以构图为切入点，提升高职高考学生绘画能力

绘画，作为八大艺术形式之一，在艺术的广阔天地中扮演着举足轻重的角色。一幅画要如实表达出绘画者的内心想法，达成某种意境，必须要在构图上下功夫，即“谋篇布局”。掌握正确的构图方法，首先要在脑海里有一个初步的构思，怎样完整地在画面中规划物体所占据的位置，理清主与副、远与近、高与低、大与小的关系。部分学生在绘画中不重视构图，缺少方法，随意性、不稳定性居多，就会出现画面构图不完整、不和谐的情况。因此，笔者在指导学生参加高职高考美术绘画的教学中，非常重视以构图为切入点，扎实有效地提升学生绘画素描静物的能力。

一、把握构图的基本要素

（一）找准比例关系

绘画作为视觉艺术，其画作的完成度高低以及艺术性均由画面所呈现的视觉效果来体现，这与构图有着直接的关系。对于本文着力探讨的素描静物而言，人们所熟知的绘画构图标准要求不能完全套用。我们对职业高级中学的学生主要是针对美术高职高考的特点而提出要求。首先，要根据考试用纸的大小来考虑如何充分地利用空间。以高职高考考证的要求八开素描纸为例，如果考生不会充分合理利用纸张的大小来确定比例关系，考卷就会在画面视觉感上大打折扣。在构图中静物的大小，主体物的位置，要按照构图的布局，巧妙地规划好。正确的比例关系可以通过比较的方式，如在绘画时拿起一支笔，伸直手臂，闭上一只眼睛，沿笔尖瞄准，用大拇指定点，进行正确的测量，高低、大小、比例的对称，初学者如果没有进行正确的测量，就会凭借自己的直觉基本判断画出来。

为了帮助学生更好地掌握这一技巧，教师可以设计一系列练习，让学生在不同的光线条件下对同一组静物进行多次绘制。通过这种方式，学生能够体会到光影变化对物体形态和比例的影响，从而更加精确地捕捉到静物的精髓。同时，教师还可以引导学生观察生活中的各种物品，鼓励他们尝试将所学的比例关系应用到实际创作中，以此培养他们的观察力和创造力。

此外，为了更好地激发学生的学习兴趣，班级可以组织一些与素描静物相关的活动或比赛。例如，举办一场以“寻找生活中的美”为主题的素描比赛，让学生在校园内外寻找自己心仪的静物进行绘制。这样的活动不仅能够提高学生的绘画水平，还能让他们在实践中感受艺术的魅力。

（二）找好明暗关系

要绘画的客体即物品，在光线的照射下会表现出明暗不同。美术学上把光线照射的一面称作“亮面”，与之相对的背光面则称作“暗面”，其侧面受到光线照射的为“灰面”，即美术学上所称的“三大面”。“五大调”概念进一步细化了这些要素，具体表现为：亮面、灰面、明暗交界线、暗面和反光；亮面、灰面、明暗交界线、暗面和投影。人眼最多仅可以观察到一个圆形物体中的三个暗面。物体中的每个形状都在光的直接照射条件下产生明暗关系，分别是黑、白、灰，它们代表颜色的深度。通常是我们在刻画出每一个射光物体面的具体位置时，还要考虑光的反射。也就是说，光由于产生对射光线面上反射的同时还会被直接作用射到阴暗面物体上的另外一部分，这样就形成了“反光”。当大比例关系处理好后，有些学生没有分清明暗关系就直接在画面进行深入刻画，这就会影响绘画的效果。若想要最大程度地完成作品的刻画，则需要绘画者对明暗关系有较好的理解和把握。

例如，在描绘一个苹果时，首先要确定光源的方向，然后根据光线的角度来确定苹果的亮面、灰面和暗面：亮面是光线直接照射的部分，颜色较浅；灰面是光线间接照射的部分，颜色适中；暗面是光线照射不到的部分，颜色较深。同时，还需要注意苹果表面的反光效果，以及苹果与背景之间的明暗对比。通过仔细观察和分析，我们可以更好地理解明暗关系，并在绘画中准确地表现出来。

（三）深入刻画

当与画面构成的各大关系全部处理协调好了之后，就将进入下一个深入观察刻画细节的阶段。高职考证素描的考试准备时间一般为两小时，在时间相对比较短的备考时间段内，要先完成一幅相对比较深入观察的素描作品，难度还是有点大，而且高职高考考证还需分等级（A、B、C、D、E、F），本科是需要A、B、C这三个等级。因此，笔者非常重视引导学生深入地刻画时，继续强化主次大关系、软硬、松紧、融合、反衬等其他诸多微妙关系，以及物体内部各种固有色和质感。

在这个阶段，笔者会特别强调学生要对每一个细节的把握。例如，对于人物肖像素描，笔者会指导学生注意眼睛的神采、嘴角的微笑弧度，甚至是头发丝的流动感。这些细微之处往往能够赋予作品生命力，让画面“活”起来。同时，笔者也会指导学生如何通过光影的处理来增强立体感，使得作品更加真实可信。

为了帮助学生更好地掌握这些技巧，笔者会组织一些模拟考试，让他们在规定的时间内完成一幅作品。这样的练习不仅能提高他们的速度，还能让他们学会如何在压力下保持冷静，发挥出最好的水平。此外，笔者还会定期举办作品点评会，邀请身边富有经验的美术专业名师来对学生的作品进行点评，给予专业的建议和指导。这样精细且全面的训练，能够帮助学生不仅在技术上有所提升，更能在艺术修养和审美能力上得到全面的提高。

（四）调整画面

在具体的绘画实践中，绘画者必须对整体画面关系进行把握。即便行笔到最后，也需给予画面调整一些关注。例如：呈现事物的画面的高光对比度是否强烈，交界线是否明晰；静物素描时的罐子和水果明暗关系是否突出等。这些细节都需要仔细考虑。在处理受光面中的暗部和亮灰面的对比时，前后空间和形状的表现尤为关键。这时候就需要整体大面积调整，使画面的明暗效果更强烈一些。对于绘画来说，考生不能急于求成，操之过急，最主要的还是要根据教师讲的步骤进行反复练习，把方法寓于实践中，掌握精髓。

总之，绘画不仅仅是一门技术，更是一门艺术。它要求绘画者具备敏锐的观察力、丰富的想象力和扎实的基本功。绘画者只有不断地实践和探索，才能真正掌握这门技艺的精髓。

二、吃透构图的原理

（一）变化与统一

万事万物都处于运动之中，运动则意味着变化，这是事物的根本属性，但“万变不离其宗”，即万般变化都有相对静止的时候，会寓于某一典型形式规律里，这种运动与静止、变化与统一构成了事物对立统一的辩证关系。既要变化来制造对比，形成差异，出现起伏，追求新意；又要用统一协调缓和矛盾冲突，体现共性，两者几乎同时反映了人类内在组织结构方面的最高度同一性特征——和谐稳定。稳定感源于人类眼睛在经过长期注视或观察后自然适应状态过程中自发形成出来的另一种有关自然的视觉习惯和有关自然的视觉审美观念。自然而然，绘画者在毫无保留地体现出个人创作风格的同时，也需“带着镣铐跳舞”，不能有悖于人们约定俗成的“美感原则”。变化与统一不能平均，平均分配虽使构图效果可以很清晰稳定，但有时它会缺少一种美的变化，所以构图最忌讳的就是平均分配画面。对于构图中的“变化与统一”原则而言，我国古代很多经典宫廷建筑就是这方面的最好说明。这些建筑跟人一样，也讲究中正对称的哲学，这种最直接的视觉上的对称其实还是变化远多于对称。所以，统一构图虽为构图设计的一个重要准则，但它实际运用相对较少，如果使用多了就会产生千篇一律的感觉，显得生硬呆板。

（二）关于对比

在艺术创作中，对比手法是一种常见且重要的技巧。无论是文学、音乐还是绘画，创作者常常利用对比来增强作品的艺术感染力，使主题更加深刻和升华。例如，文学作品中的人物与环境的对比，音乐作品中低沉与激烈的对比，都是通过这种手法来实现的。在构图方面，对比手法同样发挥着重要作用。通过对比，可以突出中心，强化主题，使观众更容易理解作品的意图。对比有三种主要形式：一是形状的对比，如大和小、高和矮、胖和瘦、粗和细；二是色彩的对比，如深与浅、冷与暖、明与暗、黑与白；三是灰与亮的对比，如深与浅、明与暗等。学生在画一幅作品时，既可以运用单一对比，也可同时运用多种对比。需要注意的是，对比的方法虽然容易掌握，但也不能生搬硬套，牵强附会，更不能喧宾夺主，让对比成为作品的主角而忽略了主题的表达。因此，在使用对比手法时，需要灵活运用，根据作品的需要和主题的要求，巧妙地运用对比，使作品更具艺术感染力。

（三）关于视点

作画时，眼睛所处的位置被称为“视点”，这通常是指人的眼睛在观察物体或阅读时所看到的清晰点，也称为“注视焦点”。教学时，笔者紧扣视点构图，将学生的注意力吸引到画面的中心点上。为了让学生全面理解视点并恰到好处地运用到绘画之中，笔者还想方设法领着他们联系生活实际，把视平线、地平线、水平线吃懂吃透。笔者以视平线为例，通过视点看出去的一条与视点同高低相平行的水平线为视平线，这条线在画面中区分物体的上下方位。有时用人眼直接观察，感觉不到相差的距离，似乎是在一个平面上，但拍成片子后，远一点的物体就显得小了许多，这是因为透视所起的作用。

为了帮助学生更好地掌握这一概念，笔者会带他们进行一些实际操作和练习。例如，笔者会让他们站在不同的位置观察同一个物体，记录下他们所看到的变化，然后回到教室进行讨论和分析。通过这种方式，学生可以更直观地理解视点和视平线的概念，并将其应用到自己的绘画作品中。

此外，笔者还会引导学生观察生活中的各种场景，如街道、建筑、人物等，让他们尝试从不同的视点去描绘这些场景。这样不仅可以锻炼他们的观察力和绘画技巧，还能培养他们的想象力和创造力。

总之，教师要善于运用各种教学方法和手段，帮助学生深入理解和掌握绘画中的视点概念，引导他们在实践中不断探索和创新，从而提高他们的绘画水平和艺术修养。

三、活用构图的形式

物体按照一定的形式组合在画面上，并达到一定的视觉效果，称为构图的形式法则。人们根据事物的整体特点，总结出了几种基本的构图方法，即圆形构图、三角构图、四边形构图、水平式构图、“S”形构图等。较为常用的是三角构图，稳定，实用，主次搭配较合理；“S”形突出变化，适用于竖构图。

（一）四边形构图

四边形构图没有三角形构图那样稳定，但是却比多边形构图多了一份舒适感。这跟四边形的自身形状特点不无关系——角度分明，这样一来把静物有主有次地布置在每个角，整体会呈现出“变化统一”的画面效果。四边形的边越多，构图就越接近圆形构图。例如，学生小玥采用了四边形构图，将几件日常物品巧妙地安排在画面的四个角落。她选择了一个花瓶、一本《牛津高阶英汉双解词典》、一支英雄牌钢笔和一块手表，每件物品都承载着不同的故事和情感。通过这种构图方式，作者不仅展现了物品之间的和谐与对比，还赋予了画面一种动态的平衡感。尽管没有三角形构图那样的稳固性，但四边形构图却为观者提供了更多的想象空间，仿佛每个角落都隐藏着一个未完待续的故事。

（二）三角形构图

三角形自身所具有的稳定性也常被绘画者所利用，因此这种三角形构图是很多绘画者所借助的手法。静物画中把物体分别放在前后三个顶点线上，画面结构稳定，主体色彩突出，层次关系明确，错落有致，适合于静物数量变化较少画面的组合。在物理学的力学中，三角形被视作非常稳固的结构，从这种稳固的结构出发，人们把它应用在很多方面。比如绘画的画面呈现中，从不同方向统合的三条边会使画面表现得比较稳定，避免失衡失重造成美感的流失。

例如，学生小兰采用了经典的三角形构图法创作一幅静物画：画面中的三个顶点分别放置了一个古老的地球仪、一束新鲜的百合花和一本敞开的画册。她精心挑选了这些物品，不仅因为它们的形状和颜色相互衬托，还因为它们对她个人有着特殊的意义。三角形构图不仅为她的作品带来了物理上的稳定性，也在视觉上形成了一种强烈的焦点。观者们的目光自然而然地被吸引到这三个关键点上，感受到了一种秩序与和谐之美。

（三）水平式构图

水平式构图使画面安定、平和，可以增强画面的稳定感。在绘画者的实际创作中，使用水平式的构图经常体现为：画面中的所有单独事物是处于两个或多个画面结构之上，在整体的偏下或者偏上。这种减少了纵向的空间层次可以使画面整体空间变得和谐充盈。各个物体之间都需要在其整体形状、大小、高矮、颜色浓淡、干湿等关系上能相互形成一个对比，同时画面中间也特别要注意安排一个比较好的空间位置，形成一个前后对称的画面空间层次。例如，笔者指导学生小泽采用水平式构图来描绘一片宁静的海滩景象。他将画面分为上下两个部分，下半部分是细腻柔软的沙滩，上半部分则是广阔无垠的天空。在这两个层次之间，还巧妙地安置了几艘小船和远处的地平线。这种构图方式让整个画面显得平静而宽广，给人一种时间静止、舒适安逸的感觉。观众的视线会在画面上自然地从左至右移动，感受到一种平缓而流畅的节奏。

（四）圆形构图

圆形构图就是让静物在画面中围成一个圆圈。它饱和有张力，给人以一种自然旋转、运动和收缩的视觉与审美上的效果。当绘画时纸张放大，圆形画面也适当地被拉长时，就会逐渐自动地变成了椭圆形。椭圆形画面由于构图和形式上都会采用比较宽大或者瘦高些的横幅，它自然就会有一个的静态效果，同时画面也因此还具有较为明显的整体感。

例如，笔者指导学生小雅运用圆形构图来绘制一幅家庭团聚的场景。画面中心是一个大圆桌，围绕着桌子是一家人欢笑的脸庞。她精心安排了每个人的位置和姿态，确保他们的眼神和动作都聚焦于桌面中央的花盆上。圆形构图带来了独特魅力——不仅彰显出家庭的团结和凝聚力，还在视觉上产生了一种温暖而亲密的氛围，让每一个观看的人都能享受那份温馨和幸福。

（五）“S”形构图

“S”形构图方法，直观地体现其自身形状特点——大致由四个点组成。这种形状上的波折起伏自身便带有浓厚的节奏感，从而使其具有层次感，但不应该在追求层次感的同时，违背画面整体的平衡感。

例如，在一次户外写生活动中，学生小林发现了一条蜿蜒曲折的小溪，这激发了他尝试“S”形构图的想法。他决定将这条小溪作为画面的主要线索，让它引导观者的视线穿梭于山林间的每一个细节。小林巧妙地利用了小溪的弯曲形态，创造出一种流动而动态的视觉效果。为了避免破坏画面的平衡感，他还精心安排两岸的风景元素，确保它们既能衬托出小溪的美丽，又不会抢夺太多的注意力。最终完成的作品不仅展现了自然的韵律美，也体现了他对构图技巧的深刻理解和巧妙运用。

在绘画艺术的殿堂里，构图是支撑起整个作品灵魂的脊梁。它不仅决定了画面的布局与结构，更是绘画者情感表达和审美追求的直接体现。笔者在引导学生探索绘画艺术的过程中，尤为注重培养他们对构图规律的敏感度和创造力。通过对作品的深入指导与剖析，促使学生不仅能学习到具体的构图技巧，还能领悟到作品背后的深度思考和情感表达，并且能学以致用，将自己的情感体验与审美喜好融入自创的画作之中。此外，笔者还强调跨学科的学习与融合，鼓励学生从音乐、文学等不同领域汲取灵感，丰富自己的艺术视野。

总之，构图作为绘画艺术的核心要素之一，既是技术层面的基石，也是情感与思想的载体。在教学的征途中，教师不仅要引导学生珍视并传承那些历经时间考验的构图法则，还要善于创新，让每一笔、每一线、每一点都绽放出个性与智慧的光芒。

责任编辑 朱守锂