蝶变：从意象写实到心灵表现

吴永强

人物简介

唐高明，1966年生，四川人，画家，西华大学艺术学院教师。在国画、水彩画、油画领域均有较深造诣，其作品多次参加展览，并被央视新闻联播、美术心空及多家媒体报道。代表作品有《新一页》、《亚洲雄风》、《流金岁月》、《夜未央》系列、《时尚元素》系列等。

如果我们要给尘世中的幸福人生寻找一个依靠，莫过于兴趣和职业的统一。唐高明就是这样一个幸福的人。他是一位大学艺术专业教师，又对艺术创作怀有不知疲倦的热情，他的生活伴随着艺术，艺术成为生活的一部分。可是，这并非一种寻常的幸福，其中，欢乐是磨难的结局，轻快是愁思的终点，甜蜜的宁静和至福的喜悦总是在阵痛和挣扎之后……但正因为如此，唐高明获得了深刻的幸福。今天，通过他的作品，我们将能分享到这种幸福。

也许是出于职业习惯，唐高明以近乎做学问的态度来对待艺术创作。近20年来，他游历乡野，体验城市，眺望众生，反观自我，围绕风景、静物和人物的母题，不断进行尝试和探索，先后创作了《流金岁月》、《小镇流光》、《我的2007》、《夜未央》等数个作品系列。对他来说，每一个系列都包含着一个值得研究的课题。它们是对历史与人文的探察，对自然之美和人生光景的透视，更是对艺术表现力的求索。他从古今中外的艺术资源中开掘宝藏，多方试验油画媒介的耐受力。他的一个又一个系列作品，无不代表着一次又一次极限实验。最近一个时期，他痴迷于从中国水墨画中吸取灵感，用书写的笔法、“墨分五采”般的色彩处理来变动油画语言。最近展览所推出的新作，便是对其成果的展示。这些作品充满如水的灵韵，散发着东方文化的气息，代表了其油画创作的新境界。

唐高明之能将艺术创作待之以学术态度，其中有一个基本主题，那就是在个体经验的独特性与艺术的普遍价值之间求取平衡。他相信，艺术家的心灵表现并不等同于自私自利的个人宣泄；能否引起他人共鸣，不仅是艺术的道德责任，也是艺术家的能力所在。在这种立场上，他孜孜以求于驾驭油画语言的自主性，听到了艺术个性的召唤。

可是，这并不意味着唐高明的艺术是唯唯诺诺地讨好观众的产物。要是把从前的作品系列和今天展出的新作串联成一个时间序列，我们可以看出，他的创作历程其实是一个从意象写实向着表现主义蝶变的过程。今天展览的新作见证出，到了最近一个时期，其表现主义动能已经蓄积已久，势在必发了。就算我们把这些作品命名为“激情系列”，尽管用词单调，也可能并不过分。我们看到，在渐离写实而趋近雄浑的同时，这一批作品与东方艺术精神更深地融合了。但正如画中的书写性笔法并不等同于书法一样，画中的色彩并未被传统笔墨体系所拖累。相反，它们利用了水墨，也解构了水墨，其结果仍然在油画语言中站稳了位置。更重要的是，这种超越文化、沟通古今的生气勃勃的油画语言，始于激情又通向激情。走近这些作品，我们将被迫感到，不论是人物、风景还是静物，只要为画面所捕捉，就不得不被艺术家的激情所感化，整个地变幻为心灵的音符。它们或者汇入澎湃的乐章，使人因听到天地齐唱而热血沸腾；或者引动空灵的回声，让人迷失于行将远去的事物的魅力。原来，艺术越是充满激情，就越能感动人心，越能引起广泛的共鸣。这是一个在当代艺术世界中被有意遗忘的道理，唐高明的艺术让我们记起了它。

对话艺术家

唐高明： 我的画更接近表现主义

艺术，是一种精神的指向，画画，是一次生命的追求，绘画创作和艺术教学是我的生活状态。”这是画家唐高明的座右铭。

“情至景生，此景非彼景，艺术家笔下的风景，或多或少会留下个性的烙印，折射出自己的影子，至此，将自然入理和将自然入情，让风景画变得合情合理，是艺术家面对的两大课题。”唐高明的朋友曾这样说道。

唐 = 唐高明 投 =《投资客》杂志

投：看完您的画作，内心有点澎湃，看您的作品有种拥抱山水的感觉，请问灵感从何而来？

唐：这批作品主要是2012年进行的写生创作，要说灵感，可能来自于对自然的感动，可谓“师者造化”，这也是我这次个人专题画展的主题。

投：看了您的风景画想到了高更谈颜色的奥秘时说过的一段话：“树木应当是什么颜色？你看到多多少少的红色吗？很好，在画面的那个地方放上真正的红色。那么影子呢？假如在那儿有一点蓝色就好了。那么你把调色板上最漂亮的蓝颜色放到那儿去！”您的画作上有三原色红、黄、蓝能调出的每一种颜色，谈谈您用色的奥秘吧？

唐：我认为色彩来自于自然，来自于学习的经验，来自于内心的认知与感悟。我的这些作品画面的色彩，就是这三者自然而然的流露，是用艺术理念和绘画技巧来驾驭控制色彩的，而不是有意去设计与铺张——除了形式因素之外。

投：从西方到东方，“画派”一直是一个对号入座的讨论，请问您认为自己属于或接近于哪种画派？为什么？

唐：从我比较注重中国画式的意蕴表达方面来讲，我的油画恐怕比较接近“表现主义”的范畴，意象的特征介于具象与抽象之间，是一种心象的昭示。

投：您的这次展览有《江山如画》、《这山这水》、《这边风景》、《叠溪印象》、《花语》五大系列共63幅作品，这些作品大概花了多长准备时间？您最得意的系列或作品是什么？为什么？

唐：尽管这些只是去年的作品，但如何表现川西的山水和画室的静物，多年来一直是我思考的问题，直到两年前才逐渐清晰一种艺术思路，就是如何用油画的语言表现中国画的意味。这些作品经历了大概三个阶段：倾向于写生的山水写意；追寻中国画元素的对自然对象的情感诉求；探索形式感平面化的写生创作（静物）。每个阶段自成体系又相互联系，抒情写意的线索贯穿着整个过程，有着十分明显的特征。而每个阶段都有一些比较满意的作品，代表着我那个时期的艺术面貌。当然每个人有不同的兴趣点，这也很正常。但总的说来，尚未达到我所期待的最终理想，因为这条艺术道路还要继续。

投：您怎么看待当前的“艺术圈”的大环境？对此持什么态度？

唐：尽管当前艺术界遭受金融危机的冲击，出现艺术淡季的消极状况，但这恰恰给曾经缺乏理性的艺术市场一次冷静的机会。“危机“本身暗藏机会，相信今后的机会来临时，艺术市场就会真正成熟起来，而这次机会是给能够坚持的真正艺术家准备的。所以，艺术家不要过于市场化，他应该始终追寻自己的艺术理想，这样才不会被市场所左右。

投：您觉得中国艺术圈与国外艺术圈对比有什么不同之处？以及你觉得艺术圈存在哪些问题？

唐：中国艺术圈更注重拉帮结派，特别在当代艺术圈里表现尤为明显。很多艺术家是靠一个圈子“混”出来的，而其中“炒作”的嫌疑更大，艺术批评一般都不是客观的评价，这是一个不争的事实。而西方的艺术家群体是一种自然集结的“圈子”，有着共同的创作理念和艺术追求，虽然也有艺术批评的参与，但不是一味的吹捧。

投：您在创作前有没有考虑艺术品市场这个因素？为什么？

唐：说实话，当前一个艺术家不受市场影响几乎是不可能的，我曾经也为此苦恼过。但是，痛苦之后我才发现这样一个悖论：艺术家越是追逐市场就越容易被市场抛弃。所以后来我更关注自己的内心，这样画来反而是愉悦的、顺利的，至于是否得到市场的认可就显得相对不那么重要了。我这次展出的作品，没有一件是应对市场的结果。

投：今年春拍大多已经落下帷幕，您怎么看待今年的春拍？对自己以后的作品风格有没有指示性的影响？

唐：任何一场艺术拍卖会，都只是对过去或当前艺术作品的市场反映，对于今后的艺术市场走向没有根本性的指导意义，因为艺术的未来是未知的，根本无法预测。况且一件艺术作品在市场的成功与否，与艺术作品本身的价值是不能等同的，这里面的因素很多，其中虽有必然性，但也不乏偶然的因素，所以不必过于在意市场的暂时情况。只是今年“春拍”的情况具有特殊的意义，当代艺术几乎集体滑铁卢，只能说明过去做得过分了，过犹不及，必须拨乱反正，但不能全盘否定当代艺术的积极意义，这是需要冷静对待的。因此，对于我今后的艺术风格来说，谈不上什么指导性，目前艺术品市场，对我没有决定性的影响。