电子音乐技术在应用型音乐创作中的运用*——以钟兴民的作品为例

彭逸辉

（四川音乐学院，四川 成都 610021）

电子音乐技术在应用型音乐创作中的运用*
——以钟兴民的作品为例

彭逸辉

（四川音乐学院，四川 成都 610021）

在人们对音乐的不断需求下，电子音乐近年代取得了迅猛发展，由最初单一的实验型模式转变为实验型和应用型相互交替进行的模式。电子音乐技术已成为应用型音乐创作中最重要的手法之一，传统乐器的使用不再是不变的定律，电子音乐带动传统音乐已成为当代人们对音乐的另一种追求。其中，电子音乐的重要性是毋庸置疑的。其功能作用在单一的传统音乐中，逐步上升为塑造音乐3D空间的重要元素。无论是音乐的表达，还是声音的设计，电子音乐作曲在整个音乐中都起到了至关重要的作用。本研究主要讨论电子音乐技术在应用型音乐创作中的创作理念、配器方法以及创作手法的运用，对台湾著名音乐家钟兴民先生创作的作品进行分析研究来探讨电子音乐技术在应用型音乐创作中的运用。

电子音乐技术；应用型音乐；创作；钟兴民

一、钟兴民简介

钟兴民，别名：Baby。1966年出生于台湾台南，音乐家、作曲家、编曲人、制作人。

作为华语应用型音乐的代表，钟兴民先生创作的许多作品广为流传，并成为了经典之作。从第七届金曲奖获奖以来，华语流行乐坛巨星周杰伦的经典歌曲《双节棍》、《最后的战役》、《青花瓷》等获奖作品的编曲都是出自于钟兴民先生之手，除此之外，还有《囧男孩电影原声带》、《被遗忘的时光》、《饮食男女II原声带》等一系列作品都曾荣获最佳作曲人、最佳专辑、最佳专辑制作人奖项。钟兴民先生是一位全能的音乐家，他的专长不仅仅局限于编曲，在作曲、专辑制作、配乐上，他同样称得上大师。

钟兴民先生的音乐源自于生活，但他的音乐风格却不受拘束。他擅长打破音乐派别、种类和文化的限界，且不失音乐性。在音乐的创作中，钟兴民先生喜欢寻求新的突破，他不像大部分台湾音乐家那样墨守成规，而是不断在作品中融入新的元素，让作品变得更加具有吸引力，更加富有活力。钟兴民先生在传统音乐的创作上大胆的加入了电子音乐技术，营造了特定的音乐氛围，并表现出个性鲜明的主题。在他的作品中，我们可以感受到钟兴民先生通过电子音乐技术向听众传达了传统音乐无法表现的情绪，这种情绪是具有深层思想内涵的，能够很明显的反应出音乐本身的主题。钟兴民先生的创作风格，与他的“全能”有着密不可分的关系，正是因为这种“全能性”使之成为华语乐坛最早一批将电子音乐技术运用在应用型创作中的音乐家。

二、应用型音乐中的电子音乐技术

随着音乐发展的需求，电子音乐技术加以应用于应用型音乐上，使其更形象的表达出音乐主题的含义，但又不会改变音乐本身的意义。它不仅为听众提供了一种情感宣泄的途径，而且拓宽了个人的想象空间，并使得在创作中使用电子音乐技术的创作者产生不同以往的灵感。电子音乐技术的使用让整个音乐更具有感染力，这其中电子音色与电子音效起了不可或缺的作用。

（一）电子音色

1955年，由Harry Olsen和Herbert Belar发明的RCA Mark II可编程电子合成器，这是第一次创作特殊的电子音乐的尝试。RCA Mark II的体积非常庞大，重量也是达到了200吨，无法普及大众。

20世纪中期，在磁带录音机的还未发展完全完善的情况下，电子音乐就开始大范围进入音乐领域。他们将声音记录下来，并使用电子设备使其变质、变量，再通过录音技术的剪辑粘贴，最后组合、再生作品。

在20世纪50年代前期，电子音乐是通过计算而产生的。到了50年代末期，布赫拉、普特来、姆格研发出新型的电子音乐合成器，使得电子音乐的发展有了一次质的飞跃。它不再局限于工作室和专业人士，而是在任何地方、任何人都能演奏。它可以直接控制音量、振荡器、调频、滤波器等，创作者可以直接调制对应的旋钮就能创造出无数美妙的音乐，而不需要预先录制完后再进行制作等麻烦的手段。灵感稍纵即逝，对于创作者而言，时间是非常宝贵的，任何等待都有可能让灵感烟消云散，而新型的电子音乐合成器则很好的弥补了这一缺陷。

（二）电子音效

电子音效是指在原有的声音素材上进行二次创造，使其声音进行改变，如同Fusion音乐一样，它的本质是不同音乐的风格，在这基础上进行再创作而融合在一起。电子音效与电子音色很大的区别就是，电子音效不一定是具有音高材料的素材，它也许就是一段很普通的声音，通过再次创作使其成为音乐中可用的具体素材，它的出现让音乐在电子音乐的基础上更加丰富、更具感染力。电子音效最早来源于电影配乐，这是属于声音设计的一个体系，它更加真实、贴切的描述画面中的情感，而电子音乐的出现，让它又回到了音乐上，这种成功的设计，一步步把音乐推向了另一个新的高潮。

在早期，这种对声音素材进行处理和创作都是由硬件效果器完成的，硬件效果器性能出众，但造价昂贵，所以它无法普及大众。

随着时代的前进，科技的更新，各大厂家纷纷推出了软件效果器。有的是模仿硬件效果器的特点，而有的是通过全新的算法而产生的新效果器。软件效果器与硬件效果器相比，它足够方便、成本很低，但它的不稳定、性能不突出，还是无法霸占效果器的市场。所以，在与时俱进的今天，硬件效果器和软件效果器依然出现在电子音乐创作中，谁都无法替代谁。

传统的效果器大致有：EQ（均衡）、Compressor（压缩）、Limiter（限制）、Expand（扩展）、Gate（门）、Reverb（混响）、Delay（延迟）等；而在电子音乐创作中还会使用到一些新的效果器：Granular Synthesis（粒子合成）、Flanger（镶边）、Reverse（倒转）等。

（三）电子音乐技术在应用型音乐创作中的应用

在应用型音乐创作中，上述两种电子音乐技术对作品起到了巨大的作用。首先，电子音色的使用，可以弥补传统声学乐器的不足，并丰富编曲。其次，电子音效的加入，犹如画龙点睛，使音乐更具感染力。例如：在歌曲《布拉格广场》，从流行音乐变换到间奏中东欧的音乐风格，再从东欧的音乐风格变换回来，这就如同四川的变脸一样，每次都要把它撕掉，然后再回来。这其中的每一次“变脸”，电子音乐技术功不可没，它的出现让音乐很顺接的进行，每一次都很成功的转场。这简简单单的电子音看起来很稀松平常，但在这里却取得了如此大的成效。当然，并不是所有的电子音乐技术都是让人感到抽象的。例如：歌曲《夜的第七章》，这是描述侦探的一首歌曲。在前奏中，有着很明显滴滴滴的电子音乐，这是创作者为了模仿侦探在打字机上发密码的声音，从音乐的角度描述着歌曲的本质，使音乐更加贴切与形象。这种电子音乐技术是传统声学乐器中无法表现出来的，电子音乐技术在应用型音乐创作中的运用，让音乐上达到了另一个新的高度。电子音乐技术与传统声学乐器相结合，体现出各自的优点，也相互弥补了不足。

三、电子音乐技术在应用型音乐创作中的具体分析

《最后的战役》这首作品收录于周杰伦的第三张专辑《八度空间》中，于2002年7月18日发行。作品由方文山作词，周杰伦作曲，钟兴民先生负责该曲的编曲。在此作品中，钟兴民先生运用了新颖的编曲方法，让人耳目一新，并成功入围第十四届台湾金曲奖最佳编曲人奖项。

歌曲《最后的战役》是专辑《八度空间》中的最后一首，时长为：4′11″。从作品的名称我们就知道这首歌曲有战斗、战场的元素，那如何能够将这种画面感体现的淋漓尽致呢？一个好的编曲作用就在此处变得无可替代。是什么能够让人立刻联想到战斗、战场？那一定是枪声和爆炸声之类的元素了。在《最后的战役》中，钟兴民先生用电子音乐技术手段大量的加入了非常规的音色与音效，使整个作品充满活力、极其形象。

整首作品大概使用了三种风格的音乐元素：流行音乐、古典音乐和电子音乐，将三种不同风格的音乐凑在一起，这对编曲来说是个很大的挑战，具体如下：

1.从音色上看：

古典音乐只使用传统声学乐器，而流行音乐则在传统声学乐器的基础上加上了传统电声乐器。不论是传统声学乐器，还是电声乐器，它们都是基于乐器的本质，由击发震动而产生声音，这都属于原声乐器的范畴内。但电子音乐使用的不论是电子音乐合成器，还是采用电子效果器等发声源，他们与原声乐器发声原理很不一样，声音也不大一样。

原声乐器的声音必定是一次具有先后顺序的完整的A（Attack——起始时间）D（Decay——衰减时间）S（Sustain——持续时间）R（Release——释放时间）的过程，而电子音乐乐器可以将其打乱。

2.从频率上看：

每一件传统声学乐器和传统电声乐器都具有它独特的性质，它们有各自不同的频率分布，即分别分布在各自固定的频段。而电子音乐发声源则截然不同，它可以选择覆盖整个频段，也可以只出现在某个频点上。

3.从音域上看：

传统声学乐器和传统电声乐器的音域是固定音域，而电子音乐发声源则是可具有选择性的音域。

4.从音高上看：

不论是传统声学乐器还是传统电声乐器，它们都是有具体的音高，能形象的记录在传统乐谱上，电子音乐发声源则不一定具有具体的音高特性。

5.从动态上看：

除特定的作品外，通常，传统声学乐器和传统电声乐器在整个作品中演奏动态是不可强行控制的，相反电子音乐发声源在任何作品中都能做到强行控制。

音乐材料的选取与组织，是创作中最基本的要素。整首作品的前奏、主歌、副歌、间奏、结束都有电子音效的出现，这些电子音效并不是有效的音高材料，但这绝对是这首作品的精妙之处。三种音乐风格贯穿整曲，这正是以特有的方式来打破传统应用型音乐的创作，效果令人出乎意料。

前奏由电子音效枪声、爆炸声等拉卡帷幕，让听众能够很快的进入状态，随之就是弦乐、鼓、贝司、铜管等乐器进入，但电子音效并没有停止，反而还加入了如弹壳声一样的新素材。这种点状结构的电子音效能够和打击乐形成很有律动的进行模式，而和弦以F♯、G♯、C♯m循环进行，直到前奏结束，而在前奏末尾还有一个倒放的音效做与主歌的连接。

主歌第一句的主要乐器是声学吉他，配合着一点零星的镲片，犹如绘制一幅大战之前的异常宁静的画面，这也是对环境氛围的一种渲染。紧接着又是通过倒放音效的形式进入第一句的反复，这时候打击乐、贝司和弦乐开始进入以对比和第一句的不同，也是对战斗环境氛围逐渐升温的一种准备，和声结构依然是F♯、G♯、C♯m循环进行。

主歌的第二句旋律出现了变化，这是流行音乐中很常见的一种写作手法，故作为承上启下的作用，这时铜管的进入所表现的情绪是最合适不过了。从1′28秒开始，和音的进入为这一段增添了新的色彩。当然，和声的变化也正是这一句的一个转折点，B♯、A♯7、D♯m7、A♯m/C♯、C♯Dim7、F♯7/A、A♯m7、C♯/G♯、F♯Maj7、C♯/E♯、D♯m7、G♯这样的和声推动力也表现得淋漓尽致。

进入副歌以后，依然由传统声学乐器和传统电声乐器做主要支撑。人声使用了同度叠加手法，并摆在不同的声像中，使得人声有着非常宽广的声场。和声采用级进下行：C♯、E♯m/B♯、A♯m7、C♯/ G♯、C♯/E♯、F♯、C♯/E♯、D♯m7、G♯；重复：C♯、E♯m/B♯、A♯m7、G♯m7、C♯7/G♯、F♯、C♯/E♯、D♯m7、G♯、C♯。

间奏的和前奏一样，依然由F♯、G♯、C♯m这三个和弦进行，只是将顺序调换了一下。电子音效也与前奏差不多，但是在前奏末尾部分的直升机声音更大了一些，突出的氛围感更为强烈。在2′27″时音乐停止，也就是最后一小节的第一拍就没有了音乐，而在第三拍出现了一个枪上膛的电子音效。出现在这里的电子音效刚好在最后一小节的第三拍上，作为节奏素材，使前后的乐段很自然的连接；作为电子音效，它是整个作品中以独立的形式出现的电子音效，它的出现对整首曲子的电子音乐部分产生回应。钟兴民先生超前的创作思路让一个平凡的声音素材确出现了如此大的作用，真是巧夺天工、画龙点睛。

2′29″开始的创作手法与之前的音乐形态一样，鉴于是反复段落，所以电子音乐要比之前重一些。而在3′46″的时候，钟兴民先生使用了和间奏段落一样的创作手法，就是音乐停止，然后出现电子音效。由于这里是连接结束段，所以钟兴民先生没有使用节奏感强烈的点状电子音效，而是使用直升机的电子音效铺满了副歌最后一个小节。虽然都是独立性质的电子音效，但它们具有不同的特点，所表达的意义也完全不一样，这都出自于钟兴民先生在创作中对电子音效的独到见解和精心设计。

上述分析中，在传统的应用型音乐创作中根据音乐的主题，加入电子音乐技术，会使作品更有意境，惟妙惟肖。电子音乐技术不仅仅是学术性、实验性的音乐，它们的本质都是为应用型音乐服务。而在应用型音乐的博大精深，有着严谨的逻辑思维的基础上，再加上电子音乐富有个性、独特的元素，正是创作者的巧妙构思，将应用型音乐的创作提高的一个新的层次。

四、电子音乐技术在应用型音乐创作中的重要意义及发展前景

（一）电子音乐技术在应用型音乐创作中的重要意义

电子音乐技术的意义不仅是以实验性质和学术性质为主的音乐创作，而更有意义的是将这种具有研究性质的音乐运用在应用型音乐创作中。人类的不断学习、研究、创造，都是为了提高现有的价值，并将它们普及到社会中。电子音乐技术在应用型音乐创作中的运用，则很充分的说明了这个问题。

（二）电子音乐技术在应用型音乐创作中的应用前景

随着时代的前进，音乐的不断更新，电子音乐技术已成为应用型音乐创作中一种主流的创作方式。电子音乐技术的加入，使听众产生对作品的情感有着更深刻的体会。这种情感不是表面的、肤浅的，而是深层次、具有内涵的，能够将创作者的意图直接表达给听众。随着欧美及日本出现大批优秀应用作品的案例，电子音乐技术在应用型音乐创作中的运用逐渐受到了国人的重视，以钟兴民先生为代表的创作者掀开了华语音乐的新篇章。音乐发展的需求是与时俱进的，如何创新并让大众接受是对创作者的巨大考验，但正因为有了这种考验，音乐才会更加美好。■

四川音乐学院院级研究生一般项目《电子音乐技术在应用型音乐创作中的运用——以钟兴民的作品为例》研究成果（CYYJS201518）