浅析日本陶瓷器物中的“物哀美学”

杨慕琛，戚 彬*，任允鹏

（1.山东理工大学，淄博 255049；2.山东硅元新型材料股份有限公司，淄博 255086）

近年来，日本的陶瓷器销量有增无减，陶瓷业发展规模逐渐扩大，这代表了人们对于日本陶瓷器的欣赏与认可［1］，况且日本陶瓷器早已发展出民族特点，每件器具上无不体现了“物哀美学”。它在日本陶瓷器中具体有：色彩留白、材料质朴、造型残缺等特征。下图为日本设计师小川状一为三仓堂设计的陶质卵形花器（见图1），“物哀美学”的三个特点在这个花瓶（日本常称之为花器）上均有体现。它在颜色上有极少的装饰，基本采用的固有色、材料也显得尤为质朴。最突出的特点是瓶口的不完整性与不规则性，即造型残缺，同时正是“物哀美学”的核心体现。日本欣赏残缺美，相信“不完美”是对“完美”的一种升华，作为一种更美的姿态来展现，且与中国审美中的“圆满”与“完美”理念恰恰相反［2］。

1 “物哀美学”的源流

图1 小川壮一的卵形花器

1.1 “物哀美学”基本释义

“物哀”这个概念在日本很早已经形成，但这一名词直到江户时期才首次被日本国学家本居宣长提出［3］。其中，“物”可以是具象也可以是抽象的存在的物体，“哀”是人们与物体之间产生的一种心理感受。“物哀”是指人们接触事物从而引发的真情流露。用这几个形容词来概括“物哀美学”的特点以及感受：“残缺”、“质朴”、“纤巧”、“空寂”、“自然”、“坦诚”足矣。

1.2 “物哀美学”形成原因

在自然地理因素方面，日本国土面积狭小，是四面临海的岛国，因而在日本人的审美里，更偏向于纤巧可爱的事物。由于日本处在亚欧板块与太平洋板块的接壤处，因而自然灾害是避免不了的，所以他们长期以来敬畏自然，且一直保持着这种危机意识，这种危机意识经过长时间发展传承与提炼升华，慢慢形成了独特的审美理念：世间万物变幻无常，永恒不会留存，因此更加珍惜须臾的美好；怜惜万物，更能捕捉到易逝与不完美事物的美，因此对于残缺的事物有着极度的钟爱。

图2 森正洋（白山陶器工作室）的G型酱油瓶

在历史文化因素方面，日本自古以来就存在对山川河海的敬畏感。在中国的隋唐时期即日本的飞鸟时代，佛教渐渐传入，并在大众中广泛传播开来。佛教中的“因缘和合”的观念与“悲苦意识”渗入了日本民间，再加上日本国土面积狭小，自然灾害频繁等特点的影响，更加深了“物哀”的审美意识［4］。但日本佛教尊重人们的天性，没有清规戒律，因此他们的作品中也没有束缚感与虚伪感，所以我们既能感受到日本陶瓷中的质朴、空寂，又可感受到纯粹、坦诚［5］。

2 “物哀美学”的体现

2.1 色彩“留白”与“物的八分目”

在陶瓷器的设计中，日本人普遍喜欢大面积保留材料的固有色，并且喜欢用少量的颜色达到多样的效果。因此日本的陶瓷器都带有淡淡的禅味，更强调了空寂、枯淡。简素，并不像中国的陶瓷器那样精美富丽。除了固有色的使用，在现代设计中，他们更喜欢用“白”来作为物体的主色，白瓷与青白瓷是主要基调（如图2）。这反映了一种民族用色习惯，白色是最干净的，且可以包容任何色彩，并降低其纯度，使颜色变得内敛；且白色象征着开始，象征着无穷的潜力，拥有自然的魅力。可以说，它是“纯粹”、“包容”与“自然”的象征。

在日本也流传着“物的八分目”理念的俗语，通俗来讲，即“饭只吃八分饱”。这句简单的俗语实则隐含了深度的哲学：饭不能吃到十分饱，人的欲望也不能太满，对物质的满足要从十分“抑制”到八分，始终都要有一个克己的过程。这在色彩“留白”上也一个道理，颜色不能铺陈太满，要留出空间来克制自己，让自己返璞归真，追求万物本身的纯真与朴素。

2.2 材料“质朴”与“不立文字”

图3 日本陶瓷器中“残缺”体现

日本陶瓷作品总有“朴质本源”之感，他们并不会用过多的藻饰，而是用最本真最朴素的材料进行创造，因而直接蕴含一种朴素温雅的超凡脱俗之美，刹那间把人们带入到了大自然的真切与清净中去，达到一种对人的净化作用，洗却人类世界的束缚感与虚伪感，回归到最原始的本源中去［6］。

“不立文字”是佛教中的用语。大概解释为：文字只是为了交流而衍生出来的工具，但不需要文字也可完成交流，且人如果执著于文字、语言，则只会走入迷途。抽象来讲，各物所产生的交集都可称之为“交流”，观赏风花雪月所产生的心理感受同样是一种“交流”。而这其中完成“交流”过程最重要的则是将精神融入进去，以心印心，用心灵去觉悟［7］。日本陶瓷材料的“质朴”与“不立文字”实质上是相通的。“不立文字”讲究不执着于文字与语言，这儿的文字与语言就可代表为材料中的装饰，都同为衍生物与附属物。而不立文字，用心灵感悟事物的本源则相当于去除任何装饰，透过质朴去体会陶瓷器带给人的感受，以心印心、坦诚相待。

2.3 造型“残缺”与“无常观”

由于自然地理因素与历史文化因素，日本人对于“残缺审美”与“无常观”也在长期渗透。“残缺”是“物哀美学”最直接、应用最广泛的特点体现。

如图3所示的四个陶瓷器中，无不展示着“残缺”所带来的美。陶瓷器用在最多的器具是茶具，日本的茶道有“七美”，其中“缺陷”为美之首［8］，细看这几个茶碗，拿志野茶碗为例，茶壁上不规则的裂痕将茶碗进行了空间上的分割，看似破损的残次品实则是对“残缺美”最直接的诠释。因为有着残缺性，茶碗在空寂的基调中却不显单调，把瑕疵直接外漏给人一种纯真之感，且残缺的裂痕更是彰显了不被“完整性”制约，强调了一种放松的情绪，不必再紧张与谨慎。这并不是工艺水平不够带来的裂痕或脏点［9］，而是为了美观刻意而为之，正体现了从真正“不完美”到“完美”再到追求“不完美”的超越过程。

细看日本乐茶碗与佐竹晃的柴烧作品，会发现茶碗除了残缺外还有不对称的特点。不对称审美也是基于对“残缺美”的追求中衍生出来的，因为茶碗的不对称，所以茶具显得灵巧可人，像是不受约束的婴儿一样，仿佛还拥有生命的本源。日本人因为钟爱不完美，所以追求残缺，追求不对称的美。在日常生活中，他们追求虎牙（而非整齐对称的牙齿）、比起偶数更喜欢奇数，处处可体现对于残缺美的钟爱［10］。

3 “物哀美学”启示小结

由于追求着“留白”、“质朴”，他们始终都有着克己的心理，从外向内克制自己，再由内而外流露坦诚；同时追求着“残缺”，所以他们更加珍惜脆弱的事物，从而进行自我反省与爱惜一切。樱花是日本的国花，每年进入三月，没几日便在这花季中竞相盛开，但持续几日便开始凋零。若盛开时又受到风雨的摧残，由开至落的时间也许就在一瞬。所以用“昙花一现”来描述樱花再合适不过，因此他们对于脆弱的樱花更是有别样的情愫。日本人深入骨髓地追求“残缺”的“物哀审美”在艺术创作中体现的淋漓尽致。不同于我国的地大物博、自然灾害较少，我们很自然地把追求“圆满”与“完美”作为长期以来的审美观，在日后的设计中，我们既要学会吸收别的民族的理念，并取其精华，去其糟粕，学习他们的克己与对陶瓷艺术的坦诚，学习他们对于残破品的钟爱与珍惜；同时又要保持着自己民族的特色，在“不完美”中发现与创造“完美”，不断的探索事物的本源与精髓，才能设计出更好的陶瓷作品。