歌剧表演展现“美”的原则

何峰

摘要：“美”的表现是歌剧表演艺术展现品质的重要方式，也是歌剧表演的重要任务。歌剧表演中融合了表演学、美学、音乐学等多种内容。在众多具备表演性质的艺术中，歌剧表演将戏剧和音乐巧妙融合，展现出来的“美”赋有大众欣赏的价值。歌剧表演将声乐艺术和表演艺术作为表现作品内涵的主要途径，能够通过音乐和肢体完成与欣赏者心灵上的对接。演唱者将作曲家笔下的符号转化为流动的声音，在音响的中完成“美”的雕刻。本文以歌剧表演展现“美”的原则为出发点，来探寻歌剧表演中与“美”所相关的部分。

关键词：歌剧表演 美 原则 运用

一、歌剧表演的本质

（一） 中间环节

歌剧表演是展现歌剧作品的重要步骤，在歌剧表演的过程中，体现了歌剧作品由作曲家的精神灵感转化为笔下的“物质”乐谱，而后经过表演者的诠释又将乐谱转化为欣赏者能听到的音响，帮助欣赏者实现精神享受的塑造。这样一个由精神转化为物质最后再上升回到精神的艺术过程，歌剧表演者在其中扮演了中间环节的作用。在这个中间活动中，表演者不仅需要对歌剧作品一度“还原”，还需要在此基础上展开二度“创作”，使歌剧成为作曲家和表演者共同创作的作品。

歌剧表演作为艺术文化的一种，由作曲家和剧作家创作完成后，需要面对广大艺术欣赏者，若无人欣赏，作品的艺术文化价值也就无法展现。作为具有表演性质的歌剧而言，脱离“表演”这个中间环节的话，创作结果和欣赏环节就无法贯穿起来。自音乐文化产生之初，就能够看出音乐创作和音乐欣赏之间的关系，从最初的口传心授的创作方式到后来乐谱记载的出现，实际上是推动了各种体裁的音乐文化的产生，也逐渐将作曲家、表演者和欣赏者分离开来。无论是过去没有专门的表演者还是表演的职业化，音乐表演的环节是不可缺少的，因此表演者的水平就会影响整部歌剧的展现。

（二）二度创作

表演者将音乐由音符转化为音响，而这个过程并不是简单的一度“还原”过程，无论是在意识还是非意识的需求下，都需要表演者完成二度的“加工”。歌剧表演者虽然依据歌剧脚本和曲谱作为表演依据，将歌剧作者们的意图忠实、准确的传达，但并不是按照作者的指示，简单的将音符复制为音响就完成了表演。对于表演者来说，技巧的娴熟和情感的自如把握都不可缺少，除此外还需要在一度“还原”的基础上进一步加工，赋予歌剧作品以个性，这对于演唱者来说才是成功的。

乐谱是作曲家将头脑中的信息转化为符号记录下来，尽管记谱法的已经十分完善，但这个过程中还是会丢失部分内容，这是因为内心的灵感以音符的形式存在时，不同形式的内容在转化时在数量上不能守恒，乐谱也不能将表演中的生命力纳入其中。当歌剧作品凝结了乐谱和文字转化为音乐时，音符就不再是没有生命力的符号，而是有表现力的声音。准确的说，此时的音乐作品已经不再单单属于创作者，而是经由表演者之手呈现出来。对于欣赏者而言，也正是通过表演者的诠释来得以收获对歌剧的印象。

二、展现“美”的原则

当认识到歌剧演唱者对于歌剧表演而言的重要性后，在研究歌剧表演展现“美”的过程中，就是对演唱者的表演原则进行探寻的过程：

（一）客观与主观的结合

客观所指的就是歌剧表演中对乐谱进行“还原”时所要遵循的事实，歌剧作品会包含历史、背景等客观内容，并且在歌剧体裁下也会受到客观的要求“限制”，因此，在歌剧表演中要展现“美”首先要保证客观的真实可靠，充分了解歌剧作品中的时代背景和风格体现，使作品获得客观内容上的保障。在背景的支撑下，对乐谱进行详细的研究，探寻作曲家笔下的意图。表演者对背景及乐谱的琢磨，为自己的演出提供了强有力的支撑，当然每个人对作曲家创作意图的理解程度都会不同，在真实的客观基础上，会产生不同的主观感受。

表演中的主观因素实际上便赋予了作品展现个性的可能，对于歌剧表演而言，乐谱的存在为表演提供了客观真实，同时也留给了表演者一定的创造空间。人们欣赏艺术品时丰富多样的追求，也就提醒表演者需要赋予歌剧个性的展现。演出者的不同条件使得个性化生成，而个性化的展示正是歌剧每次演出时所展现出的独特艺术色彩。

（二）历史与时代的结合

任何歌剧作品都具备了相对的历史背景，并且融合了创作时的音乐大环境，古典主义时期的歌剧注重的结构和气势，而浪漫主义时期的歌剧则注重线条的浪漫和个性的展现。优秀的表演者应当从历史风格的角度出发，尽可能地把握背景中的风格。通过对历史、风格等相关内容的了解，真切的感受作品中的歷史痕迹。同时对历史的尊重也是在展现歌剧作品的客观真实。当歌剧的表演随着时代的变迁时，面对审美需求、社会环境等意识形态的变化之时，表演者也不能一味的还原历史。表演者也会在时代的影响下，无意识的以新时代的步伐来演绎“旧”歌剧。由此看来，历史还原和时代气息都是歌唱者展现歌剧“美”的原则，在此原则的约束下，才能更贴切的展现出作品的内涵，满足不同时代下欣赏者的需求。

（三）技巧与表现的结合

技巧的运用对于歌剧表演来说是不可缺少的，歌剧中众多唱段的呈现也需要演唱者具备丰富的技巧和能力才能胜任。歌唱者在诠释歌剧作品时，要想充分的将作品内容展现出来，没有丰富的、与之相对的技巧是完不成的。技巧也并不是单纯的气息控制和高音展现，也需要演唱者在审美习惯和心理活动上达到一定水准，才能够驾驭技巧，真正的做到运用技巧而不是为技巧所困。技巧的重要性固然存在，但作品表现也尤为重要。演唱者如果用生硬的技巧来表达音乐线条，就无法赋予旋律灵魂，这样的效果也就不能够引发共鸣，吸引观众。这对于演唱者的要求就是，技巧是表演的基础，而作品的进一步表现还需要情感的注入，丰富作品表达的羽翼，用更饱满的状态来展现音乐的线条。

三、“美”的原则在歌剧表演中的运用

在理论上建立了“美”的原则内容，接下来便是要探寻“美”的原则在歌剧表演中的运用：

（一）从背景着手

歌剧是音乐文化的产物，同时也是时代发展的产物，可以说，歌剧作品的创作实际上就是用音符来记录历史的发展。歌剧离不开历史和社会，这些都能够在歌剧剧本和音乐线条感受的到，为了符合“美”的原则，需要演唱者首先深入音乐史学，在对时期风格和特点的把握上来为表演获得历史支撑。其次，每部歌剧作品的曲作者、剧作者都是处在不同的文化背景、民族习惯和社会环境下，对这些元素的了解过程便是一步步深入歌剧作品的过程。例如，在演唱莫扎特的歌剧时，要在古典主义音乐的大环境中感受莫扎特歌剧的典雅和规范，同时旋律的发展也透露着资产阶级上升时的蓬勃状态，了解这些信息都影响着表演者的歌唱。

（二）从题材着手

歌剧就是一部音乐戏剧，每一部作品都是一个故事。然而歌剧中的脚本并不能够将故事的全部内容都展现出来，对于表演者来说需要熟悉乐谱和熟读脚本同步进行，才能够准确的表现作品。对歌剧中故事情节发展的了解，为表演者采用不同心情和状态来演繹不同状态下的人物提供了依据，人物心理状态的变化和情绪的发展都是推动音乐进行的重要环节。在歌剧中，为了突出戏剧的矛盾，人物的情绪变化会越来越频繁和激烈，演唱者为了“配合”心境的变化，就需要在力度、速度、音色等因素上做出相应的调节，用音乐氛围的变化展现剧情的发展。而在演唱中，对于整个歌剧题材的把握，对人物命运发展的了解，有利于演唱中人物的塑造。

（三）从分析着手

为了再进一步的为演唱提供支撑，还需要对歌剧作品做出相应的音乐分析，对所唱乐段的曲式结构和旋律发展、创作方式进行分析。对作曲家而言，采用何种结构、调式、和声织体，都是有“目的”的行为，每一个音乐元素的存在都是为了实现创作意图的担当。为了能够收获更精确的表演效果，在演唱前对乐谱进行相应的分析是必不可少的。

对于歌剧表演而言，“美”的展现是创作者、表演者和欣赏者共同关注的话题，也是连接三者之间的桥梁。而身居创作者和欣赏者之间的表演者所承担的“责任”十分重大，需要将创作者的意图传递给欣赏者，这个过程中就要秉承着展现“美”的原则号召，完成歌剧艺术的表达。

参考文献：

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[2]杨易和.音乐表演艺术原理与应用[M].安徽：安徽文艺出版社，2003.

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