国画创作中笔墨文化的应用

2017-07-15孙玮鸿武汉理工大学430000

大众文艺 2017年20期

孙玮鸿（武汉理工大学 430000）

国画创作中笔墨文化的应用

孙玮鸿（武汉理工大学 430000）

中国古典文化的众多表现形式中，借助毛笔和宣纸这两种中国古代特有的书写工具呈现出的中国画，占据了我国传统文化精髓的重要部分。毛笔和墨水在古代中国流传使用时间相当久远，这两种物品组合起来，作为一种独特的展现形式，给当代国人留下了众多宝贵的艺术财富。笔墨文化的存在为国画的出现发展奠定了基石，同时国画中也因为笔墨文化的存在而显示出了独有的意境和意寓。本文作者首先分析了中国传统笔墨文化的特征，并结合这些特征指明了笔墨文化在国画中的应用，明确了这二者相互的关系。

国画创作；笔墨文化；应用

在当代中国一提起国画，人们脑海中出现的画面必然是一位头发花白的老爷爷拿着毛笔，伏在铺好宣纸的桌案上提笔作画。我们不得不承认，一提及国画，人们就不由自主的想起笔墨。笔墨作为国画中必不可缺的一部分已经成为国画的代名词。国画中的景色和感情全要依靠笔墨文化表现出来。同时，国画中笔墨文化的应用也将国画和西方绘画的表现形式区分开来。毛笔和墨水的应用作为国画中最为鲜明的一大特征，也就暗示了中国画不能像西洋油画那样色彩鲜明。同时，国画中主要强调线条的完美组合，更多强调的是作者感情的表现。而西洋画中更加注重颜色、光线、角度，更加强调对人眼观察到的事物的极大程度的还原。

一、中国笔墨文化元素

在中国几千年的历史长河中，毛笔和墨水所承载的已经不单单是书画工具，它们更成为了文化的象征，被赋予了较高的传承价值。笔墨在被创作的初期可能只起到了最简单的记录作用，笔墨的实质就是简单的记录工具。然而当人类在有感情想要抒发表达时，笔墨就不再是简单的记录工具，而变成了创作表现工具。笔墨作为一种感情的载体，将作者的志向和感情传递给观赏的人，也就形成了国画和诗词歌赋，这些感情表现形式都借助笔墨进行传递。同时由于国画中笔墨的应用，也揭示了国画的一个重要特点，那就是国画更注重的是表情达意，在进行国画创作时，创作者看到的景色已经和自身感情融合在一起了。例如，初春时节万物复苏、百废待兴，但是创作者心中愤懑难平时，他创作出的作品中只能看到初春时的萧条之景。所以笔墨文化突显了整个作品的意境，在似是而非的景色中流露出作者的真情实意。不同的画家在他的人生中感受世界，这些感受在他的头脑中进行转化和升华，表现出来的又是别样的世界。

同时笔墨作为国画的表现形式，也是国画创作中的重要创作技法。笔墨文化中用线条构建起整幅画的框架，同时由于笔墨文化的多样性，也就使得国画中可使用的线条技法极其丰富。同时墨水晕染和使用的力度不同，也成为国画中的一个重要技巧。一个画家只有将笔墨技巧灵巧的应用在国画中才能展现出最好、最灵动的作品。例如徐悲鸿老师创作的《八骏图》，徐老师充分利用了中国水墨的表现技法，结合对马匹形态的深入观察，才创作出了如此活灵活现的《八骏图》，这幅作品不单单体现了马在草原上奔跑时的意气风发，更从深层次体现了徐老师对自由的追求和热爱。

二、中国特有的笔墨文化在国画创作中的应用

中国文化中最具辨识度的特征便是中国的笔墨文化，作为一种创作形式，国画创作既基于笔墨文化又高于中国笔墨文化。笔墨文化的重要意义也就决定了画家在创作时除了创造性技法的应用，更应该注重基础性笔墨技巧的运用。毛笔和宣纸这些传统中国元素在国画中的应用，与创作者想要表达的感情结合起来，使得国画成为中国传统文化的瑰宝。国画中的笔墨文化技巧、作者通过景色传递的感情都成为国画吸引观赏者的优势特点。同时笔墨技巧在国画中的应用，也创造出了感情饱满、生动形象、特点鲜明的国画作品。从国画本身的特点来说，笔墨元素可应用的方面包括点与线、墨、意境等。

1.线

线条作为构成所有图画的基础，在国画创作中也是十分重要的。如果没有线条，不能构成图形，那又何谈国画创作。线条的形态、粗细全靠画家一双手的控制。过细、过粗、杂乱的线条都造成画作的失败。只有适合、恰到好处的线条运用才能充分展现景色的特点，同时准确传达作者寄予在画作中的壮志豪情。对于线条的合理利用不仅仅体现在国画创作中，在书法中也极有体现。书法作为另一种感情的表现方式，它是通过文字作为载体，而文字主要由线条组成，文字的一笔一画都应该凝聚创作者的技法功底和饱满的感情。当代著名书法家王冬龄，他明确指出书法中的线条和国画中的线条虽然存在一定的差别，但是其本质是一样的。不论是国画还是书法，这两种中的线条是可以相互借鉴，相互参考的。这两种线条都是艺术最基础的表现形式。艺术变现形式和情感的丰富性和多变性要求线条的多变。线条不仅仅只是为了勾划事物，描绘事物，这些线条应该是有内容的，不应该是空洞的勾画。在当代的画作中，创作者取长补短，合理吸收西洋画中色彩丰富的特点，将其与国画结合起来，但是国画中线条的美是无法被替代的。例如常常使用传统笔墨文化中的线条技巧来进行创作的当代画家吴冠中，在他的经典作品《黄土高原》中，就恰到好处的使用了各种线条，勾勒出了黄土高原特有的地理地貌，在给人带来视觉和心灵的无限冲击时，又让观赏者感受到大自然的精美绝伦。

2.墨的运用

在中国若干年的使用墨水的过程中，经历了一个由简单使用到花样使用的过程。中国创造者将简单的墨水极具创造性的使用在国画创作的各个方面。墨水和国画颜料的成份虽然都很简单，但丝毫不阻碍创作者对他们使用方法的研究。在中国的历史长河中不同的时代背景也造就了这一时期人们审美的不同。例如在对外开放程度相对较高的唐朝，人们更加喜欢色彩鲜丽、内容华丽的绘画作品，但是在之后较为动荡的宋元时期创作者却更加注重墨水在画作中的应用，画作上的颜色开始由多彩、绚丽夺目向简约低调的墨色转变。这一转变在当代的国画作品中也能体现出来，例如国画大师张大千，张老师擅长使用泼墨技法，将颜色的使用和泼墨恰当的结合起来。他的作品《乔木高土》就是在简笔淡墨的山石上加上颜色，整幅作品虽然色彩简单，却也在简单中显示了古乔木的勃勃生机。笔墨作为国画的一大组成部分，在创作过程中是极其重要的。画家只有将笔墨运用的炉火纯青才能透过墨色凸显作品的厚重感。

3.意境

中国画和西洋画除了在颜色和技法上差异较大外，在表情达意方面更是天差地别。西洋画作多通过颜色、光线、明暗来展现创作者所观察到的事物，同时通过强烈的色彩对比对所观察到的事物进行对比，西洋画的创作侧重点体现在了写生。而与之完全相反，中国画在创作之初的本质就是一种感情寄托，国画的创作必然是为了表达某种感情和志向。国画中的每一笔一画都包含着作者内心的感情，画作中的每一部分都是为了表达情感而存在的。正是由于这一特点，也就显示了国画中所展现出来的景并不是真实的景色，为了方便传递感情，国画创作者在绘画时必然要对自己真实看到的景色进行筛选和加工。所以这也就解释了中国画“形似而神不似”的特点。例如近现代国画名家黄宾虹先生，他晚年的作品大多是山水画，他所画的山都极具厚重感，他画的中国景色都是气势宏伟、大气磅礴。在他的作品中不经意的流漏出对中国大好河山的喜爱和自身广阔的胸怀。国画作品看似画的是山，但作品中表达的情感已经难以被局限在山水之间了。