听觉在钢琴演奏中的作用

【摘要】所谓听的含义在《韦氏（webster）词典》中的释义指的是“将耳朵交出来”。但是，通过《冯克和华格诺尔（Funk wagna 11）词典》发现，听侧重留心，注意耳朵可以听闻的声响。因此，听根本上是关于听觉的问题。听觉速度既涉及先天因素，也涉及后天训练。听觉反应不灵敏，诸如无法辨别音调、旋律等是不具备作为合格乐曲家的基本素养的。虽然，有的人听觉存在缺陷，但通过艰辛练习，最后也取得不小的成绩，这种事也是比较常见的。关键在于弹奏钢琴需要具备特殊的技术含量，而这种技术可以遮蔽音乐的本质。所以，借助表演形式而出彩的钢琴家也是有可能的。但是，就现实和艺术需要而言，一个具备极高造诣的钢琴家，其耳朵的灵敏性是基础。也就是说，耳朵对于乐曲家具有启蒙作用。

【关键词】耳朵；听觉；钢琴演奏

【中图分类号】J624 【文献标识码】A

音乐艺术的物质载体在于声音，只有立于声才能升华，关键在于声可以借助耳朵将其响动传达出去。听觉在感知、欣赏以及领悟乐曲的美妙中占有重要位置，所以，侧重于听觉器官灵敏性的提升，可以使乐者的乐曲鉴赏能力、情感体验以及不同的乐曲音色的辨识度有着更加清晰的认识。在马克思的观点中可以发现其对于听觉器官灵敏性的重视，所以他推崇听觉器官愈是灵敏，乐曲之美才能更加彰显。德国知名乐曲家舒曼曾在其著作中指出，听觉的开发在于研习乐曲艺术具有重要意义，因此，应当尽快掌握音调音色。所以，听觉灵敏性的提升对于提升音乐感知发挥着基础性作用，只有重视听觉灵敏性的训练才能开发优质从乐者。

钢琴家的出现虽然不完全取决于听觉器官，但是其反应迅速性确实能够起到决定效果。很多人弹钢琴总是效果很差，究其原因，不在于手指迟钝，不在于身体支撑不足，也不在于大脑思维，归根结底在于听觉器官。假如：单纯认为思想和行为能够保持一致，其实这种思想是存在偏颇的，正所谓看花容易绣花难就是这个道理。表演钢琴的整个程序沿袭时间铺陈、精确的律动、吻合的时值、明晰稳定的发声部位、富于变化的音色等，这一切都对听觉有着极高的要求，同时，又因为对各种音律的需要，促使大脑指挥手指促使其做出改变。显然，这是不言自明。关于这一问题，涅高兹指出，如果听觉器官不灵敏，则表演的音声以及塑造的意境则更加麻木。乐曲意念的阐释，只有借助听觉器官才能甄选和调整，这一点仅仅是虚浮的外在表现和行为是无法达到的。

一、听觉的概念

声音源自于物体振动，当这种由于振动而产生的声波经由介质传达到人的听觉器官，所以听觉形成。声波的物理特性有频率、振幅、波形和持续时间，这种特性与人类听觉感受声音的特性音高、音强、音色和时值相对应。

二、音乐听觉概念

关于音乐听觉主要有内外之分。首先，对于外部听觉而言，指的是来自外界的声音响动给耳朵带来的持续的刺激。当这种刺激将乐曲的性质等传达到大脑中，则形成乐曲感知。这种源自于外界的听觉是形成乐曲感知的起点。这部分听觉的效果越好，越有助于乐者音乐素养的提升。

其次，源自于内心的听觉，这种听觉指的是通过乐曲的律动、力量等在心中生成乐曲环境和形象，然后依照乐曲的创作背景，感知乐曲的主旨，实际上就是处于无声情境中。心中对乐曲产生感悟、解读，生成乐曲理念，同时根据这点出发引领表演。研习钢琴就是如此，需要将外部听觉与内心听觉结合起来。

三、音乐听觉与钢琴学习

钢琴有其特殊性，其音键多达88个，并且每个音键都有特定音高。表演钢琴的时候，凡手指所到之处都会触發明确发音。或许是由于音高太多，所以，即便是很多研习者付出很大的努力，但因为听觉辨识度比较低，所以其弹奏的乐曲，节奏、力度以及层次上都存在瑕疵，拉低表演成效。所以，就算是花费大量的时间专注于练习，但忽略了仔细听取音声并努力想象，除了大量耗费时间以外根本不会有突破。

弹奏钢琴时候的听觉练习，并非仅仅侧重音高辨别，更不是只依赖听觉器官倾听，关键在于外在与内在的有效统一。通常而言，听觉器官的能力在于听、闻，但仔细聆听，会心倾听却是内心能力的运用。所以，在进行钢琴练习的时候，也侧重于内心听觉的培训，从而让学习者发挥大脑调动听觉器官的能力。作为老师应该持续为学习者传递信息，提升其注意力，同时明确需要倾听的对象以及倾听的方法，学习者则应当随时调动听觉器官，为倾听做准备。

一部乐曲作品中，关键的旋律声部未必全部集中在最高声部中，就像当演奏巴赫赋格曲一样，每个声部的主题都必须传达给听众。就算是一首乐曲再短小，其各个声部也都要一一区别。

一首乐曲的弹奏过程，不同声部之间的关联性会存在转变，其各层处于各个曲段中的位置、效果等都会发展转变。所以，在进行钢琴练习的时候，应当重视对所表演的乐曲展开研究，理解乐曲中不同的成分，依靠有序思想，展开针对性训练。

四、在钢琴学习过程中如何培养良好的音乐听觉

（一）由基本练习入手提高练习者的音乐外部听觉的敏锐性

对于钢琴初学者而言，基本练习是基础。部分学习者对自己要求松懈，将练习简单地看成是弹奏几遍就可以。这种训练只是为了学习而学习，抓不住重点，没有明确目标，长久之后这种练习变得乏味，使学习者失去兴趣。对于以上问题，首先要确定基本训练的目标，诸如从音色、曲调、力量等各个方面把控触键方法以及灵活性；其次要针对手指强弱进行训练，不断转变音律、力度，促使较弱的手指能够奏出有力的音色；再次，练习者要从内而外提升基本练习水平，严格要求自己，结合外界听觉，从而发出更好的音色。如此一来，练习者才会对演奏更加重视，不但可以提升音乐表演的技术性，还可以提升外部听觉能力，进而形成内在的倾听行为。

（二）尽心钻研曲谱

探究艺术著作的表现手段，再加上唱、听等方式尽快掌握曲谱，通过增强对乐曲著作的认识，将音乐家创作的秘诀展现出来，进而提升练习者的乐曲技术性，推动其外部听觉能力，并逐步推动形成内心倾听行为。曲谱的形成源自于曲作者的生活体验，并将这种情绪通过音符呈现出来。所以，对于表演者而言，其在表演以前就应该将曲谱释读，这一过程中不可以忽略任何曲谱中的标记，同时还要对乐曲的构成要素、旋律与曲调、强度表现技法等都有所掌控。进行弹奏训练的时候，若想尽快感知旋律的律动，唱旋律无疑是最好的选择。应该将精力放在感受律动中，体会旋律和伴奏律动是否相辅相成，感知和声色彩张弛有度，体验节奏是否统一明确。所以，唯有借助切实的判断，心中对乐曲营造的氛围能够深切体会，带着目标表现音乐，训练技法，如此才能一边提升外界听觉效果，一边提升表演技法。

（三）由于对曲作者创作乐曲的经历进行探究

可以让表演者与其在灵魂深处进行交织，彼此心境统一，感受乐曲传达的主旨，同时选择合适的方法将这种乐曲思维展现出来，提升音乐内在听觉，使表演者能够以积极昂扬的情绪完成演奏。钢琴教育家赵晓生在其作品中指出，曲作者应该联系社会实际的重要性。事实证明，上述各种问题都可以将乐曲的内蕴传达出来。通过对不同的背景文献的搜索，可以吸收其中乐曲技法的精华，给表演者带来无穷的迸发力。通过深刻解读曲作者的历程，能够丰富各个领域的知识，推动钢琴练习成为文化提升的一部分。

（四）多样性的练琴方式

如有琴出声、看谱想声和无琴无声，调动记忆想象力，提升音乐内心听觉，形成自己的音乐模式和语言，并刺激听众情绪。所谓有琴出声练习是指在钢琴上视奏、背奏的练习。该训练方式如果大脑精力不足，手指记忆会占据优势。如果学习者情绪波动较大的时候，单纯依赖手指是无法使全部的记忆完整呈现的，所以学习者的大脑会非常模糊。因此，钢琴家阿劳对记忆在表演中的作用非常认可。而看谱想声与无琴无声，指的是不存在所有发生机械刺激的情况，侧重内心听觉训练，使大脑可以灵活地调动手指进行各种运动，强化对乐曲的记忆能力，促进对曲谱的解读。尤其是无琴无声的训练，无需考虑时间空间等要素，既可以在入睡之前在头脑中搜索曲谱，回忆不同的手指在按键的具体操作，分清两只手的各自应该弹奏的力度，律动等，同时还需要结合乐曲的背景、内容感受音乐塑造的氛围，通过训练乐曲潜移默化成为学习者的思想。所以，再次表演这一乐曲的时候，练习者将挥洒自如，情感与表现力都非常显著。再配合不同的训练方式，将曲谱上没有生命的音符通过内外听觉内化为特有的音乐意识，使具有个性特征和生命意义的乐曲从钢琴上流动出来。

（五）正如古话有云，挑剔的耳朵胜过一切

所以，真正的提高首先要听取知名演奏家的音乐、磁带等，既要善于发现大家对音乐著作的不同创作技法，更需要重视将这些乐曲进行比对、探讨，发現它们声音的细微之处。只有具备辨别声音细微差别的能力，才能够有效提高钢琴表演技能。再者，应该大量涉猎不同风格的音乐著作，重点发现不同的器材其音色差别以及音律特点，在进行钢琴弹奏训练的时候，善于将这些不同的表现形式贯穿其中。

总而言之，音乐教育根本上侧重美学欣赏，而钢琴则是表现美学欣赏的一种形式。练习的过程需要持续提升自己的能力，对于学习者而言，首先应培养听觉习惯，接着维持对表演钢琴的情感，由此才能强化在训练过程中攻克难题的勇气与决心，刺激学习者探索美、挖掘美的想法。只要这样钢琴训练才能成为探索美的形式，学习者才能成为挖掘美的主人。

参考文献

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作者简介：王莉莎（1980—），女，京族，云南昆明人，云南文化艺术职业学院音乐学院钢琴专任教师，硕士，高校讲师，研究方向：钢琴演奏教学与计算机音乐。