经典再添华彩 喜儿又获新生

紫茵

青年女高音歌唱家雷佳领衔主演的歌剧《白毛女》，2015年11月6日在陕西省延安市解放影剧院开启全国首轮巡演的大幕。经过太原、石家庄、广州、长沙、上海、杭州、济南、长春的华彩亮相，12月15日至17日在北京中国剧院，圆满完成最后3场演出。

前后40多天里，一部戏巡演而非驻演19场。虽然女一号喜儿安排了B角，但根据统计数字，雷佳一个人担纲了13.75场，北上广三地7场她都在连续演出，B角喜儿蒋宁仅在延安等地分担了5.25场。那小数点后面的数字是怎么回事？因巡演日程紧张，而气候变化无常，雷佳体力精力严重透支。其中有一场演出，雷佳坚持唱了前三幕，蒋宁临阵唱了第四幕。实际上，雷佳在19场《白毛女》巡演中，还穿插着五场《木兰诗篇》在大西北高原的连续演出。12月10日，她一身绿军装，在国家大剧院音乐厅“一片丹心向阳开”一阎肃作品音乐会上，演唱《大地情深》；l2月15日至17日，她一件红花袄，在北京中国剧院连唱三场《白毛女》。女一号如此高密度、高强度演出，在该剧抑或歌剧演出史上，算不算首屈一指的特例？满怀期待中掺杂着几分担忧不安。柔弱女子这一路唱过来，今晚她还能唱得动吗？那条清灵甜润的嗓子，还能保持新鲜透亮的“水头儿”吗？

应该说，2015年文化部组织排演的新版《白毛女》，前期宣传相当强势。大众关注的焦点，似乎都高度集中在演员的“更新”，而忽略了版本的“创新”。经强势媒体无意“诱导”，我也不由得把关注的重心偏向于雷佳一个人身上。

2015年新版《白毛女》，雷佳绝对是舞台群星闪烁最耀眼的那一颗。毫不担心前面喜儿的“甜”与“柔”，却有些怀疑后面白毛女的“辣”与“刚”。雷佳塑造的喜儿，形神兼备声情并茂，自然生动独具一格。全剧从头至尾女一号那些篇幅大、变化多，难度高、分量足的唱段，艺术质量超出预期。第一幕《北风吹》的纯朴天真，《扎红头绳》的欢喜跃然，《爹爹爹爹为什么》的悲痛欲绝，《大叔大婶救救我》的楚楚可怜；第二幕《口含黄连度日月》的哀怨凄然，《你不该这么糟蹋我》的愤懑怨怒；第三幕《受罪的日子咬牙过》的悲切隐忍，《我要报仇我要活》的仇恨倔强；第四幕《恨是高山仇是海》声震云天，《我是人》的坚韧不屈。我们又听到了她，曾经听到过的清甜甘润情真意切；我们还听到了她，未曾听到过的丰实饱满情深意浓。

从黑发村姑到白毛仙姑，这个人物突变或渐变的角度幅度、宽度深度，雷佳的把控精细入微令人信服。《小白菜》民歌化的谣唱，她的处理一丝不苟，唱出了风格；梆子腔戏曲化的咏叹，她的演绎熟稔练达，唱出了韵味；音乐性歌剧化的质感，她的领悟明确到位，唱出了规格。这个喜儿，表演方面，那些手眼身法步，更多借鉴了郭兰英的表演艺术特色；歌唱方面，那些发声吐字行腔，更多汲取了彭丽媛的声乐艺术特色。借鉴也好汲取也罢，雷佳并未浮皮潦草做表面文章，而是认认真真下了功夫。郭兰英的表演艺术、彭丽媛的歌唱艺术，雷佳深谙其道心领神会，学以致用活学活用，在舞台上已然化于自身优势，浑然天成融为一体。

2015年新版《白毛女》，喜儿不负众望值得关注。该剧全国首轮巡演一举成功，可视作雷佳歌剧表演艺术生涯的一个里程碑、一座新高峰。她向所有关爱支持她的人们证明自己，不仅能歌而且善演，不仅有嗓而且有戏。她的表演，抒情性段落令人感动，戏剧性章节令人震撼。尤以爆发式张力和能量，产生优势显著的艺术感染力与舞台表现力。中国民族歌剧新生代领军人物的赞誉，雷佳当之无愧。

一枝独秀红一点，万紫千红才是春。通过最近一两年的复排，2015年新版《白毛女》巡演又带起了一批新人，经典之作让其艺术经历攀升到一个全新的高点。在这部戏里，蒋宁、张英席、毋攀、武猛、常通、王婷、巨有燕等青年演员表现出色可圈可点。在中国民族歌剧舞台上，他们将集结成为一支令人瞩目的新生力量。

早在1948年5月，茅盾在香港媒体发文声言：“我们毫不迟疑称扬《白毛女》是中国第一部歌剧，我以为这比中国的旧戏更有资格承受这一名称——中国式歌剧。”中国第一部歌剧诞生至今70周年，将其置身于大时代和大环境日新月异的新世纪，今天观众渴望了解的审美需求，或许已远远超越一部歌剧本身。

在中国歌剧发展史上，这样一部重要经典并非十全十美无可挑剔。从历史唯物主义者的角度看，应当充分肯定《白毛女》的艺术品质与美学价值。但它毕竟是战争年代的产物，仅以延安当时的条件，无论创作者心有多大志有多高，只能因地制宜量体裁衣。虽然是歌剧，《白毛女》却像独角戏，从头至尾，女一号杨喜儿唱段非常多、戏份相当足；男一号王大春音乐形象并不鲜明，唱段很少也欠缺戏份，正面角色占有篇幅甚至不及两个反派。还有，男女一号没有二重唱，岂不遗憾？

通常一部经典，朝短里说，非一个人、一个阶段所能成就；往长了说，非一群人、一个时期所能成就。经典在其形成的所有复杂微妙的综合因素里，“人”是真正的灵魂。毫无疑问，经典的形成，需要流传需要诠释。舞台艺术经典的活力与魅力，在于一部作品可以由不同的人，在不同的时间、不同的地点，循环往复持久不断重新诠释。通过重新诠释在更广范围得以流传，从而释放经典的生命体征与永恒青春。

经典之所以成为经典，还必须紧扣时代脉搏，体现时代精神，反映时代诉求。《白毛女》自然也不例外。从呱呱坠地初放啼声的第一天，她就是“喝百家奶、穿百家衣”般成长的。黄土高原羊倌一句话，改；延河岸边老乡一句话，改。改啊改，这就是《白毛女》求实认真的创作态度。从延安鲁艺集体创作，贺敬之、丁毅执笔，张鲁、焕之合作谱曲，后来，马可、向隅、瞿维、陈紫、刘炽相继进入《白毛女》音乐创作。同一部歌剧七个曲作者，这在中外歌剧史上，大概也是罕见少有的极端特例。

从1945年延安首演到2015年延安复演，经过舞台实践与不断修改，《白毛女》一直沿着继承发展创新的路，一步一步走到今天。它不可能也不应该一成不变。期间，2004年由文化部支持，上海音乐出版社正式出版了歌剧《白毛女》总谱，该总谱由七位曲作者中当时唯一还健在的瞿维最后定稿，已经不可能再做任何的修改。前辈留言，中国歌剧《白毛女》已经在亿万人民心中生根了，就让它按照自己的原样存在着吧。endprint

面对21世纪的青年观众这个代表中国歌剧的希望与明天的受众群体，怎么才能让他们爱上经典？1945年的首演版与1962年的复演版，本已不是一般模样。2015年新版，难道就应该或必须成为1962年版的重复还原？经典中的基础元素已经固化，而机动成分尚可活化。真正的经典，无不为固化与活化两者之间的平衡与和谐，如何掌握其中的比例尺度，这就需要艺术生产的策划者和执行者具备高度智慧与超凡能力。

在节目单上，我注意到如下字样，剧本统筹：黄奇石；音乐总监：关峡；音乐编配：关峡、李文平、张宏光。从序曲开始，果然听到了新的声音。2015年新版《白毛女》，高在演员的更新，同时，贵在作品的创新。演员的更新与作品的创新，双向平衡两极和谐。黄奇石、关峡以及剧组成员的所谓创新，绝对是“守本创新”，在严格恪守尊重经典原作的基础上，只重新把文本和音乐，顺了又顺。

黄奇石并未全新写作剧情和唱词，他所做的全部事情，将原剧中的说词，“顺”成了新版里的唱词：假如唱起来别扭，只前后调换顺序，词语基本不动，意思完全相同。全剧音乐却是全新编配，关峡和李文平、张宏光一段一段仔细研究了所有文献资料的总谱——早期创作的民乐版、中期改编的管弦乐版、后期修订的管弦乐版，还包括同名芭蕾舞剧音乐版。可见在音乐方面他们下的功夫最充分也最扎实。新版出新，重点在于强化音乐的丰富性，从四类版本中提炼精华，从序曲到终曲，更加歌剧化。

新版《白毛女》果然非同凡响耳目一新。早先“话剧加唱”音乐间断的开口裂缝，全剧近三分之一的大段道白对白，关峡为其谱成了新的唱段。同时，用高妙机巧的连接音乐，重新“针脚”细密地“缝合”起来。音乐保留了浓郁鲜明的民族化的神韵，竹笛板胡等民族乐器与板鼓锣镲等传统戏曲的打击乐器，其功能性不仅未减，好像还得以恰如其分地突出。

我们所听到的最新唱段，第一段出现在第一幕“赵大叔讲红军”，早先的絮叨变成了现在的歌唱；从前的第一幕为话剧式的结尾，在喜儿唱完“死跟爹爹一块死，活跟大婶一块活”，音乐就此消失。此后，穆仁智要强行带走喜儿，赵大叔们哀求留下喜儿，这场争执不休相持不下的群戏完全靠口说来完成，现在已全部改为宣叙调式的歌唱，最后是小葬礼曲式歌剧化的终止。第二幕王大春寻找仇人要报仇雪恨的一段戏，一段道白也变成一曲带宣叙性的小咏叹调。

第四幕“山洞相认”前后，贺敬之文本写过白毛女的《我是人》和大春喜儿的《这是梦里还是真》两段唱词，因前辈导演考虑演出时间过长便做主省略。刘炽后又曾为《我是人》谱曲，因采用6/8拍而遭人质疑与角色间离，最后干脆被弃之不用。经由郭兰英回忆梳理，这段唱腔听上去很像基因变异的河北梆子。可是，目前唯一在世的创作者贺敬之老先生，还是选择授权让关峡重新谱写。这就是我们从未听到过的关峡版《我是人》，这段音乐和全剧音乐，同样是相当合拍搭调。还是在“山洞”里，我们竟然听到了一首二重唱。这也是瞿维当年写了又被毙掉的唱段，从前版本里从未出现，在新版里终于得以复活新生。毫无疑问，经黄奇石和关峡等人顺词顺曲，《白毛女》进一步实现其音乐性与歌剧化，果然顺得多了。在整体性、连贯性、丰富性、流畅性上，有了实质性的跨越。

今天观众在审美趣味上呈现多重性与多样性，已成自然趋势。所以我们仍会用挑剔的眼光看待新版《白毛女》。虽已做了有效而适度的删减，从2004修订版的五幕，精简压缩成四幕，但也还有些修改的空间。如，喜儿被侮辱，寻死觅活要上吊，张二婶及时救下她，可以省略后面黄世仁筹办婚礼的戏。现在是喜儿忍辱偷生留在黄家，还怀着仇人的孩子，这总让人产生心理不适。何不像同名芭蕾舞剧一样处理：喜儿上吊，张二婶救了她接着送走她，逃出黄家门，顺理成章。另外，重要角色张二婶竟然没有一句唱，岂不可惜？

2015年新版《白毛女》全国首轮巡演，我们不仅看到了一部中国歌剧经典的新生，更重要的是，我们看到了一种精益求精永无止境的艺术创作精神的回归。endprint