舒伯特钢琴即兴曲作品142第一首的结构特征与演奏分析

张心娜

摘 要：弗朗兹·舒伯特（Franz Schubert，1797—1828），是19世纪最伟大的作曲家之一，他的创作风格鲜明、多变，不仅在艺术歌曲领域取得了卓越的成绩，还在奏鸣曲、交响乐、弦乐重奏等方面凸显出超凡的个人魅力。其中，器乐类小品——即兴曲，更是开辟了浪漫主义钢琴小品的先河。舒伯特的音乐旋律舒展流畅、体裁优雅精致，与民间音乐保持着密切的联系，既有古典主义的简洁严谨又有浪漫主义的诗情画意。本文以具有浪漫主义色彩的钢琴作品即兴曲OP142第一首为研究对象，从创作背景、特征、演奏技巧等几个方面，对其进行阐述和分析，希望可以通过学习和研究，更全面地了解西方音乐是如何从古典向浪漫主义过渡的。

关键词：即兴曲 曲式结构 演奏技巧

一、 曲式结构与作品分析

这首作品篇幅较长，为无展开的奏鸣曲式。音乐情绪复杂多变，时而委婉、时而激动。从这些创作手法上，我们不难看出舒伯特作为19世纪早期浪漫主义作曲家在创作思想上和创作理念上的革新精神。这首即兴曲，舒伯特虽刻意保持了原有奏鸣曲式的基础框架，但却对其内部结构及规模等要素进行了调整。在整个呈示部中，除了用极富浪漫主义色彩的和声进行创作之外，还用不寻常的、体积超大的连接部和副部来彰显其特有的浪漫主义情怀。

1.呈示部（1-128）

整个呈示部由主、连、副、结，四个部分组成。舒伯特用一个带有装饰音的柱式和弦将当时流行的音乐元素及主部主题的调式调性展现出来，之后又用一串下行排列的“音阶式”附点音型将整个主部音乐引向半终止。最后，用速度和情绪上的变化制造出一种紧张的气氛，为连接部中出现的舒缓情绪埋下伏笔。

连接部从第13小节开始，到第67小节结束，作曲家用了54个小节使这个规模庞大的连接部与其他部分形成不对称关系，并用不同的织体来表现其不同的阶段性，具体可分为四个阶段。

第一阶段由交替的16分音符构成，这种16 分音符与左手柱式和弦共同描绘出稳定、有象征意思的和声效果；音乐情绪上并没有较大的起伏，主要为第二阶段的变化重现做铺垫工作。

第二阶段可以说是第一阶段的升华，材料与第一阶段相同，但是作曲家在第二阶段开头处，将整个音位提高了三度，并用“模进”的创作手法使整个旋律呈现出“螺旋式”上升的姿态。舒伯特用这种创作手法，使音乐的色彩不断的产生着变化，一方面表现了他在同一问题上反复纠结的心态，一方面又充分的调动了听众的好奇心。第22至29小节，作曲家用单音排列取代原有的柱式和旋，用这种方法使左、右手形成了两个平行的声部，并用不同的音乐材料使得两个平行的声部可以各自讲述不同的音乐内容，其和声色彩也由之前的浑然一体转成现在的清晰可见。弹奏时，我们除了要注意手指触键的准确性之外，还要注意踏板的应用，要根据乐句的起伏和剧情的需要做及时的调整。

第三阶段中，作曲家用明显的强弱对比使整个音乐变得躁动不安，就像是自述一般，时而表现出对生活的美好向往，时而又爆发出对社会、对现实的抵抗与愤怒。整个第三阶段中，除上述特征之外，我们还应该注意到的是，这是一个多声部、纵、横双向运行的段落，其“层次感”类似于巴赫的复调音乐，这就要求我们在演奏时，除了要表现出激动的情绪之外，还要注重声部的运行和乐句的划分，力求可以从纵、横两个方面完成整个段落的立体化进程。

第四阶段与第三阶段联系的比较紧密，虽然作曲家依然使用了第三阶段中的材料，但由于速度和力度的变化，使得整个音乐听起来温柔、显得和蔼可亲，仿佛是上帝正在以亲切的语气开解舒伯特一样。最后，舒伯特用下行分解式和弦使整个连接部平稳、和谐的结束在第67小节上。

副部主题的规模与连接部相似，可分为三个部分。其中，第一与第二部分几乎完全相同，但是小节数有所不同。作曲家在第一部分中选用8+8的结构来进行创作，而第二部分则变成了8+6，这种不规则的变化不仅在结构上打破了古典奏鸣曲式的传统，还在创作理念上凸显出强烈的浪漫主义色彩。整个副部中，右手始终处于中声区，用均匀而摇曳的16分音符来充当伴奏声部，而左手则迂回在高、低音声区，将旋律声部的两个音乐形象清楚的展现出来。这一部分中，作曲家除了在原有材料基础上进行变化性发展之外，还用新的织体使整个音乐情绪从躁动不安转为宁静祥和，并最终结束在降A大调上。

整个结束部更象是副部的重复，结构短小、材料和音乐情绪都没有明显的变化，作曲家只是在结尾处用连接部中的下行分解式和弦来表示音乐正在渐渐的远去，并在最后一小节上引出再现部。

2.再现部

再现部的创作从旋律、织体、演奏技巧等几个方面来分析，几乎完全与呈示部相同，但是调式调性产生了剧烈的变化，严格按照古典奏鸣曲在调性上的要求进行的创作。笔者认为，这种创作手法不仅体现了调性回归的原则，还展现了舒伯特游走在古典与浪漫主义之间，特殊的思维方式。

分析完全曲的曲式结构之后，我们对这首即兴曲的基本框架及整体布局有了充分的了解，下面笔者就将结合以上基本内容来浅析一下该首即兴曲的演奏技巧。

二、 演奏技巧分析

这首即兴曲从演奏技巧和难易程度上来说，比其他几首即兴曲要稍复杂一些，一般要求演奏者具有中、高级以上的演奏水平，其中触键和踏板的应用十分复杂，所以笔者准备以这两方面问题为核心内容进行阐述和分析，力求可以解决在演奏中遇到的困难，使音乐与技巧可以更好地融合在一起。

1.触键

该首即兴曲中多次出现三连音、八度音、装饰音及同音反复等音型，这些音型不仅是民族民间音乐的体现，也是舒伯特创作特征的标志。古典主义时期单一、垂直的触键方法已经不能满足浪漫主义作曲家的要求，为了让音乐能够更好的表达浪漫主义思想，作曲家们开始采用新的触键方法来挖掘千变万化的音色，使钢琴音乐显得更加细腻、更具有歌唱性。

（1）八度音

八度音是本曲呈示部与再现部的重要组成元素，舒伯特使用大量的八度音符进行创作，意图用这种音型来寻求力度和色彩上的变化，并用下行二度的排列方式结合小连线，使两两一组的八分音符迸发出短促、有力的音响效果。弹奏时肩部、肘部、腕部的力量要上、下贯通，触键动作要迅速，不能犹豫或者呆滞。之后马上调整手部动作，利用以手腕为轴心、用指尖“轻抓”琴键的弹奏方法，将一串由小字一组逐步向小字组前行的八度音符弹奏出来。动作运行时，肩膀和前臂要控制力量的分配和触键的速度，不能将所有的力量在瞬间全部推送出去，而是要像“蜻蜓点水”一样在琴键上“点奏”，这种方式弹奏出来的声音即清晰又微弱，不仅可以表达出作曲家的创作意图，还可以为下一阶段新材料的出现做铺垫工作。

（2）三度音

双音弹奏对于每一位演奏者来说都是困难的，长短不一的五个手指要被分成两两一组，弹奏时不仅要考虑触键整齐的问题，还要考虑每两个音符在行进过程中主次化分及连贯性等问题，这对于演奏者来说无疑是个不小的挑战。

本曲呈示部第69-74小节，83-89小节中出现的双音连奏，就是这种难易程度较高、层次运行较复杂的类型。它实际上扮演两个不同的音乐角色，作曲家要求我们用同一只手不间断的跨越两个音区去完成这个任务，为了使音乐的形象更加逼真，笔者建议在低音区弹奏双音时要突出下行音符，在高音区弹奏双音时要突出上行音符。这样做不仅可以按照作曲家的要求完成这个复杂的任务，还可以准确地将双音分为两个声部，拉大它们之间的距离感。

（3）和弦音

古典与现代主义作曲家都避免使用过多的、连续的和弦音进行创作，但是在19世纪浪漫主义钢琴作品中，和弦的使用却随处可见。虽无资料显示浪漫主义作曲家是受舒伯特创作的影响，大量使用这些和弦音进行创作的，但笔者认为舒伯特这样独特的创作手法一定对后来的浪漫主义作曲家有深厚的影响。本曲中舒伯特用同音和弦来绘制和声上的色彩，来固定音乐中的形象。为了使每一个和弦音都能拥有好的音质，笔者建议首先应进行“分拆式”练习。顾名思义，“分拆式”练习，就是将和弦音拆开，像弹奏单音一样进行练习并倾听它们的声音，待音质醇厚、闪烁钻石般光亮之后再整合起来进行弹奏。这种练习方法不仅能够提升和弦音的质感，还可以帮助我们分析其中的线路与线条。和弦连接的线条一般可分为纵、横两个方向。纵向运动的线条一般凸显音乐的和声效果，具有立体性感觉；而横向运动的线条则往往具有叙述性，常被认定为是乐曲的旋律声部。分析和弦中的线条，对于每一位演奏者来说都是非常重要的，它是保留原有创作意图，帮助我们完成二度创作必不可少的重要环节。在实际应用中，不仅可以帮助我们解决虚实不当、主次不分的问题，还可以帮助我们提升演奏的效果并增强演奏的自信心。

（4）装饰音

装饰音的种类很多，包括颤音、回音、波音、倚音、小琶音等等，舒伯特8首即兴曲中几乎全部涉猎这些装饰音，在作品142之1中舒伯特更是钟情于“小琶音”和“回音”这两种类型，他用小琶音及附点音型来完成整个主部主题的创作，并用回音将主部主题加以变化性发展，使整个音乐听起来有拨弦乐器和打击乐器的音响效果。本节中要特别提醒的是，弹奏回音时不能随心所欲，要根据作品的具体要求来决定回音的起、始方向。因为不同时期的作曲家、不同时期的音乐作品对于回音的弹奏方法及要求也有所不同。例如，在弹奏本曲第7小节时，回音就应该从本音上开始，向上做回型环绕，而不是向下进行环绕，因为这种向上环绕的弹奏方法，更符合舒伯特音乐发展的方向，可以帮助我们更加轻松的表现出音乐的流畅性；反之则会阻碍音乐的长足发展、影响音乐的听觉效果。

（5）重复音

重复音一般可分为单音重复、双音重复等类型，单音重复通常指“轮指”练习，弹奏时用掌关节带动手指快速轮换击键，要求手腕、手臂放松，弹奏具有颗粒性。双音重复一般应用在乐曲的伴奏声部，弹奏时要控制触键的力度，不能快慢不均、凹凸不平，更不能毫无理由、毫无控制的突出某一个音符。例如，在弹奏本曲呈示部第13-21小节，再现部141-144小节时，我们就应该遵循这个原则把握好触键的强度和力度，力求用手腕来阻断整个手臂的力量，并配合手指轻击键盘的做法，营造出神秘、安静的音响效果。

以上所阐述的音乐类型、技术动作及个人看法虽然种类繁多，难易程度参差不齐，但笔者认为它们最终都是为乐曲的歌唱性、叙述性而服务的。所以每一个音符，每一个动作都不能小视，必须进行不断的研究和反复的练习，只有这样我们才可以更加准确的表达出音乐的风格，才能将钢琴音乐的特质以优雅的姿态展现出来。

2.踏板

在19世纪初期，钢琴虽得到了改进和发展，但整体音响效果与现代钢琴仍无法比拟，特别是踏板这个装置，几经周折之后才终于可以将手指无法保留的音符借助机械原理延长并连接起来。舒伯特的钢琴音乐虽不是为现代钢琴而作，但是它已经在现代钢琴上被演绎，所以笔者认为适当、合理的使用踏板是学习和演奏舒伯特钢琴小品必不可少的一部分。下面，笔者就将结合本首即兴曲的音乐色彩及和声变化等特点来阐述一下踏板的具体使用方法。

（1）音后踏板（延音踏板）

音后踏板又叫延音踏板，当两个音符或者两个和弦要用一个无缝隙的、不模糊的音效连接起来时，就要使用这种踏板。这种踏板在乐曲中的应用十分广泛，大家一般用他来增强旋律的色彩和音乐的混声效果。本首即兴曲中，笔者在呈示部、展开部中多次使用这种踏板，用它来凸显旋律的抒情性和歌唱性。在使用这种踏板的时候，我们要注意聆听并随时调整它与旋律声部之间的关系，避免出现过度混声，或者浑浊的音响效果，因为这种踏板的实际操作难度较大，稍不留意便会破坏整个音乐的起伏及清晰程度。所以，笔者建议大家，在使用这种踏板的时候一定要结合具体情况进行反复练习，只有这样我们才可以驾驭它，才可以使它为我们的音乐增光添色。

（2）节奏踏板（同音踏板）

节奏踏板是一种与音符同时起落，并依据不同节奏类型进行不断变化的应用方法，它具有机制、灵活的特点，在弹奏中常常被用来表现生动、活泼的气息，是我们完成重音（﹥）、突强（sf）等音响效果的最佳选择。笔者在本曲连接部和副部中用这种踏板来配合小连线及同音反复，使短小、急促的音符得到滋润，并用这种方法使音乐的震撼效果得到最大化的发挥。

（3）旋律踏板

顾名思义，根据旋律的走向和划分来使用踏板即被称为是旋律踏板。这种旋律踏板的使用随着旋律线条的变换而变更，在实际操作中与节奏踏板有异曲同工之处。弹奏时，演奏者必须清楚旋律线条的起、始位置，并根据旋律的走向及时调整踏板的使用方法，做增加或者减弱的处理。本曲呈示部第68小节至再现部，笔者大量使用了这种踏板，意图用这它来增加和声的效果及旋律的连贯性。

众所周知，每一台钢琴踏板的深度及灵敏度都是不同的，所以踏板的使用方法也不是三言两语就能参透的，这个复杂的过程需要我们结合自身的情况，根据乐曲的发展及踏板的特征来做科学的应用和细致的调整，每一个动作都必须经过悉心的研究和反复的磨练才能最终成为有效音乐的一部分。所以笔者建议大家，在学习和演奏这首即兴曲之前一定要做好准备工作，使曲式结构、演奏技巧与踏板应用等环节可以有效的结合一起，充分发挥它们的职能性，为呈现“舒伯特”式浪漫主义音乐做好准备。

结论：舒伯特用短暂的一生为世人留下了丰富的音乐遗产，是非常值得我们爱戴的一位音乐家。诚如舒曼赞美舒伯特的那句话“他的那支笔包含月光和火焰”一样，他的音乐不仅多情而且新颖。本文从曲式结构、演奏技巧及音乐语言等方面着手，解读“舒伯特”式浪漫主义抒情特质，并通过一系列的研究和学习，对西方音乐是如何从古典向浪漫过度的，有了更深刻的了解和体会。笔者希望这篇文章可以对喜爱舒伯特音乐的人们起到抛砖引玉的作用，也希望可以有更多的人们加入到探索舒伯特音乐的队伍中去。最后，让我们以一颗诚挚的心去聆听、去感受舒伯特的音乐吧。

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作者单位：沈阳音乐学院艺术学院