简述钢琴表演的体验与心得

李彰裕

一、关于钢琴弹奏中的一些技巧

扎实的钢琴演奏技术是钢琴演奏家的必备能力。正如弗拉基米尔·涅米洛维奇—丹琴科教导年轻创作者时所说：“如果我们技术不过关，如同战士手中没有锐利的武器。”俄罗斯作曲家、指挥家、钢琴大师拉赫马尼诺夫曾一针见血地指出：“出色的钢琴家，必须具有干净、快速、清晰、灵活的基本技巧。”钢琴弹奏时手指处于“第一线”，所有的音乐表达、速度、力度、音色控制都要通过手指来完成，因此手指的训练是第一位的。首先就是要慢练。在慢的基础上，通过手腕的平稳、指型的稳定以及抬起手指的果断积极地训练手指的独立性；通过低指快速地出键来训练手指的灵活性。这些看似简单，但很多人在练习时会因为心浮气躁而弹奏得过快，最后导致手指粘连或出现节奏不均。在训练时，我们一定要沉得下心，手耳并用，留意是否有因为速度过快而出现的节奏不均。要倾听每一个音，这样既能发现问题，又能不断地提高听觉的灵敏度。手指是钢琴表演的主要部位，但如果得不到手腕、手肘和手臂的灵活配合，便不会得到完美的发挥。对于手腕的训练，要注重手腕横向纵向训练的结合。横向训练就是手腕的左右调整运动，通过手腕来灵活带动手指，以此保持声音的流畅。纵向训练即是非连音弹奏，在手腕的带动下抬手，然后自然落下触键。这个动作看似简单，但是人们常常会忽略下键时的音色。因此我们要根据不同音乐的情绪来决定触键时的刚柔，这就是我们所说的呼吸。手臂和手肘的训练，最容易想到的便是和弦的弹奏。和弦弹奏中声音要饱满，下键沉到底，并且要注意不能单纯地从上而下砸键，要有一种由后往前的推动力，这样的声音效果就不会生硬死板。对表现不同情感力度的句型，如八度、琶音等都要注意腕、肘、臂三个部位共同发力，相互配合，以此来达到最好的演奏效果。

二、如何处理不同风格的作品

音乐大师约·霍夫曼说过：“技巧好像放在抽屉里的工具，精明的艺术家会在适当的时候，为了正确目的从中取出他所需要的工具。仅仅拥有这些工具是毫无意义的，什么时候和怎样去应用这些工具的那种艺术直觉、那种本能才是真正有价值的。这正像能适时地打开抽屉找到所需要的工具……我坚信一开始就应该把技巧与实际的音乐发展紧密结合起来。不能单纯学习其中的一种，两者必须平衡。只会长期给学生纯技术练习而不加以明智的真正音乐的研究的老师，只能培养出音乐机器——工匠而不是艺术家。”因此钢琴表演中只有精湛的钢琴弹奏技术是不够的，还需要结合对艺术的理解，脱离艺术表现的演奏技术是没有任何意义的，钢琴演奏者只有将演奏技术与艺术完美地结合到一起，才能呈现个性化的艺术风格。而艺术性往往体现为对不同风格作品的理解。

巴洛克时期的作品崇尚理性主义情感美学的原则，往往将严谨的形式与丰富的内容相结合，带有宗教性。通常情况下，巴洛克风格的作品只表达一种情绪，快乐、悲伤或激动，且自始至终都是一致的。巴洛克时期的音乐风格体裁主要集中在皇家生活等方面，音乐形式追求创新，开辟了和声空间和调式调性空间等。巴赫是巴洛克时期杰出的音乐家，他的作品风格独特，平和之中透露着庄严和神圣。《平均律钢琴曲集》是他最成熟、最有价值的一部作品集，平均律的前奏曲较为自由，既可以当作赋格的铺垫，也可以当作独立的作品。赋格的主要结构是首先在一个声部上出现一个主题（Subject），然后在其他声部上模仿这个主题形成答题（Answer），这时原先演奏主题的声部演奏与新的声部相对应的对题（Counter Subject），形成各个声部相互问答追逐的效果。在这首赋格曲中，主题和答题先后在四个声部上出现，因此是一首四声部赋格。赋格一般分为三个部分：呈现部（Exposition）、发展部（Divertissement和Development）和结尾（Coda）。各个声部在呈现部中用主调和属调将主题一一呈现，然后各自展开成为不同的发展部，主题在发展部中仍会在各个调性上呈现并变化，最终在结尾回归。弹奏时必须注意手指的触键方法、强弱处理、层次变化和对手指的控制。

古典主义音乐追求音乐语言的理性化、明晰化，追求形式与内容的平衡，与巴洛克音乐相比，语言精练，朴素亲切，展现出庄严激情的风貌。不同于巴洛克音乐自始至终保持一个节奏，古典音乐作品中有许多不同的节奏变化，且情绪丰富鲜明。莫扎特是这个时期的代表性人物，他的作品情感节制，乐句规范，节奏富有变化，和声节奏舒缓。他的音乐具有平衡的美感，且擅于用最少的语言表达出内心最深邃的情感。在弹奏莫扎特钢琴奏鸣曲时，准确的力度和速度极为重要，随意的速度与力度变化不符合莫扎特的音乐风格。因此，弹奏时不宜将力度弹得过于生硬，要控制在平稳舒缓的范围内。

浪漫主义时期是西方钢琴艺术史上一个辉煌的历史阶段，浪漫主义时期的作曲家在乐曲的形式结构上不断趋向于自由化，使音乐的微型结构与巨型结构都有了进一步的发展，对民族特性的迷恋使作曲家从熟悉的民间素材中汲取原料，创作出不同的作品。肖邦是这个时期的代表性作曲家，他的钢琴作品体裁丰富、形式多样，他为钢琴艺术创造出了音响和结构的新天地。其音乐的艺术特色表现为如歌的旋律、富有灵性的装饰音、大胆新颖的和声，具有波兰民间舞蹈特色的自由速度以及前所未有的钢琴上的色彩和音响上的想象。例如，肖邦的《革命练习曲》是人们耳熟能详的一首作品，这首作品以华沙起义为背景，描写了肖邦对祖国命运的悲痛哀思和对祖国亲人的思念。就《革命练习曲》本身来说，其属于一首单一形象音乐作品，作品从始至终皆贯穿着激昂悲愤的情绪。作者通过整个钢琴演奏的过程，充分将其内心的痛苦宣泄出来。从曲式角度来说，它属于三部曲式，每段都饱含了不同的情感。弹奏过程中需要充分结合左手及右手，通过连绵不断的音流以及高昂激烈的曲调表现出整首乐曲的音乐形象。在弹奏期间，需要保证手臂之间的起伏，通过演奏技巧将手臂力量传递到指尖，防止出现僵硬的问题。在处理整首曲子时，要始终保持激动、昂扬的心态。手指下键干脆利落，绝不拖泥带水，要充分表现出肖邦内心的悲愤之情。

中国的钢琴作品遵循中国传统的美学原则，具有诸多的民族特色因素。《秋月》是谭盾的钢琴组曲《八幅水彩画的回忆》中的第一首，谭盾以秋月为寄托，抒发了远方游子对家乡浓烈的思念之情。此曲不但充斥着楚文化的神秘气息，还具有西方现代音乐风格的特点。乐曲大量模仿了我国传统民族乐器古筝的演奏手法，使人们仿佛听到了古筝淳朴的音色。乐曲中的引子部分没有小节线的限制，这给了演奏者很大的自由发挥空间。因此，对于这部分的弹奏应当更加自由，不要太拘泥于节奏，运用小臂的力量将声音刻画得更加细致圆润。在弹奏装饰音时要快，要与旋律融为一体。要注意强弱的起伏对比，也可以通过适当的延长音将意境烘托得更加出彩。《百鸟朝凤》原是民间吹打乐合奏曲，后由唢呐演奏家任同祥整理改编成唢呐独奏曲，1973年作曲家王建中又将此曲改编为钢琴独奏曲。它是具有独特音乐效果的中国作品，钢琴与唢呐是两种具有极大差异的乐器，因此一定要把握好其弹奏技巧，理解其民族内涵与审美特征，这样才能演奏好这首作品。第一段中板，作曲家保留了原来的开场音调，乐曲从一开始就保留了民族特点。唢呐的声音相对高亢，因此要注重对钢琴音色力度的掌握。弹奏小二度装饰音时要轻巧，这样才能更好地为接下来的弹奏作铺垫。第二段是活泼的快板，这是全曲中最长的一段，节奏欢快。在弹奏装饰音时要注意速度与控制，在弹奏鸟鸣的过程中，既要注意半音下行的左手位置，也要注意左手的伴奏。第三段在弹奏过程中要注意左右手位置的快速到位，手指要贴键弹奏。第四段要正确把握速度的快慢，要有较强的节奏感。在弹奏蝉鸣时要注意颤音的弹法，尽量将叫声弹奏得绘声绘色。最后一段百鸟和鸣是整个乐曲的高潮，在技巧上使用了很多同音反复、加厚和声的手法。在弹奏过程中，要注重对各种音色的控制，从而营造出百鸟献技的氛围。在弹奏中国音乐作品时，要注重体会每首作品中的意境与民族特色，细致处理好不同的音色，使其别有中国风味。

三、关于如何克服上台的紧张情绪

上台的紧张情绪可以说人人都会有，适当的紧张对我们的表演有利，但过度紧张会使演奏者出现失误甚至更严重的后果。我从最初的上台大脑一片空白到现在基本能够从容地应对台上出现的各种状况，靠的是一次又一次上台经验的总结。给我们带来紧张情绪的无非就是内外两种因素。内在原因是对自己没有充分的自信，总是担心自己没有别人的能力强，或是害怕自己上台时不在状态，弹断忘谱，从而给自己带来了巨大的心理压力。我们经常说不要拿自己跟别人比较，要跟自己比较。每个人的弹奏水平确有参差，但上台更多的是对自己的历练与经验总结。过度注重与对手的比较，就会让我们深陷“我不行”的泥潭，从而挫伤了自己的积极性。而之所以会担心自己忘谱，究其原因还是谱子背得不够牢。在背谱方面很多人都会出现一个误区，就是靠着肌肉记忆背谱，而肌肉记忆会导致我们虽然在日常训练时都能完整流畅地背谱弹奏，可上台却会因为紧张和环境的变化而导致自己的肌肉记忆错乱，出现所谓的大脑一片空白。正确的背谱方式是视角记忆和听觉记忆相结合，即通过背谱来熟记键盘上的位置，再通过听觉记忆检验。这种背谱方式往往会更牢固，更不容易出现失误。而外部因素则是场地和对象的变化以及缺乏应变能力，因此在比赛前我们应当预留一段时间进行心理调节。我们可以采用自我暗示法，相信自己一定可以；调整呼吸法，通过均匀地吸气、吐气来使自己的情绪得到舒缓，也可以通过与老师朋友的互相鼓励来增强自己的信心。在演奏过程中，要尽可能放松，通过对全身肌肉的适当放松来使自己紧张的情绪得到缓解。

四、对于钢琴演奏训练的理解与思考

钢琴演奏是一门学问，从钢琴技能的历史延续来看，这门学问的重要性丝毫不亚于钢琴技能本身。古今中外钢琴家的成功都离不开专家高超的指导。钢琴演奏能力是在先天素质的基础上通过后天的培训和实践形成的。人的先天素质是演奏能力形成和发展的生理基础，若先天素质较好，譬如乐感较好，手的条件好，在钢琴演奏中的确占有优势。但如果仅仅凭借这些优势而不注重后天的培养，也得不到很好的发展。在钢琴演奏中，我们应该关注每首钢琴曲背后的美学因素以及作者的心境、时代的环境，从而提高独立思考能力与审美水平。但长期以来，钢琴演奏者一直偏重于对钢琴演奏曲目的学习和钢琴技巧的训练，忽略了演奏能力的培养，这样只会成为盲目弹奏的“演奏匠”，没有独立思考能力。因此演奏者应该将弹奏技能和艺术表现能力结合起来。如在弹奏一首作品前，先了解作品的创作背景，以便在弹奏过程中做到心中有所感、有所悟。感悟得越深、越精，就越有可能将一首作品表演到极致。演奏者还应当了解乐谱上出现的各种音乐术语和符号，音乐术语是进一步了解作曲家创作思想和创作意图的有效途径，它对力度形成制约。例如，在标有dolce的乐段与标有agitato的乐段中，力度术语p与f应当有所区别。演奏者要多实践，注重对听觉的培养，提高音乐审美水平和素养，诸如多听音乐会或钢琴曲，然后和同伴集中讨论，在讨论中发散思维并创作出新的东西。在技能方面，应当从基础的乐理知识和弹琴姿势手法开始，循序渐进，积极练习。

钢琴表演艺术是一种融技巧与情感于一体的表现形式，只有将演奏的技巧与处理方式有机结合，加上良好的指导与舞台表现力，才能更好地诠释这门艺术。