镜头前的表演研究

史妍

摘要：一个合格的演员不仅需要掌握扎实的基本功，更需要深刻理解表演艺术行为。镜头是连接演员和观众的媒介，当面对镜头时，演员要有基本的艺术人文素养，也要熟悉和适应镜头的特质和功能，懂得镜头前的艺术表演交流，掌握好镜头表演面前的速度与节奏，掌握好一定的表演尺度，注意综合表演要素，将镜头化为自身表演的一部分，充分塑造好人物形象。本文针对镜头前表演教学的目标和重点谈谈如何进行镜头前的表演教学，希望可以帮助学生成为一个有电影美学意识和审美准则的演员。

关键词：镜头表演  镜头特质  表演要素

中图分类号：J905  文献标识码：A 文章编号：1008-3359（2022）05-0176-03

在镜头前的表演中，镜头成为媒介，连接着演员和观众，这就要求演员在表演上要适应和服从镜头的特质和功能，了解镜头前表演的美学要求和旨趣，将镜头化为自身表演的一個重要部分。

一、镜头前表演教学的目的和重点

在教学中需要达到的目的：有针对性地使学生通过镜头来塑造人物，传达情感训练，能够适应在镜头技术限制下有效的自我认知，积极地发挥表演的创造性，不断提高影视艺术的审美追求;培养良好的沟通和表达力，以适应拍摄的多部门协作环境。

教学的重点首先在于需要对学生已有的认知能力、表演经验和个人内外部条件有尽量细致地观察和基本信息的掌握，这样才能有效激发学生学习的欲望，设定个性化的培养方案，因为表演中的个性化彰显程度从某个层面上决定了演员的天赋开掘，尤其是镜头前表演的出色与否与演员个人魅力有着直接的关联，所以在教学中要善于发掘并保护学生的创作个性，让其对自己产生客观的认知，能够判断在复杂的技术环境中什么方式的表演可以最大限度地发挥自身的优势，以适应与技术的高度融合。其次，需要理论与实践的高度结合，在实践中感知理论的意义，在理论中认知实践的方向，在双向的往复循环中，不断提升学生在镜头前表演的综合能力。

二、镜头前表演教学的内容

针对以上教学目的和重点，教学的内容以如何达到教学目的和针对教学难点来设定镜头前的表演教学内容，包括以下几个部分：

第一部分：针对全学科的镜头前表演教学。对学生进行基础性的表演素质训练，从而激发学生在表演艺术领域的潜能，使其具备演员基本的表演创作能力和技巧。对于基础性的表演素质训练来说，要尽量全面和扎实，暂不将镜头成为限定因素，因为舞台表演和影视表演是共通的，并且随着影视艺术与技术的发展，以及观众越来越多元化的审美追求等趋势，演员应该具备能够展现不同表演风格、质感及不同创作环境的能力，所以演员的基本创作能力越全面，越能让演员在镜头和技术限制的情况下，将表演天性显现出来，能够更为自信、自如的启动内在真实和准确的情感来进行角色创作，排除不必要的杂念，以适应镜头前的表演特点。

第二部分：让学生了解一些内容：比如：有关镜头的作用、运用的技巧，以及呈现效果;导演在影视拍摄中的作用和创作方式;电影艺术的特性和美学特征等理论基础。在这个教学过程中，需要理论与实践紧密结合，从理论上阐释镜头的拍摄原理和创作方法、舞台上的表演与镜头前表演的差别等，再通过摄影机镜头或影片的讲解，在实践中将学术性的文字转化成能够被学生感受到的实际情况。这是将镜头的技术与表演有机结合的关键，只有清楚的知晓媒介的特性和这门艺术的审美旨趣，才能充分地发挥表演的创作能力。

第三部分：在建立了基础的镜头技术与表演结合的意识和技巧后，就需要再次根据镜头表演的特质更有针对性地训练演员的表演素质和技巧，由此，学生的表演将需要通过镜头来完成，让学生从了解—熟悉—适应镜头前的表演，从而在实践中将镜头转为表演的一部分。

在这一阶段中，对于表演素质和技巧的训练将更加有针对性，对镜头的使用上也要由单一的、基础的使用方式逐渐向运动的、复杂多变的使用方式过渡，采取小组制，每个人在一个组别中担任不同的创作和制作角色，使学生可以更加全面地学习到镜头使用的技术性、艺术性和制作流程。

这一阶段的训练需要艺术性和技术性并驾齐驱，镜头前的表演涉及很多技术性问题，在前一阶段的学习中，在技术层面已经打下了坚实的基础，在这个阶段就需要将表演限定在镜头前的技术空间内完成艺术创作，要训练在摄影条件下的不同工作方式，比如摄影工作流程，有时是剧本规定好分镜头，演员在限定好的空间内走戏，试拍、实拍、补拍、抢拍、偷拍、顺拍、跳拍等等，有时是在现场和对手在场景中先自然地走戏，得到导演、摄影师的认可后，开始布光、架机位，设定镜头的使用，无论采用哪种技术方式，对于演员来说，排练的时间都是非常有限的，需要演员尽快适应拍摄环境，以便于更为专注和松弛地进入理想的创作状态。接下来就要注意到摄影机的工作方式，其中有运动摄影、固定摄影、固定镜头、定点摄影等，需要根据不同的拍摄方式调整表演。紧接着会有不同景别的区分，演员如果能和摄影师建立良好的沟通，就不会使自身表演陷入茫然，不同景别下的表演在表演尺度和表演重点上都有很大的区别，比如在远景中主要表现主体所处的环境，表演中就要将与环境的关系表现出来，表演中演员需要通过身体语言形成画面中的焦点，在声音的使用方面也应该考虑到收音的距离，如果距离远就要适当放大声音;在全景的拍摄中，对象是主体的全部，那么整个身体就要参与表演;中景的拍摄中要注意表演的自然幅度、画面构图的美感;在近景中要将表演的细节展现出来;特写则需要使用身体的局部使内心情感自然地流露;最后进入微相镜头的拍摄，通过对微笑部位的拍摄，摄取人物的心灵领域。对于特写或微相拍摄来说，表演得准确、细腻。在以上这些拍摄景别中，演员要知道拍摄的范围、表现的重点、表演的高潮以及起幅和落幅都在哪里。除此之外，还有镜头的拍摄角度、镜头技术等，这些技术归根结底是为表演服务，可以最大限度的表达演员对人物真挚的塑造，从而说服观众，感染观众，使得影视艺术作品更有魅力。在与镜头协调工作的训练中，要有意识地培养学生对镜头利用的意识和敏感度，能够适应机位所设定的特定表演区内进行表演创作，善于与工作人员有效沟通和相互理解，通过不同的表演方式、分寸感等，最大限度地发挥不同拍摄技术下表演的准确性、真实感、细腻度，从而彰显镜头前表演的魅力。

第四部分：针对镜头前的表演来说，演员需要重点培养的表演素养也要有针对性，比如：想象力、专注力、时空性、对生活的热爱以及自我认知能力。

首先，演员的想象力是将生活转化为艺术的起重机。对于演员来说，想象可以唤醒我们的激情记忆，并且从隐藏在意识之下的仓库里诱导出它曾经体验过的情感的一些元素，按照在我们心里出现的形象重新加以组合。在艺术创作阶段，演员将自己所观察到的客观事物与自己脑海中的生活经验加以融合、联想、幻想，从而创作出能够反映现实生活的艺术作品。由于镜头前的表演相对舞台表演具有更多的即兴成分，不是一种反复呈现的艺术样式，而是具有很多一次性和不确定性，这就更加需要演员有强大的想象力，内心将人物的前场戏清晰地创作出来，这里有的戏是已经拍摄过的，有的还没有拍摄，还有一些情况下演员需要对着满是冷冰冰的设备器材进行创作，面对这样的创作环境，要求演员必须要具备丰富活跃的想象力，从而完成情感的快速切换。想象并非凭空臆造，而是需要坚实的基础，演员一定要在生活的基础上，通过想象将文本中的文学形象变为立体的真实的人，要全面、细致地在内心建立人物言谈举止、坐卧行走等内心视像。

其次，是演员的专注力。电影表演要求演员创造出接近自然、接近生活并且生动鲜活的人物形象，需要演员通过想象对角色的内心欲望、行为动机、思维方式、情感表达等进行深入的理解和剖析，全身心沉浸在角色精神世界当中，将自我化身为角色，全方位的理解和体验角色内心。

第三，镜头前表演的时空性也是使表演接近自然的关键。时空性包括对于人物性格的形成、人物性格的外化、规定情境、人物关系等等，生活中的人在行为中都有真实可靠的节奏感，正是这种节奏表现出人的内部变化，那么在镜头前，由于要追求真实，这种时间性就需要更加准确的再现，有一点偏差就会有表演的痕迹，这就需要演员通过想象细致的分析人物在规定情境下准确的内心变化，形成确切的内心独白和潜台词，将其成为镜头前表演时间性的依据。由于镜头拍摄的限制，演员往往在一个与角色生活环境迥异的条件下进行创作，那么就要演员在想象的世界中将人物所处的特定环境以及规定情境清晰的建立，才能准确地在镜头前将人物的所见所感表达真切。

第四，由于镜头前表演对真实感的要求，需要将生活化的表演自然地再现于镜头前。要想在镜头前真实的表演，就需要演员认真观察生活，能够感知生活中情感的细腻与复杂，并记录下来，甚至随时能够反观自我，我的感受如何，我的外部变化怎样等等，从而充盈表演的记忆库，为想象提供依据，为表演寻找正确的生活逻辑。如果不深入生活，那么演员的创作源泉将干涸，无法接触真实，又如何再现真实？所以对于镜头前表演来说，对生活的热爱和关注将永远成为创作者的有力武器。镜头前表演的真实感不完全来自于自分寸的把握，分寸的调整是針对拍摄方式而言的，比如景别、角度等，真实感应源于正确的生活逻辑基础上寻找典型人物的典型动作。台词文本是心理过程的结果，而演员需要创造的是情感的过程，我们就需要依据生活的逻辑在规定情境中倒推人物情感的脉络，使观众看到的是台词之后的力量。也就是说角色在干什么，怎么干都是演员需要完成的，没有丰富生活的积累、生活的依据、有序的逻辑，就没有典型动作的出现，仅仅是用简单的粗糙的方式来完成表演任务，这样就会出现表演不准确而用幅度的夸大来遮掩，从而使得人物没有说服力，不是生活中的人，丧失了镜头前表演的真实感。比如，当我再次看到久别的爱人，我是该一杯水掩饰，还是直接冲过去，或是站在原地转过身颤抖，或是破口大骂、拳脚相向等等，如果没有规定情境的限制，这似乎都没有错，但要让典型人物在规定情境中真实的生活，就需要十分准确的选择动作来表现，增强演员对于自身的知觉意识，也就是通过不断的拍摄作业了解自己的表演瑕疵，能够精准地控制外部的肢体动作、面部表情、语言、呼吸等表演的分寸。在情感的启动中，可以采用美国方法派的训练方式，采用情绪记忆法，或者俄罗斯迈克尔契诃夫的训练方法，使得演员具有真实准确的情感控制力。

第五部分：经典影视作品和个人创作拍摄，由学生独立完成十五分钟的经典作品表演以及拍摄，以及创造性作品的拍摄，要求具有相对的完整性，每位学生都要在剧组中担任一次演员和一次其他部门的职位，包括前期筹备、中期拍摄、后期制作以及宣发等各个环节，完成与各个部门的协调合作。

第六部分：展演和影评，当收到观众的评价后，仔细研究为什么观众给出这样的评价，找到问题的核心，对影片做修改。

第七部分：影视作品的赏析与评价需要伴随学生的学习始终，甚至应该成为职业习惯之一，只有这样严格要求自己，才能成为一个有电影美学意识和审美准则的演员。

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