经典石膏像素描写生谈

在美術学院造型基础训练中，经典石膏像写生课占有非常重要的位置。这一源自西欧传统的教学模式可以让学习者通过研究古典艺术探索那些隐藏在杰作中的秘密，习得前人艺术智慧。从文艺复兴热衷于发掘古物的传统到普桑、大卫推崇的新古典主义，这些代表着人类文明精华的传世之作成为美术史上的典范，吸引着一代代人的研习、膜拜。例如米开朗琪罗·博那罗蒂的《大卫》《被缚的奴隶》《摩西》等经典之作，既是取用无尽的艺术宝藏，也是一块块试金石。

如何理解并画好石膏像素描

我们既可以通过写生仔细研究每一个细节，从而了解艺术家在塑造人体时如何运用丰富的解剖学知识，来塑造肌肉、骨骼在运动过程中的变化，也可以通过大师最初的构思立意及动态设计中获得创作启发。在长期大尺幅、高难度的素描作业压力下，应学习并掌握抓大放小、统筹全局的能力。与此同时，经典雕塑所体现出来的崇高卓绝的美感也在潜移默化中塑造我们的审美。与之相关的西方历史人文传统以及每一件作品背后的故事，也是不应忽略的，如古希腊罗马神话传说和古希伯来先知们构成的圣经故事以及那些天才创作者们：菲迪亚斯、米开朗琪罗、罗丹等艺术家的人生传奇。

然而最后画得较为成功的总是少数人。这些经典之作虽然深入人心，但是并不准备接纳所有人。学习绘画的学生有一个明确的难度排序：从《美第奇》《伏尔泰》到《阿波罗》《布鲁特斯》的半身像，这些是比较基础的；《大卫》《拉奥孔》《被缚的奴隶》的难度就要大一些；至于《昼》《夜》《摩西》《哀悼基督》等作品的表现就更为复杂而困难了；最难把握的当属希腊化时期的《萨莫色雷斯的胜利女神像》和菲狄亚斯为帕台农神庙创作的《命运三女神》，轻舞飞扬的美丽衣褶和那隐现衣褶下女神们曼妙的身姿真是如梦幻般难以把握。

要画好一幅优秀的石膏像素描，需要具备以下几个因素：

第一，选择与自身造型能力相匹配的难度对象。量力而行，过犹不及。光靠心气可不行，在动笔之前得具备相应的解剖学和透视学的知识。

第二，具备迎接挑战的勇气。长时间、高强度、高专注度完成作业的过程需要不懈努力、耐力与毅力。一般情况下，此类作业尺寸都在整开以上，尺幅较大，并且需要三四周时间（课时量是60到80小时），期间往往还要加课。

第三，理性和感性的融合、互补。理性客观地审视自己作品的能力、感性直觉的把握能力和主观的审美判断要不断交替，才可能不断发现问题，筹划好修改意见。而这种修改、调整往往是牵一发而动全身，因此如何找准突破口给自己的作品“动手术”，需要果敢的精神和策略。

第四，美的感受力，也就是与这些作品的原创者共情的能力。只有充分沉浸到作品的美感之中，才能将自己的精神体验淋漓尽致地呈现出来。从某种意义上来讲，画石膏像有点像音乐家演奏前辈大师的名曲，是经典的复现、阐释与再造。虽说作业的目的是为了通过学习获得大师塑造人体的方法，但好的素描会带有深刻的个人感受的印记。好的素描作品，也是一种创造。

石膏像写生经历

中央美术学院历来有重视素描的传统。徐悲鸿等第一代留洋艺术家共同归国后，不仅带来了较为前卫的艺术观点和绘画风格，也带来了他们精心挑选的石膏像教具。正是在教学的过程中有这些经典石膏教具的辅助，学子们才得以打下坚实的造型基础。我也有幸得益于这种传统训练，下面就自己先后在浙江美术学院附中和中央美术学院壁画系求学时完成的两幅石膏像素描与大家分享。

画好《大卫》意味着可以掌握头部的结构知识，在创作过程中有两点印象深刻，也可为习画者所参考。

一是打形的严谨态度。作为三周的作业，进度非常紧张。但我几乎用了整整一周的时间来确定形体，包括构图位置、形体结构、比例关系。不上调子，仅在整开的画纸上采用深、浅、方、圆不同的线条打形。先将复杂的形体概括成简单的几何形作反复比对，并使用线锤、细木棍等工具做各种垂线、水平线以校准。起形阶段在某种意义上也是分析研究的过程，起形准确后再往下深入推进时就像有了一份详尽的作战地图，攻城略地的进展才能顺利。

二是近距离透视带来的困扰。一般写生以离对象高度两倍以上的距离为佳，不会受透视简缩变化的影响，但我当时的实际距离大约只有一个大卫头像的高度左右，所以从一开始就给打形造成了不小的困难，这也是用了很多测量工具的原因。视点稍微的偏差，会使眼中的形态变化非常大，所以作画过程中必须严格固定视点。

多年之后，看到西班牙纪录片《温桲树下的阳光》中的艺术家安东尼奥·洛佩斯·加西亚在一丝不苟地为自己的脚尖，包括树上、墙上标记位置时，不禁哑然失笑。

中央美术学院一般在大二画《被缚的奴隶》，因为在这一阶段，人体研究是教学重点。作为开学后的第一张作业，老师鼓励用大幅的高丽纸和松软的木炭起形，这有助于激发学生绘画的状态，让手和眼迅速地协调起来，是很好的热身。那时没有成卷的素描纸，我们是用三张整开的纸接裱起来。

当时，画坛有邢啸声、司徒立等前辈对一些当代具象画家的介绍，如巴尔蒂斯、贾克梅蒂、阿利卡……其中有一位不太知名的日裔画家森山方。他擅长将楼梯、走廊等景物通过类似鱼眼镜头的方式加以转换视点，将目之所及尽皆收进画中。在近距离观察《被缚的奴隶》时，我强烈感受到奴隶紧绷、鼓胀的肌肉和雕塑巨大的体量所传达出来的张力和压迫感。这让我想起森山方的办法，也构成了作品的初衷。

“奴隶”几乎伸手可及，我必须不断抬头、低头移动视点才可尽览。随着视点的移动，画室整个空间与椅子等物象也在视野范围内扭曲变形，给作画带来了困难。但还不止于此，画幅尺寸的巨大使我不得不升高或者降低画纸，同时将笔接得很长。

优秀作品点评

花家地新美院的石膏馆中有从法国、意大利购入和丹麦捐赠的石膏教具，学生们有了更多选择，这极大地激发了他们的创作热情和挑战名作的勇气。

下面选择几件我曾指导过的学生佳作来介绍。

《昼》是米开朗琪罗的盛年之作，和《夜》一起被安置在美第奇家族礼拜堂洛伦佐墓的前方，一男一女有意做成对称的姿态设计（其中《夜》据说是受了古罗马名作《睡眠中的阿里阿德涅》的启发）。米开朗琪罗的表现手法不同于古罗马作品静穆典雅的线条，他让躯干扭曲、运动起来，四肢在几个奇妙的点上互相拮抗（手肘、脚踝和相对应的大腿），使得躯干的运动获得了发力的基点。这是一件未完成的作品，须发与身下的细节只有粗略的体块，但健硕的躯干已跃然而出。宽厚结实的背部由两只粗壮的胳膊引导，做着逆向的旋转动作。左臂在背后形成的三角形结构与躯干的大弧线形成支撑与对抗。起大形时，应注意用简单的三角形概括来比较。从左到右，这些三角形的大小和角度的变化完成了节奏的传递。沿着头部所在的纵轴，这些三角形顺着向右的抛物线跌落，而与这个“势”相对应的则是昂起的头部和投向远方的目光。

这件作品画风果断明确，作者使用了一种特别的技法——在裱好的纸上用丙烯打底子、刷背景，迅速建立起大的形态结构之后，又用油画棒结合炭笔来深入塑造。前者用来堆砌丰富厚重的灰调子和提亮高光，后者则用来刻画明暗交界线、加深一些暗部、修饰边缘线。最后的画面效果非常完整，形体交代得结实硬朗、雄浑大气。

米开朗琪罗的《夜》完成度要比《昼》略好。米开朗琪罗细致地雕刻了发冠与五官以及代表夜之精灵的猫头鹰和代表梦魇的面具。相对《昼》而言，《夜》的气质更为静谧阴柔，但是米开朗琪罗笔下的女性往往肌肉健硕、体格雄伟。这幅作品很好地把握住了这种刚柔相济的造型特征，处理得优雅大方。雕像脚下所踩之物造型颇为奇特，可能是植物、兽皮，或是某种富有生命力的软体动物，具有一些超现实主义的色彩。

米开朗琪罗精通解剖与透视，他在塑造人体时，绝不会被动地拘泥于具体形体，而是常常利用丰富的解剖知识来任意地设计、夸张，甚至变形。比如此作中人物弯曲拉长的脖子和缩小的头部。这使女神的脸庞获得了更多来自胸部的反光，而将脸部变得如梦境般透明、朦胧。

从左肩顺着乳房往下，躯干乃至臀部的暗部变得越来越透明，这是雕塑家的光影设计导引着观者的视线。

希腊化时期的杰作《萨莫色雷斯的胜利女神》是巴黎卢浮宫的镇馆之宝。作品的美感与气势来自女神前倾奔跑的微妙动态和附在丰硕躯干上迎风飞扬的衣摆形成的曼妙弧线，观者甚至可以感到隐现在轻薄衣衫下女神胸廓的开张和腹部随着呼吸的起伏。

雕塑家用难以置信的手段将这种空灵跃动之美呈现出来。后世的巴洛克、洛可可艺术家也学习这种方式，但其处理方式琐屑细碎，完全没有此作的大气与蓬勃自然的生机。宋若熙画得扎实严谨，隐现的躯干和衣褶之间的掩映关系处理得很好，色调的处理也非常妥帖，但缺少的是一种超然写意的气势、凌驾于对象之上的控制力、统御全局的力量，显得过分理性、规矩，相比原作，少了一点华丽灿烂的气息，但对大一新生来说已经是很难得了。

罗苇这件作品大胆地选择了非常独特的角度，富有勇气，近乎疯狂，虽然角度独特，若单从绘画气息以及对这件名作神采的把握来看，是一件非常好的素描作品。

女神的衣袍在身后被風吹荡成一个个抽象的意象，背后的衣摆处理得夸张刻意，有点像太湖石抑或20世纪后的抽象雕塑。作者对石雕像左侧边缘——部分是实际躯干的轮廓处理，肯定、清晰、间不容发，对形体穿插、节奏的把握极富美感，简约而高明。我鼓励她将石膏馆穹顶的天窗也画下来，用作女神的背景。具有结构美感的图案犹如背光，使得完成后的作品多了一个维度，有点科技所带来的未来感。女神右侧的翅膀是修复时补加上去的，从此幅作品选取的角度可以明确看出来。

虽然现代艺术思潮纷呈，学院的素描教学却是坚守阵地，将基础训练一以贯之。经典石膏素描写生是美术学院一门必修课程，也是画好油画和其他造型学科应打下的必备基础。◆

陆亮，中央美术学院油画系副教授、硕士生导师。