分析油画的色彩表现及技法运用特征

刘彦甫

大多数人在观赏油画的过程中都会被油画色彩所吸引，因为色彩是一种非常常用的媒介，通过不同的色彩表达，可以让我们感受到创作者内心的情感和思想，同时在运用了色彩突出主体之外，绘画者也需要借助不同的技法来突出画面的立体感，让观赏者在欣赏油画时，不仅仅只是从表面的色彩进行分析，还会在欣赏色彩之后去分析具体的绘画技巧，所以在油画创作过程中，色彩和技法都是不容忽视的两大重点内容。

一、油画的色彩表现特征论析

（一）单色色彩重意境

在欣赏一幅油画的过程中，我们最开始注意到的就是油画中的色彩表现，因为色彩具有直观性的特征，可以带给观赏者一种迎面而来的冲击感。

在油画中，色彩一般主要分为两类，第一种就是单色，第二种是混合色。单色并不意味着绘画者在创作过程中仅仅使用一种颜色，单色主要强调的是绘画者在具体的创作阶段会淡化环境色对物体的影响，将这些色彩斑斓的物体全部融入自己的内心深处，再经过自己主观化的处理而打造出的一种意向化图像，所以这类的色彩油画具备明显的浪漫主义色彩。

比如著名德国浪漫主义画家卡斯帕.大卫.弗里德里希所创作的《海边修士》，在这一油画中，他所运用的色彩并不浓烈，在这幅画中，布满乌云的天空占据了绝大部分的画面，大海和海滩变成了窄窄的横条，在这里面有一位身着长袍的小小修道士，身影孤独地站在昏暗的海滩边。在这幅画中，运用了深色系的颜色，带给大众一种孤寂感，整幅油画呈现出了一种忧郁的氛围。所以通过这里面的几种单调色彩，反而将茫茫的自然之景和寂寞的修道士心境进行了有机的融合，更加透彻地表达了主人公的心境，所以单色油画的表意性更强。再比如德国视觉艺术家葛哈.李希特所创作的油画《海尔加·马图拉和她的未婚夫》，在这幅油画作品里面，创作者主要运用了黑、白两色的单色色彩模式，打造出了一种失焦感，让我们在观赏的过程中可以了解到作品内容与现实社会之间的距离感[1]。

（二）多色色彩重协调

除了这些色调较为简单的油画之外，当然还有许多画面色调较为丰富的，这些五彩斑斓的颜色构成了更加生动的画面，比如梵高所创作的《盛开的桃花》这一油画。在这幅油画里面，我们首先可以看到怒放的桃花，在蓝天和白云鲜明的色彩衬托下，桃花展现出了一种灵气，让我们感受到了桃花的生机与活力。不仅如此，除了粉色的桃花之外，这幅画中还出现了白色、蓝色、粉色、黄色、金黄色等不同的色彩，通过这五彩斑斓的颜色混合，打造出了一种春日百花盛开的美丽景象，让我们进一步感受了大自然的美好。

再比如，梵高创作的《星空》这一经典油画作品，在这幅画里面，梵高运用了夸张的手法来描绘出了一种运动和变化着的星空景象。在这幅画里面也有许多不同的色彩，最开始我们欣赏这幅画作时，首先注意到画面的主色为深蓝色和紫色，这种冷色调带给大众一种沉重之感，让我们感受到夜色的黑暗。

同时，与之矛盾的又是画面里面星星发光时的黄色以及周围的白色光晕。在观赏的过程中，让赏画人产生了一种奇异的温暖感，所以在这一幅画中，展现出了一种现实与梦想之间的冲突感[2]。通过这种不同的色彩对比，可以让我们更加清晰地了解到生活不仅仅能够给我们带来希望，同时也会有许多不如意的时候。

（三）色彩主观性强

在不同的油画里面，我们所了解的不同事物的具体颜色可能主要反映的是创作者自己个人的主观想法，所以这些不同的油画色彩具有较强的主观性特征。

比如在大众的认知里面，天空和大海都是蓝色的，但是一些创作者在表达自己内心的抑郁时，他们会将海水变成黑色，展现出一种压抑的黑暗。

再比如有些创作者在心情明朗之际，他们会选择一些亮色来表达自己心中对美好的向往和期盼，比如在梵高的《向日葵》这幅油画作品里面，我们最开始发现的就是明亮的黄色，黄色一般会带给大众轻松、愉悦，充满希望和活力的感觉，在这幅画作里面，画家用大胆的笔触赋予每一朵向日葵顽强的生命力，仿若燃烧的火焰一样，能够发出更加耀眼的光芒，所以这一作品正好是作者内心火热情感的写照，传达了自己对光明的向往，展现出了一种积极向上的状态，所以油画中的色彩与作者内心的情感之间有着紧密的联系，具有较强的情感主观性特征。

二、油画的技法运用特征论析

在油画赏析中，色彩是大众最为关注的一部分内容，但对色彩表现进行分析之后，就会深入地研究油画里面所运用的不同技法。因为通过技法的运用，可以展现出不同的画面意境。一般而言，油画技艺包括了挫、拍、线、扫、跺、拉、划、点、涂、摆、刮等技法。不同画家在具体的绘画阶段会选择自己比较擅长的一些技法，所以接下来我们将选择几种经典的技法来进行简要地分析[3]。

（一）多用涂画法，增强视觉效果

在油画技法中，最为常用的画法就是涂画，涂画法是传统的油画技法，包括了三种类型。第一种类型是透明薄涂画法，第二种是不透明厚涂画法，第三种是折中画法。透明画法主要强调的是展现绘画主体的光泽感，在具体的绘画过程中，创作者不会使用白色，他们只是运用稀释颜料来进行多层次的描绘。先上一层颜色，接着在颜料干透之后进行下一层上色。同时在具体的上色过程中，只上一层薄薄的颜色。所以通过这样的涂法，可以隐隐约约地看到之前所画的颜色，会透露着一层又一层的底色，你就会发现不同颜色之间的微妙变化感。而不透明厚涂法与之前的薄涂法之间存在着明显的差异，因为这一技法的运用主要是为了突显出画作厚重的色彩层。在运用这一画法时，画家需要先用画笔蘸满颜料或者是用油画刮刀将挤出来的颜料直接作画，让这些浓稠的颜色可以堆砌整个画面。

所以一般而言，在运用厚涂法时，可以更好地表示物体的质感和厚实感。比如在描绘人物时，有些画家喜欢运用厚涂法的方式表现人物肌肤细腻的色彩变化。而折衷画法主要是融合了以上所提到的两种画法特征，也就是说，在暗部的地方会选择透明薄涂的方式，而在亮部的地方会选择厚涂的方式，通过这样的折衷画法运用，可以展现出一种画面的层次对比差异，让亮部更亮，暗部更暗[4]。

（二）运用点画法，表现物体质地

在绘画技法中，点画法是非常基础的一项技艺，在绘画的过程中，所有的笔法都是由点开始的，通过点画法，可以更好地表现物体的层次，展现物体的质地。比如莫奈在油画创作过程中，一般都会使用点画法。通过这一画法，可以展现出光与色之间的美丽搭配。

如在莫奈的《干草堆》这一幅作品之中，他用自己所擅长的纯色色点并置的技法来展现了干草堆在一天不同时间光照下的色彩变化。在这一幅作品里面，他并没有过于去关注物体本身的轮廓，而是从光的角度来分析物体的变化，所以通过这样的技法运用，可以让观赏者在赏画的过程中产生一种色彩混合和正常色彩变化的一种独特视觉感。再比如法国著名的印象派画家卡米耶·毕沙罗在油画创作中经常使用点彩画法，这一画法主要强调的是色彩的逐渐变化，远看时我们可能会觉得画面中的各种色块较为斑驳，但是如果我们保持近距离进行观看时，可以发现画面里面的不同事物尤为醒目，展现出了一种明艳感。如在毕沙罗所创作的《菜园和花树·蓬特瓦兹的春天》这一幅油画中，作者就运用了细小的笔创作出了不同的点状笔触，展现出了春日美景的一种质感，所以在油画创作过程中，运用点画法可以更好地凸显物体的层次感[5]。

（三）单多层着色法，展现色彩丰富性

除了以上的绘画技法之外，在描绘色彩时，创作者一般都会选择单层画法和多层画法，这两种技法主要是为了展现色彩的丰富感。单层画法也被称为直接上色法，也就是说，首先，创作者需要在画布上描绘出关于人物的主体轮廓，然后根据自己对人物的了解来添加相应的颜色。一旦发现颜色不够匹配，他们就需要运用刮刀来刮去不适当的颜色，并进行调整。在运用单层着色法的时候，创作者每一次都需要蘸取浓厚的颜料，直接让色彩铺满整个画面，所以这类的画法一般可以展现出饱和度较高的画面。在欣赏的过程中，受众一般不会产生矛盾或者是复杂感，主要呈现的是作者内心比较直观的感受，如沉重或者是欢快。除了运用单层着色法之外，为了进一步展现油画的差异化特征，在当前的上色过程中，还有多层次着色法。这一技法主要强调物体之间的对比差异，展现色彩之间的丰富性特征，在作画时，画家需要先选择一个单色，然后来画出物体的大概轮廓，接着根据物体的差异来选择不同的颜色，进行多层次的塑造，展现暗部、亮部体积之间的差异。在运用这种画法的过程中，可以让画面里面的不同色彩都能够呈现出一种厚薄不一的效果。

三、结束语

综上所述，在当前的油画创作过程中，色彩和技法都是创作者不能忽视的两大重要内容，通过不同的技法和色彩运用，可以打造出更具特色的油画作品。因此，在当前的油画艺术赏析过程中，我们必须要从不同的角度去分析油画里面所运用的不同色彩以及所使用的不同技法，这样才能够更加全面地了解到油画的构图、情感和内涵等，感受油画的真实魅力。