自在抽象

朱岚将视觉里的三维物象锤炼咸即时的情绪，这些情绪在落笔为墨的同时转化为下一笔如何进行的契机。所以，创作之前并没有固定的程式，最终的呈现可能是最初想法的萌发，也可能是中途奇想的突围，这种自在的魅力应该就是朱岚所说：“创作吸引我的地方是它是活的，是生命的结晶”。

朱岚早期的作品都以《无题》命名，沉浸在自我挑战中，她认为无需向他人告白内涵。最近，她的作品开始发声，都有了一个个意味深长的名字，《凝》《晰》《质》《变奏》《局限生长》，这些抽象的词汇犹如日记，是不断认清自己和感知周遭生活的记忆。抽象的词汇和抽象的表现记录了清晰但无法言语的日常，也正是在这种不确定性的开放下，让她更坚定了自己看到的真实。真实不再是具体的物象，而是“无形胜有形”的理想状态，是时间累积下对生命的感悟和体会。

朱岚的抽象是有层次的，抽象的线是画面构建的基准，正如她所言：“作品从线来讲建立一个基本视觉框架，它的弹性、疏密以及节奏，或深刻或混沌或轻柔，要带来的是整体的连贯。空间看似虚无，对整体的构建却至关重要。”客观世界中并没有线，只有体。线是人观察世界和表现世界的“想象性抽取”，带有极大的主观性和情感色彩。朱岚线的抽象构建是确定的，或者可以说是画面内有节奏的自由游离。这种自在的线条抽象更像是朱岚悠游多国的生命状态，始终游走，不断碰触不同的文化边界。不能说哪一种文化给了什么具体的意义，所有的感知和精神都浓缩成画面上抽象线条的不言而喻。面则是一个个不同层次，不同的层次连接着力度趋势，张力显然与心与精神有关。

例如朱岚的作品《白夜》就是线条语言的高度提炼，白色的宣纸上只是几抹墨线，自由洒脱，浪漫。看似虚无，实则对整体的构建起了至关重要的作用，或是某个时刻黃昏与黎明的相接，也或是自身对生命之质的冥想。

跟随情绪游走的抽象创作是特有的感情逻辑，较于具象的视觉逻辑和语言逻辑更为纯粹。朱岚将视觉里的三维物象锤炼成即时的情绪，这些情绪在落笔为墨的同时转化为下一笔如何进行的契机。所以，创作之前并没有固定的程式，最终的呈现可能是最初想法的萌发，也可能是中途奇想的突围，这种自在的魅力应该就是朱岚口中说的“创作吸引我的地方是它是活的，是生命的结晶”。

朱岚的水墨抽象将以上种种体悟攻之水墨，水墨固有的韵律本身不仅营造着中国式的意境、气韵、神采，也与西方抽象中的自由、发之于心在某些程度上不谋而合。朱岚正是捕捉到这种似有似无的相通之处，同时也为自己少时受到的系统笔墨训练找到归宿。然而，与西方抽象不同的是，西方的油画、丙烯等颜料可覆盖可刮除，任何的不确定都能在修改中不断完善。但是中国的水墨一笔下去就没有施救的机会，它的每一笔都必须明确到位。选择水墨抽象，虽然意味着她创作的每一步必须早早了然于心，但她也谈到自己并不在意把画画坏，只有如此才能达到一个更自由的状态。

20世纪80年代国内出现了一批进行抽象水墨的艺术家，他们的出现有着自身的文化逻辑，彰显了个性且自我的艺术姿态，充满了对自由和开放的渴望，成为当时与官方截然不同的新鲜气息，几乎与此同时朱岚留学海外，她对水墨抽象创作的萌发与国内的画家终归有些不一样，正如朱岚的自述。

“第一次接触抽象原作是80年代毕加索作品第一次进入国内的时候，当时中国美术馆还要买门票，很多人看过之后直呼上当受骗，觉得还没有自家孩子画得像。当时作为解放军艺术学院国画科班出身的学生，一直为自己‘画得像而沾沾自喜，不过看过那次展览后，觉得艺术的深意最起码不是我们的想当然。解放军艺术学院毕业后，我被分配到八一电影制片厂，后来选择出国。

实在是好奇心驱动，想看看这个世界到底有多大，后来在日本京都市立艺术大学意大利湿壁画专业学习。日本的美术馆很多，上课之余我就去各大美术馆看展览。抽象展览也相当普遍，课上老师也会为大家展示不同的艺术家及其作品，顿时觉得视野大开，受益匪浅。湿壁画创作期间有漫长的等待时间，课余就开始尝试水墨。在日本求学时的一些创作训练记忆犹新，老师有时候会在课上播放音乐，然后要求学生用绘画将这段感受体会画出来，再或者列出几个泛泛的题目，也用抽象的形式来表述。在日本求学期间的所见所闻激发了创作的突变。抽象创作进入我的生命就这样自然而然地发生了。

毕业后去了加拿大，继续抽象水墨的创作，那里艺术氛围相当自由，每个艺术家都是独立的个体。刚开始进行抽象创作的时候脑子里总会先浮现一些具体的形，不会有在学院学画时的刻板，但还是模棱两可，怎样用抽象来传达心意，一直是我在做的努力。因为骨子里专科学习留下的惯性，创作时不自觉感受到的舒服状态很可能是原初的景况。怎样将抽象更加明确化，一直是我在做的努力。特别是去除习惯性，在一次次的尝试中找到自己想要的感觉，生涩优于油滑，失败的收获大于成功，就这样慢慢的不断的变化生成。我很笨，一点都不聪明，喜欢独处，绘画是我生命的意义和语言。”