我画油画的心路历程

王元珍

每个画者，从小喜欢画画时，都有一个兴趣点，有的喜欢画风景，有的喜欢画人物，这个兴趣点往往会影响一生。我从小拿起笔画画时，就是喜欢画人。可能因为是女生，所以爱画想象中的公主。小学时，我们几个爱画画的女同学聚在一起，公主、芭蕾舞者……就是我们画中的内容。偶然的一天，我在新华书店看到了苏联画家茹柯夫的画册后，立即被深深地吸引住了，他笔下的儿童生活场景，生动、鲜活、感人，我当即买了一本，爱不释手，一直珍藏至今。茹柯夫画册成为我的范本，成了那时我对现实写生的启蒙老师，让我对现实人物感兴趣，并开始尝试画些速写，这些小时候初始的兴趣点影响了自己以后的绘画历程。

我十分幸运，从一个绘画爱好者，考上中央美院附中，开始了专业的学习，然后又升入中央美术学院油画系，逐渐成长为专业人士，毕业后又被分配到天津美术学院任教，一直没离开过专业学院环境。

在美术学院的专业教育形式多是以写生为主要课程，我在美院附中及中央美院的大量写生课程中收获了我对写生所具备的各种能力。我很喜欢写生，因为面对实体对象时能将自己的感受激发出来，用心去感受，用笔不受拘束，不在细节上纠结，有一种一气呵成的痛快，大量的写生是积累造型能力和色彩能力的基本手段，也是画家成熟的必经之路。

从20世纪60年代到80年代，我的作品形态多是写生，特别是分配到天津美院后，老师们经常聚在一起画模特，几乎占据了我所有的课外时间。老师们关系融洽，画画时精神放松、愉快，作品随性、生动，现在看到这些作品还能回忆起当时的感受与激情。

记得在80年代末，一位台湾高格画廊的画商来到天津美院我们画室，看到我有些作品的幻灯片时，淡淡地说：“这些画还在吗？我全要了……”我听到后，感到有点蒙，不知是高兴，还是什么，但是记得当我在拆卸一幅幅画作时，不自觉地流下眼泪，那种心情难以形容，我把它们卖了，卖了那个阶段我的心血，因为那时我需要一笔钱去美国（图1、图2）。

图1 王元珍 着蓝毛衣运动员 布面油画80×65cm 1981年

图2 王元珍 白衣少女 布面油画84.5×65cm 1980年

20世纪90年代以后，我逐渐离开写生，那时认为写生只是训练造型与色彩基本能力的过程，只是“习作”，最后还应落实到创作中来。因为我一直对人物感兴趣，觉得画肖像不应只注重外在笔触的潇洒与舞动，而应注重人物的精神传达。

记得那个年代，国内正在流行“深背景”样式的风情画，我受影响也画了两三张深背景的肖像画，只是没有情节。后来，遇见一位台湾画商说：“你的人物画得好，但是过于肖像化了，不好卖，因为家里有个太太，不能再买一个太太回家……”他让我在画中加些情节、加些花色等，说这样好卖些。我听到后，内心有些反感，于是，不但不加，反而减，减背景、减色彩、减花纹……画了一批身着白衣裙的女孩，力求用单纯、宁静、清纯的人物本身来打动人，不让任何人物以外的因素（色彩、情节、图案等）来影响观者的视觉感受。因为作品只靠形象本身打动人，因此，我对肖像画的人物形象选择十分挑剔。

很多人知道我爱画女孩，给我介绍了不少女孩当模特，我看到后，感到大多不是我所希望的形象，我内心追求的形象是东方女孩的美，而不是浓眉大眼的漂亮，希望画中女孩的样子是：看着朴素，但气质高雅，眼神单纯但又不失深邃，宁静的外貌却能不知不觉地感染人的内心。这也是我的精神追求和内心的寄托。因此，每当我找到心仪的形象后，就像找到了情感寄托，画时很用心，对人物的每个眼神、每只手的刻画都投入了情感。

在那个时期，画界都在追求变革、创新，我却完全沉浸在自己营造的天地之中，似乎忘记外面的缤纷世界，只想在这热闹的大千世界里为自己寻找一块宁静的空间，不求“出新”，但求“入心”。

1995年，我画了油画作品《凝神》（图3）和《凝视》，这两张作品很好地代表了当时我创作这个白色系列的初衷，将纯净、清新的东方女性内在美传达了出来。好的肖像画能走进人的心里，洗涤心中的烦恼。这两张作品1995年参加全国“中华女画家”邀请展，在中国美术馆展出，其中《凝神》被中国美术馆收藏。

图3 王元珍 凝神 布面油画 116.7×91cm 1995年 中国美术馆收藏

1996年画了《莞儿（之一）》（图4）。这张作品受中世纪神坛画影响，想表现画中人物的冷峻、矜持，我在画中强调人物外廓的整体性，减弱人物外在的明暗对比，但对内在形体结构的细微变化依然准确地表达出来，人物神态追求含蓄、内敛，想达到一种超凡脱俗的感觉。这张作品参加了中国油画学会举办的第一届“中国油画展”，在中国美术馆展出。当时有人想收购这张画，我没同意，因小莞（我的女儿）说这张将来送给她作嫁妆。

图4 王元珍 莞儿（之一） 布面油画72.5×60cm 1996年

1996年这期间我还画了《屏风前的女孩》这幅作品（图5）。在中式屏风前坐着一位纯净的东方女孩，她黑发、白裙，表情平静、淡雅，给人一种清新脱俗的感觉。在画中我减弱了人物的脸部、形体、衣纹的明暗对比，使人物整体更显一体化，整张画概括起来，视觉上只存在黑、白、灰三种关系，黑发是画面中的黑，背景屏风是画中的灰，人物脸部与裙子是画面的白，整张画色彩单纯又不失内在细微变化。这张作品1998年受邀参加“世纪·女性”画展，在中国术馆展出，被展览有关方收藏。

图5 王元珍 屏风前的女孩 布面油画 100×81cm 1996年

我画了这批着白衣女孩的画，自己比较满意，也得到了大家的认可，作品有的参加了全国性的油画展，有的被中国美术馆收藏，有的被私人藏家收藏（图6）。

图6 王元珍 着白衣裙的女孩 布面油画 l25×100cm 2007年

因为我对人物形象选择过于挑剔，很难遇到心中要求的模特，2000年后，我逐渐放弃了原有画肖像的固定模式，开始追求以经营画面为主，人物只是画中的一个因素，并非唯一因素，画面追求装饰感和形式美。但画中依然保持了油画所需要的光影、色彩、虚实空间等因素，区别于一般的纯装饰画。

那时候很喜欢法国纳比派画家维亚尔，他将平时生活场景都变成画，色彩既协调又丰富，画中用笔生动、自由并带有装饰感，有声有色的画面让人感动。记得在美国看到维亚尔画展时的情景。当我进入展区时，不自觉深深吸了口气，屏住了呼吸，却不知何时将那口气吐出来，心里默念“太好了”，激动得舍不得离开，反复看了几遍，并把展览会上他的宣传小图册拿了好几本，回津后分发给了同学。

2000年后，开始尝试画一些带装饰因素的油画，《清闲》（图7）这幅画是我转型后的早期作品。人物身着带条纹的长裙，坐在长凳上，靠着两个有暗花的坐垫，这些都会给画面增加装饰感。整幅画是温暖的灰黄色调，协调统一，人物动态闲散自然，用笔轻松、随意。这幅画参加了嘉德拍卖，被藏家收藏。

图7 王元珍 清闲 布面油画 73×60.5cm 2000年

2003年，我又画了作品《长围巾》（图8），人物披着格子图案的长围巾，坐在沙发上，身穿横条的毛衣，沙发靠垫的红花图案……都在全画中起着装饰作用，对人物的脸与手只是寥寥几笔，没有深入刻画，整个画面用笔放松，为的是突出长围巾在画中的主导作用。

图8 王元珍 长围巾 布面油画 80×65cm 2003年

这幅画参加了中国油画学会举办的“第三届中国油画展”，在中国美术馆展出时，靳尚谊先生看到作品后说：“你能把脸部再深入刻画些就好了。”虽然这张画已无法改变，但在以后的画中我注意吸取了靳尚宜先生的意见。其实我自己也感觉到那些作品并不是自己的擅长，所以对那个阶段的作品大多并不太满意，到底不是维亚尔，不能把生活里的场景点石成金。

在2009年后，我开始画“青花系列”作品，因为我一直对蓝白色组成的图案感兴趣，记得年轻时就喜欢民间的蓝印花布，上学时还用印花布做了衣服，兴趣一直延续到现在（图9）。国内服装设计师把青花瓷的蓝白色运用到服装设计上，周杰伦用青花瓷创作了歌曲……说明了大家的共同点。

我开始用蓝白色来组织“青花系列”的画面，不用或少用其他颜色，使整个画面色彩单纯，蓝白色的图样繁而不乱，但又不失层次感。系列画中的人物形象吸取了靳尚谊先生的意见，保持了最早作品中对脸部细致刻画的优点，只是舍去了明暗，走向平面化，加强画中花色图案的装饰效果。这一系列的作品，用笔放松，不求精细，衣服刻画粗犷，并略带有线条感，精神传达保持一贯的要求——清纯、高雅，要给人一种清新脱俗的感觉。

《青花（之二）》这幅作品中的人物弯腰坐在椅子上，转脸看着观者，旁边是盖着桌布的桌子，桌布上的花与大叶图案起着装饰作用，远处是印有小花纹样的窗帘，桌布与窗帘依层次推远，为了突出近处女孩的脸及穿的白衣，使之成为全画的中心点，女孩平静、淡雅的表情刻画细致。画中虽然有装饰桌布，但画面依然传达出宁静的气氛。

2016年画了作品《青花（之五）》（图10），此画中的沙发、靠垫、地毯等都是由不同的图案组成，整张画被蓝白色的图案包围，为长发白衣女孩起到了烘托作用，画中笔触多用斑驳的圆点，避免简单的平涂，使画面显得厚重、丰富、繁而不乱，并增加了油画整体的趣味性。

图10 王元珍 青花（之五） 布面油画 125×110cm 2016年

纵观一生的作品，从开始的写生到最后的创作，无论是单纯的肖像画，还是后来加入装饰因素的“情趣画”；不论是严谨地塑造形象，还是放松地描绘画面，清新、高雅、简约是我一直保持不变的精神追求。

大自然像丰富的自助餐，每个人选择自己感兴趣的东西吃，不可能把自助餐中所有的食物都吃了，肚子装不下，也会不消化。画画亦是如此，选择自己感兴趣和能理解的人和事去表达，作品不一定都能做到尽善尽美，但一定要尽心尽力。