浅谈绘画中的精神性表达

■裔子君

一幅优秀的绘画作品，应该是真诚的，生动感人的，而打动人的是作品内在或热烈，或沉静，或跋扈，或优雅。散出独特气质的精神。无论是中国画还是西方绘画，透发精神性的优秀作品本身充满着“气”的境像，画面整体的气韵透出画的品格。中国画的“气韵”一直被认为是中国绘画的精髓，画家强调主观的意向表现，通过作品抒发自我和感受，表达一种观念和精神状态。例如，中国清初八大山人的艺术比之常人带有更强烈的感情色彩和复杂的精神内涵，其内心深处的难言之痛与愤懑抑郁，均借画笔曲折的反映出来。他以山水寄恨，“因心造境”，作品意境苍凉凄楚，笔墨沉郁含蓄；他的花鸟画更具中国文人花鸟写意的画风，以极具个性的奇简冷逸风格，抒发了遗民之情。在法国画家巴斯金作品中，画面中的物象被置于一种飘渺虚幻的空间中，人物与环境或实或虚相融合，线条或强或弱断续结合，使得作品有种中国画的韵味。中国画的“写意”依靠笔墨表现的“形”来呈现内在精神，但又是超越了形，画家将自己的情感寄托于所描绘的内容之中，得物象之气韵。从我们所了解的西方近、当代的绘画大师中，如巴比松画家柯罗，印象派的梵高、高更，抽象绘画的画家德库宁等，他们除了考虑画面的内容，更重视画面的形式感。其中抽象画家布莱斯·马尔顿就这样描述：“它就像‘气’穿透身体，形成于画面之上……”只有这样的作品才蕴含着一种巨大的能量和长久的吸引力。在这里也可以理解成是画面的气韵形成了牢牢吸引住观者的强大气场。这气的形成实质上是画家内在精神的外相。

我们通常欣赏一幅作品除了从画面的内容、颜色、表现技法等方面去认识、了解作品，更重要的是通过画面所传达的精神内涵获得高层次的心灵愉悦。一幅绘画作品的精神性除了具备了一定的历史背景下艺术家所受到的社会影响和哲学思想影响外，作为绘画作品本身，艺术家更多是要找到适合作品精神表达的形式感。由此看到，绘画中的精神性需要通过具体的形式语言表达出来。形式的作用和力量最初也是最重要的便是构图，构图是绘画表现的基础，是画家进入下一步艺术创作最为关键的开门钥匙。从构图中就能看到画家的个性及其与众不同处。一位成熟的画家将构图规律与自身意识和经验完美融合，进而就能创作出带有个人风格、具有“新鲜感”的优秀作品。例如，西方当代画家卢卡·托马斯对画面的构图，初始概括简练，继而理性缜密，最终画面构图在整体把握的同时，人物与环境关系恰到好处。中国画家毛焰的肖像作品中，在构图上常采用俯视、仰视一些特殊角度，使画面有强烈的透视感，形成了他绘画风格的语言因素之一。如何使画面的构图新颖独特具有吸引力呢？美国画家贾斯帕·约翰斯的“女人头像”这幅画中，运用图式的原则，找到自己认为最理想合适的构成关系，使画面中的形象鲜明突出而有力度。由此我们看到，构图的独特与成功，可以使画家在表达内在精神时先行找到一扇明亮的窗口。

在现代和当代绘画作品中，画家更多注重绘画本身的语言，很多艺术家为此做了很多探索，呈现出不同的艺术创作方法和观念，展现出“各尽所能”的艺术形态。从他们的作品中看到的是艺术家丰富的精神。例如从现代主义出现后，西方绘画中出现的“野兽派”代表马蒂斯的作品中，画家通过对色彩纯色的运用，粗狂的线条勾勒，构建画面的平衡感几个方面，传达一种纯净和谐的情感感受；随着印象派绘画流派出现，高更以原始的粗重轮廓加强画面的平面感和稚拙感，意在表达自己充满激情的绘画纯粹性；画家劳特雷特则以变形扭曲的形象表达内心的苦痛；蒙克用强烈、悲伤、压抑的画面情绪给我们带来的是动荡不安；梵高用神经质的笔触燃烧了自己的生命。当作品中的精神得以准确的表达，作者与观者通过作品达到某种精神契合时，这幅绘画作品就充满魅力。我们知道，艺术家在进行创作时需要收集、积累某一特定精神意识范围内的各种信息，这里面有对声音，图像，色彩等的感知经验，还有情感上的喜悦、悲伤、颓败等情绪经验和对生命的理解与认识，综合所有，沉淀、剔除，再确立一种符合自己思想意识的艺术表现手段，在一切手段中，不仅需要有好的构图，适合的形式，娴熟的技巧，敏锐的观察，丰富的情感，深厚的人生积累，更重要的还要有绘画的纯粹和天才的感知。由此最大限度地使所塑造的形象具有更宽广的精神容量。