对梵高色彩艺术的解读

李敏

摘要：梵高是法国印象派的代表画家，他传奇的一生带给我们深深地震撼，而他作品中的画面色彩带给我们的视觉冲击，是他对人生最真切的表达。梵高绘画色调变化达到自己生命中绝对的高度，这与他自己人生经是历密不可分的。在梵高之前，浪漫主义和印象主义对色彩的形象、色彩审美的研究提升到了一个制高点，唯独梵高的色彩能够使人的内心产生波动，且带来了深远而持久的影响。梵高的绘画在世界上拥有自己独特的个性与感情色彩，不仅发扬了印象主义、表现主义的风格，他的创新思维与超前意识，为近代美术史增添了一抹光亮。

关键词：人生经历；色彩艺术；后印象派；表现主义

中图分类号：J205 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2018）23-0179-01

一、梵高对画的独特领悟

从十九世纪的西方艺术到印象主义，梵高改变了十六世纪以来油画画面中的色调和写实方法，开始提倡户外写生，直接描绘在太阳下的物体，注重对太阳光线的表达和探究，让画家用眼睛直接观察和感受人物和风景之间的微妙变化。

1887年梵高来到巴黎，弟弟提奥介绍梵高加入印象派这个绘画群体，在这里他认识毕沙罗、修拉、更高等艺术家，在此后的一段时间内他理性的丢弃了北国风格中暗黑的颜色，开始拥抱洋红、亮蓝、明黄等色彩，使其画面亮度，色彩的明度都有明显的增加，即使这样也没有让梵高因循守旧的去仿照仿照印象派的绘画技巧。修拉和西涅都是以为独特的色彩家，梵高在他们身上学得到了很多，梵高虽然认同他们色彩和对点彩画的发现，但是梵高所要追求和寻找的和他们并不一样，由此我们看出梵高一直在寻找属于自己的绘画语言。

1.后印象派的光与色。印象主义发展到后期，外部光线与色彩的客观变化已经不能满足一些画家的需求，他们渴望在自己的作品中表达自我的主观情绪和理想主义，而梵高也不在像印象派那样准确再现眼前所见事物的描绘方式。梵高画面中的大块色彩表现出对事物的高度概括和抽象的总结，他利用从日本彩色木刻中得到简化颜色的方法，抽象的把所有自然物体的反射颜色放在一起，并用实线框架围起来。他用浓烈的画笔描绘物像，以增强塑造形象的沉重感和画面色彩的丰富性，并且图像的装饰效果也不会削弱图像的构成。梵高的画面色彩是对自然的直接感受，而不是对自然单纯的想象，他直面自然感受色彩，提取自然中的颜色用夸张、简化、抽象等方法对其进行加工，并在画面中对色彩进行分配使之融合，使色彩的审美价值攀上世界的顶峰。

2.表現主义的收纳。梵高开创了表现主义的先河。高更论述过，梵高也反复提到要用蓝色和红色来表示人类的恐惧心理，用补色组合来表现恋人之间的爱恋和不同的色彩暗示着行为，心理语言等，这些的说明了梵高对色彩表现力的思考。《桃花盛开》是梵高在1888纪念他表兄穆夫的作品。画框放在了一个果园里，在一片浅紫色的耕地中，有一个芦苇做成的篱笆，两棵玫瑰红色的桃树，衬着一片明亮的蓝白色的天空。梵高说过这可能是他画过最好的风景画，他还说不要以为死者已经死了，只要有人活着，死者就会活着。这幅画中运用大面积的蓝色与红色，透露着表兄的离开对他是一个很大得打击，画面中红色得桃花与黄色的阳光形成强烈对比，是他情感的表达，色彩之间的交互缠绕是他内心挣扎的表现，他借用油画色彩表达着内心的狂热，宣泄着自己内心的感受。

二、画的色彩是他对生命的感悟

1.表现主义的表达。1890年，梵高完成了七幅向日葵后，就离开了这个世界，而在不久之后一些画家对其绘画语言进行模仿，体现出了艺术的共性越普遍，它越是个人化，它就越是世界的。后印象派的出现，它是人类表现自己内在情感的法则，是对梵高绘画中表现主义的继承与开拓。梵高重视在绘画中的主观情感和自己内心世界的表达，他不是追求单一的光线和色彩而是对画面的真情实感，更是一种主导的情感因素和一种象征性的精神概念。

2.攀登自己绘画的顶峰。梵高曲折的命运和坎坷的人生经历，性格上孤僻、敏感、抑郁和固执都是影响他绘画风格的主要因素，梵高的绘画语言和艺术成就比之马奈和塞上对后世产生的影响更为深远。《桃花盛开》作品里充满了悲观情绪；在《向日葵》中我们又窥探出他对绘画的执着与热情；在《星空》中感受到他对自然神秘感的无限探索，这些作品都展现了他强烈的个性特征和画面上的形式感，这也是梵高对生活和绘画的一种独特的追求，他的这种追求远远走在时代前沿，可以说是梵高促成了表现主义的发展，而野兽派、立体派、等都是其衍生出来的，所以说梵高所在的高度是其他人难以企及的。

三、结语

梵高早期的作品，画面总给人带来低沉、阴郁的感觉，到了后期，我们可以从他大量的作品中看出，画面一改之前的低沉、阴郁而变得明亮丰富，透露出他的理想和希望，像是欢快跳动着的音符来慰藉人世间的磨难。他不止一次去描绘向日葵和令人难以直视的太阳，在他的画笔下，鲜艳色彩的在阳光的照耀下绽放着，那是梵高在寻找自己内心世界的解放。