节奏和声音在钢琴表演艺术中的作用浅析

【摘要】钢琴表演艺术是由声音、节奏、艺术形象以及钢琴技术等多个方面构成的。旋律是音乐的灵魂，而节奏则是音乐的骨骼，构成了音乐的骨架。在实际的钢琴表演教学中，要认识到节奏和声音在钢琴表演中的重要性，采用科学的方法对学生进行指导，实现高质量的教学。一个好的钢琴表演不仅需要高超的钢琴技术，还需要创造美的音乐，才能真正诠释钢琴表演的价值。

【关键词】节奏；声音；钢琴表演；作用

【中图分类号】J624 【文献标识码】A

节奏可以说是音乐的骨骼，是构成音乐的必不可少的一部分，在钢琴表演艺术中发挥着重要的作用。德国著名钢琴家、作曲家彪罗说过，节奏就像是音乐表演的脉搏，有轻有重，缺少节奏的音乐就像是一盆散沙，没有任何凝聚力[1]。而节拍像是一个严格的精确表，坚定不移地配合着节奏。在钢琴表演艺术中，节拍和节奏的相互吻合像是音乐进行的脚步声，让音乐表演得心应手。同时，声音在钢琴表演艺术中起到了关键的作用。本文对声音与节奏在钢琴表演中的作用进行了分析，并总结了如何运用声音和节奏演奏出优美的音乐。

一、注重节奏的把握

一个完整的音乐演奏，必须紧跟节奏的脚步。通常情况下音乐会有两种节奏的呈现方式：一是节奏过于机械化的表演方式，二是无节奏可言的表演方式。这两种情况都相对极端化，无法生动形象地将音乐表现呈现出来，不能做到将真情实感融入音乐表演中。在实际的钢琴表演中，有些演奏者会有意识或无意识地将节奏减慢或者加快，他们演奏出的散板是很牵强的，这种经过人为处理的演奏方式会让人感到过于技巧化和机械化，演奏者想要达到的“趣味性”也无从可谈。按照真正的散板演奏出的音乐是动听的、美妙的、蕴含着演奏者丰富情感的。一个优秀的钢琴家能够自如、合乎逻辑的却打乱节奏变化进行演奏，不仅没有让人有不遵循节奏的感觉，而且能给人以自由、洒脱的感觉。

音乐对我们有一种无法抗拒的魅力，这种吸引力是无法用言语表达的，我们可以感受到音乐节奏的和谐，每个人都能在表演中感受到混合节奏的效果。对于钢琴家来说，对节奏的掌握越深入，就能越自如地运用节奏，在严格、规和协调的节奏中获得真正的自由，通过节奏变化让听众感受到音乐传达的内容。

二、节奏是教学的重点

在钢琴表演的教学中，要重视节奏的教学，不断指导学生进行节奏的掌握以及速度的练习。在表演中，教师可以通过简单的手势来引导学生进行节奏的变化和音乐的演绎，这比复杂的解释要简单的多，能够让人一目了然。在学习钢琴曲目的过程中，要掌握最基本、最终的音乐节奏，可以将乐谱放在谱架上，随着音乐的进行，将自己看作为一个音乐的指挥者，带领着音乐的深入，真实地感受音乐的速度处理以及各种细节的处理。在角色练习中，如果有些学生不能很好地支配时间，可以“换位指挥家”来帮助学生掌握整个乐曲，进行分工，比较适合学生，但是在实际中，有很多学生在处理音乐作品时过于重视其技术上面的重点和难点，或者是没有缘由地将音乐的速度减慢或者加快，没有真正融入音乐中进行思考，忽略了节奏和速度对于音乐的重要性。针对这种情况，可以将组织时间的工作单独提出来进行分析研究，與学习时间分开，确保让节奏和速度与演奏者具有较高的一致性[2]。不能片面地从物理角度去听音乐，而是善于通过自己的心来感受音乐，最好是选择熟悉的乐曲，也就是已经基于钢琴分析过的乐曲。

三、节奏是基础，声音是翅膀

音乐是一种无形的艺术，声音是看不见摸不着的，却能让人真实的感受到的，不能通过文字和概念来描述，却可以直击人心。作为一个合格的钢琴演奏者，必须要经过专业的声音的训练。在实际的钢琴表演中，很多演奏者过于重视钢琴的演奏技术，例如高速演奏，却忽略了最本质的声音效果。笔者总结了常见的两种错误做法：一是注重力度变化和声音变化，也就是说只对钢琴中轻重多变的力度变化和丰富的声音变化进行了研究，例如响亮、清脆、快速等，这类演奏者往往基础的训练不到位，在音乐上没有创新思维和想象力，他们不能通过音乐表达自己的心，也就不能通过音乐表达情感，他们只能算是音乐的工作者，而不是艺术家。车尔尼也说过，钢琴表演艺术中其力度变化有上百种表达方式，但是这些变化都是在尚不成声音和已经不是声音两个极端内而言的。因此，怎样驾驭钢琴是每个钢琴演奏者都应思考的问题。二是过于重视声音的旋律。这类演奏者通常是喜爱欣赏音乐和品位音乐的人，他们被音乐吸引的是动听的旋律，过分的追求音乐的“声音美”，对音乐的认识过于片面，不能从整体层面把握音乐。因此，不能盲目地去追求声音的美，不断培养听觉的敏锐度，通过听觉的进步来影响声音，在钢琴演奏的练习中，也间接练习了听觉。所以，只有具备敏锐的听觉，才可以去评价声音。

四、在钢琴表演中如何弹出动听、悦耳的音乐

世界上任何现象都有着属于自己的起点和终点，钢琴的声音也不例外。钢琴声音强弱的记法是从pp到f、ff、fff，到ffff的情况非常少，在柴可夫斯基的作品中出现的次数比较多。在实际的演奏中，这种发生力度层次已经不能满足钢琴表演的需求了。因此，可以先掌握初生的声音，也就是最轻的声音，然后是声音的临界点，之后逐渐增加声音的力度，最后达到声音的极限，再往上加的力度不能称为声音了，只能算是敲打了。钢琴可以说是乐器中的演员，它能够扮演很多角色，表现广阔的天地和无限的音乐意境。在实际的钢琴表演教学中，要加强节奏和声音的训练，可以从以下几个方面进行训练[3]：首先，可以一次按住多个音来进行分辨，直到耳朵听不出钢琴的声音振动时听到力度的变化，这是掌握音的必要变化。第二，在演奏过程中总要保证手部的放松，包括手臂、手腕、手指等要呈现出最放松的状态。第三，在练习中避免出现旋律和伴奏力度过于接近的错误，让表演做到层次分明，而不是一通到底。第四，在演奏中要让手指、手以及整个身体的动作器官都与音乐进行完全的配合。第五，在练习中可以让时值较长的音符适当比伴奏时值较短的音符要响，可以掩盖钢琴演奏中的缺点声音。第六，在弹奏八度和弦时，可以加大拇指的力度，对于重叠的旋律可以进行分声部的练习[4]。最后，可以通过对声音的形容来让学生感受和体会。对于声音有很多种说法，对于怎样做好钢琴表演也有很多方面的要求。不论是哪一种音乐元素，都是值得我们去不断探索和挖掘的。因此要通过听觉的训练来提高对声音的敏感性，善于利用钢琴的技巧，将钢琴乐曲中的蕴含的丰富内容传达出来。

综上所述，在钢琴的艺术表演中，声音和节奏发挥着至关重要的作用，不论是钢琴教育者还是钢琴演奏者都要重视这两者的作用，提高技术水平，创造美好的音乐，实现音乐美的要求。

参考文献

[1]牛婷微.论节奏与声音在钢琴表演艺术中的重要作用[J].赤峰学院学报（汉文哲学社会科学版），2016.

[2]柯刚.钢琴表演艺术中审美意象的探究[J].中国音乐，2015.

[3]李肖.音乐美学知识应用于钢琴表演的实践与思考[J].黄河之声，2010.

[4]徐程程.钢琴演奏技巧探析[J].当代音乐，2017.

作者简介：薛洁（1984—），女，汉族，山西运城人，学士，助教，主要从事钢琴教学研究。