即兴演奏及训练要素解读

□李 淼 湖北民族大学音乐舞蹈学院

即兴演奏技术有着悠久的历史，在古今中外音乐史上，很多著名作曲家也是伟大的即兴演奏家，如巴赫、莫扎特、贝多芬、李斯特、阿炳、刘天华等。直到19 世纪中叶，即兴演奏仍然是各种演奏中要求的一部分，也是音乐创作的正常方式。20 世纪出现的自由即兴的爵士音乐中，至今还保留着一些最为复杂的、即兴演奏音乐的表达方式。但是，即兴演奏这一重要元素逐渐在传统音乐训练中被忽略甚至消失，传统音乐学习者已经失去了学习即兴演奏的意识，其原因是多方面的。缺少即兴演奏系统训练是重要原因。按照一定的标准进行即兴演奏，意味着要掌握和应用全部的音乐要素，对许多人来说，这是最基本的需要。而一般的音乐学习材料往往零散而片段化，这些材料很少要求学习者对音乐要素进行全面而深入的思考，很少对学习者提出高要求，只要照本宣科、按部就班即可，仅仅停留在教育成果较低的层面。其结果是，国内即兴演奏音乐人才匮乏，有创造力的音乐大师更是难得一见，而这种现状必须被改变。

即兴演奏和传统的音乐演奏方式之间存在着一种根本的差异性，其在于被演奏音乐的来源。传统方式从外部入手，即按照乐谱上所记的音符而演奏。即兴演奏则完全相反，它从人的内心出发，强调演奏者音乐心声的表达，而不在于获得完美的演奏。因此，即兴演奏能力的训练及提高，必须从另一种不同于传统音乐训练注重“外功”的系统而来，单纯获得音乐知识及技能是不够的，必须从全面提高人的“内功”即音乐素养特别是内心音乐听觉而来[1]。

试想一下，一位即兴演奏者准备好乐器，坐下来陷入沉思：我想要表达什么？我的能力能够做些什么？我已经做了些什么？我表达了什么样的思想或情感？我能表达出什么特别的东西吗？……当种种想法被组织起来的时候，演奏者开始围绕一个主题或动机在乐器上探索，并对它进行加工，无论音乐持续、停止，还是突然改变，始终要保持音乐持续的进程，让流淌的音符跟随演奏者的愿望，内心的音乐意象被外化编织出来，越来越清晰、越来越完整，反复流动、变化和发展，直到最后表达出完整的含义或意境，即兴演奏即告一段落。这是一次激动人心的探索发现及创作音乐的历程。

对于某些人而言，即兴演奏是一种近乎神奇、充满魅力的技艺，要在没有乐谱的情况下进行演奏常常会手足无措，甚至非常恐惧。因此，即兴演奏者面临的首要问题就是心态放松，避免自我苛求、内心挑剔带来的焦虑感，去掉自我及他人对“对”与“错”判断的心理压力，不与他人竞争、做比较，努力保持一种自由、开放的探索心境，聆听自己的演奏并乐在其中。获得一种良好的学习模式非常关键，积极正面、愉悦而有成就感的体验将会成为即兴演奏能力发展的基础[2]。很多时候，这恰恰是传统音乐训练方式所缺失的最重要和最关键因素。

使用简单的演奏规则创作音乐，是即兴演奏及训练的一个基本形式。不少即兴演奏者误认为演奏音符越多会越具有创造性，其实这种做法容易把演奏引向混乱和过度表现。在训练中，其实可以使用简单方法：一个音符、一个和弦、简单的节奏对话等。在简单演奏规则下，反而可以激发即兴演奏者的创造性思维，发展创造力，如发散、分离、聚合、混沌等思维运动形式，形成复杂的综合体。当一个简单乐思经过重复、变化、延伸和扩展，即兴演奏才是最有效、最具创造性的。对音乐核心元素如旋律、和声、节奏等组合的方式决定了一个人的音乐风格和品质。

（1）R——Rhythm（节奏），音乐中一切时间因素。

（2）H——Harmony（和声），音乐中一切纵向音高因素。

（3）M——Melody（旋律），音乐中一切横向音高因素。

节奏、和声与旋律是构成音乐艺术思维的三个要素，也是即兴演奏及训练的核心问题。以下实例可以引申为基础原则，掌握了这些原则，人就会获得适用于即兴演奏过程的技能，对各种不同音乐风格也会有更为深刻的理解，就为随性自由演奏任何乐曲奠定了基础。

一、吸引人的节奏

在即兴演奏中，往往首先考虑节奏因素，既要考虑狭义上的节奏型及风格问题，也要留意广义上声音节奏及律动的变化[3]。

以现代爵士乐为例。爵士乐的基本节奏是Swing（摇摆），其秘诀就在八分音符，乐谱上标注的八分音符与古典音乐一致，但实际演奏会变成Swing Feel 前2 后1（2 ∶1）的平分跃动方式，或前3 后1（3 ∶1）的附点强跃动方式等。若把三连音中间的音符休止，就成了布鲁斯风格shuffle（拖曳）节奏。

此外，重音移位切分节奏，弱拍强奏先现、延迟等节奏技巧，都能产生摇摆跃动感。将这些因素结合起来使用，就会产生潇洒、轻快的节奏感。在即兴演奏实践中，即兴演奏者根据临场“感觉”流动，顺性而为，将产生更多自由，更微妙且复杂比率的节奏感。例如，复合节奏、复合节拍等。

当然，在即兴演奏中可以建立有节奏性的律动，也可以无律动。建立节拍还是改变节拍，或者完全放弃音乐中的节拍结构，转变为一种自由的叙述性演奏，应根据音乐表现的需要自然变化，使即兴演奏者将自由速度、渐快、渐慢等因素融合其中而更具灵活性。在触及各式各样的演奏可能性后，若再能将这些独特的节奏感灌输到内心听觉，对提升即兴演奏节奏能力也会有很大帮助[4]。

二、丰富的和声

在爵士音乐演奏实践中，和弦标记的解读、还原是阅读和演奏这种音乐的基本前提。七和弦是爵士乐的基本和弦。在七和弦基础上，还常使用延伸音（九音、十一音、十三音等）来扩展和弦的紧张度。虽然这些附加音并不会改变和弦属性，却是表现爵士音乐特色的必要元素。在使用时可以依据音乐的气氛，所属调式及音乐走向等因素，使用变化延伸音扩张音响的深度，如升九音、降九音、升十一音、降十三音等。

此外，即兴演奏者还可以使用替代和弦（例如b Ⅱ7 替代Ⅴ7）、分数和弦（如Bm7/C，分母是低音、分子是和弦名）扩展和弦的多变性，制造出更加复杂多变的和声音响盛宴。

在和弦配置、连接使用方面，将和弦的构成音放到最佳位置也是一种专业技巧。例如，密集排列还是开放排列；左右手织体配搭A 型、B 型；在不省略三音和七音的原则基础上，提取和弦最佳音形成声部组合，如两个音、三个音、四个音混合应用；使用经典和弦序进如ⅠⅥⅡⅤ等。对和声模式的理解和掌握将对整个音乐演奏流程产生深远影响。

三、动听的旋律

旋律是音乐的基本要素，是“音乐的灵魂”[5]。音乐的内容、风格、体裁、民族特征等都可以从旋律中表现出来。纵向组织音符形成和弦，横向组织音符形成音阶。传统爵士音乐有一个很重要的特点，就是和弦与音阶的匹配。

音阶与和弦的关系，需要注意以下几点。

第一，若序列里的和弦属于同一个调式，无论级数如何衔接，可弹的音阶均相同。例如，C 调七个和弦，均可以演奏C 大调音阶。注意避免和弦音符和音阶的对斜，以免太刺耳。

第二，一般而言，同一个和弦可弹奏的音阶不唯一。一个和弦可弹的音阶必须经过和弦音（蓝调音阶例外），根据经过音的不同而形成不同名称的音阶。在演奏中，不用拘泥于音阶的名称，只需要根据这个规则，看和弦所在调性中的色彩及功能表现而选择使用不同的音阶。在一个和弦进行中，往往有多种经过音的选择，除非强调某个音的味道和风格，否则一般选择主调的经过音形成的音阶将会是最好的选择，音乐旋律才不至于太突兀。

例如，在G 大调中，Am7 就可以用A 小调音阶及A Dorian 调式音阶演奏。在演奏中大量使用延伸音，实际上即兴演奏旋律时可以使用任何音符，只不过在旋律音符的选择上还是以和弦音为主、和弦外音为辅，如Am7 就是以la、do、mi、sol 四个音为主。使用各种特色音阶，如大小调式、七种教会调式、布鲁斯调式等，常用重复模进、减缩扩展、逆行倒影、拆分衍展等手法来发展旋律，并形成一定的曲式结构。即兴演奏中旋律与和声、节奏等要素密切配合，就会形成充满生命、特点和个性的音乐。

在现代爵士乐中常见的演奏手法往往分原曲、变奏与即兴、原曲三步。首先演奏原曲，其次将旋律进行改编，在已有的和声背景之上即兴演奏新旋律，最后再演奏原曲。这道出了学习即兴演奏的真谛，即模仿、超越、创新，向前发展不停进步。

任何即兴演奏都围绕着特定的文化风格，每个即兴演奏者都有自己偏爱的音乐风格，重要的是不要偏废音乐的要素，要平衡发展各种音乐元素，努力学习更广泛的音乐风格、特色和技巧，不被某一种僵化的模式所束缚，要跳出条条框框，找到适合自己个性的即兴演奏方式，并形成长期坚持的、愉快的练习常规。

结 语

我们应该回归即兴演奏音乐的训练传统，按照音乐自身发展的客观规律去建立学习音乐的方式，把音乐作为一个整体来学习，在创作音乐中来学习音乐。音乐理论不是音乐，人为分类的音乐理论和作为有机整体的音乐本体之间着有巨大的差异性。我们是回到音乐本体来学习相关理论知识，还是先学习理论再进行音乐实践，哪个更好呢？即兴演奏可以作为学习音乐的一种新方案。