首都剧场恢复线下首场演出（彭子洋/ 摄）

我们和80年前所处时代已经不同，但作为文艺工作者，要不忘初始、不忘由来，不要忘记我们的姓氏。

北京人艺走过70年仍然有一口“气”，这口“气”不只是从1952年建院开始的，而是从延安出发的。今天的社会主义文艺正是从延安那个艰苦时代走来。北京人艺的老院长欧阳山尊先生、老演员田冲老师都参加过延安文艺座谈会，我父亲和蓝天野老师经历过北平的地下斗争，很多抗日干部、老革命在剧院成立后都成了精英团队中的一员，创造了高山仰止的艺术辉煌。

为了民族的觉醒、知识的普及，延安时期的前辈艺术家排演了各样剧目，使老百姓能够提升文化素质。在新时代，我们为人民奉献的艺术精品，不仅要传播知识，还要传播文明，去充盈人们的审美、品格和精神。

我经常想起作曲家冼星海。1939年，冼星海带着合唱队在最简陋的乐队伴奏下，在延安首演了《黄河大合唱》。第二年，冼星海受中央派遣从延安前往莫斯科为纪录片《延安与八路军》进行后期制作与配乐。苏德战争爆发后，他工作受阻，一路漂泊辗转，在哈萨克斯坦度过了生命最后几年。

冼星海从没有听过气势恢弘的交响乐伴奏下的《黄河大合唱》，每当我听到《黄河大合唱》，想到这一点便会感慨万分。我特别想在2025年纪念中国人民抗日战争暨世界反法西斯战争胜利80周年时，再一次朗诵《黄河大合唱》中的《黄河之水天上来》，以此纪念冼星海，纪念抗战胜利。

主旋律作品不能理解为单纯的教化、宣传或灌输，其应该表达大多数人的向往和情感需求。人们希望看到光，希望看到温暖和良知，希望互相理解，我们的创作着眼点就是去写出这种向往美好的心愿。

《雷雨》《日出》《原野》《北京人》都有一个主题——出走。出走的动力就是对人性光芒、自由和美好的向往。所以，向往美好也是艺术创作的一种文脉，我们应该把这种向往确立为创作信念，然后脚踏实地、入木三分地刻画细节。

这个过程就像在光的照耀下去发现事物的层次和色彩，它有明处也有暗处，如果没有光，就什么都看不到。光也是从黑暗走出来的，明和暗相辅相成，这是文化的良知。

我们吃过苦，才知道今天得来不易，对于我们共同奋斗的成果，我们呵护它，珍惜它。延安文艺座谈会召开时，是革命文艺发展的时期，通过文艺唤起人们去创造新的生活。先烈们用生命和鲜血换来了一个新世界，人们得以过上新的生活，我们后来则把新的生活变为好的生活，变成富裕起来、强大起来的生活。这是今天我们寻找光芒的目光所向。

戏剧教育首先是语言教育，需要孩子们广读课文并且大声朗读出来。朗读会让孩子对我们的语言文字有亲近感，提升表达力，使他们成长为能通过语言影响别人思想的青年。

我们从事文艺工作，不仅是为了养家糊口，更是为了传递文化和艺术的力量，使人的心灵受到影响、塑造人的品格。

在剧场，我们希望用艺术的力量去影响观众，把每一句台词说好，把每个角色演得生动，让观众感受到真实感，观众因此而激发的理解与想象，会让他难以忘却舞台上的故事和人物，还有这个戏所表达的意图。

来到剧场就像翻开一卷书，观众通过戏剧这种“形象文学”，来解读人，解读生活，解读时代、社会和历史。我们每天乐此不疲地演出，就是为了把对美好的信仰传递给所有观众。

我们天天在想，如何让更多的人走进剧场。每场演出的观众不到1000人，我演100场才能影响不到10万人。这就像拿着镰刀一刀一刀割麦子，到今天干了40年。在这个几千万人口的城市里，如果街头有陌生人对我说“我看过你的话剧”，那会让我感到光荣，说明我把那种艺术的力量传递给了他。

“‘云端’与剧场并不矛盾”

戏剧教育首先是语言教育，需要孩子们广读课文并且大声朗读出来。朗读会让孩子对我们的语言文字有亲近感，提升表达力，使他们成长为能通过语言影响别人思想的青年。

有了语言表达力，再走向戏剧，引导孩子揣测和体验各种各样的人物。中小学的校园戏剧重点是“玩起来”。戏剧首先有个“戏”字，是假定的、假扮的、假装的。在校园里，不必去排演《雷雨》，因为孩子可能难以理解那些复杂的人性，但可以演《茶馆》，让孩子们去体验晚清社会变迁下三教九流的生活。

我自己参加过一些校园戏剧的排演，用5天时间给山里的孩子排课本剧。我编了一个《草船借箭》，诸葛亮和鲁肃要坐小船，当地的村民就真搬了小船来，孩子们一起做道具，演得很认真，也体验了戏剧的乐趣。他们是小学三年级和五年级的同学，但从此就可以去阅读三国故事了。所以，校园戏剧也开启了孩子们的另一种阅读方式。

科技再怎么发展，人总要眼对眼、面对面、心贴心地相处。新媒体时代的拷贝艺术或者线上直播，其实仍然无法替代剧场体验的魅力。

在剧场，观众可以选择关注舞台上的任何一个地方，可以关注配角，可以关注布景细节，也可以閉上眼睛去感受音乐和台词。

同时，演员的每一场表演也是不一样的。为什么梅兰芳先生的戏观众们百看不厌？因为观众在关注他舞台上每场演出不同的状态和创新，如果观众听到了一个新鲜的转音，那个瞬间就能够被观众记一辈子。这就是舞台的魅力。

莎士比亚把舞台的演员们比作精灵，他们可以幻化出各种各样的生命样式。可以说，剧场是一个创作与欣赏的特殊空间，其中有无数珍奇。我相信科技发展到虚拟技术极度发达时，剧场体验会显得更加弥足珍贵。随着社会的进步、文明的提高和文化消费需求的提升，戏剧会越来越“值钱”，作为戏剧人，要做的就是拿出精品来，不断勇攀高峰。