中国画色彩中的情感表达

陈晓萌

摘 要：中国绘画发展至今，内容丰富，底蕴深厚，技法多样，在表现层次、蕴含造诣上都具有相当的艺术深度。在现代艺术中，利用中国画的色彩来表达自己的情感， 是一个非常有意义的方法。我国绘画中的色调能够给人以强烈的视觉冲击， 从而形成了思想与情感上的碰撞。文章从中国绘画色彩发展的角度，对“意境”与“情感”的表现作了较为详尽的论述，以期使有关专家进一步认识到“中国画”的“色彩”，发掘“中国绘画”的更深层次的价值，推动中国绘画艺术的全面发展。

关键词：中国画；色彩；情感表达

Abstract： The development of Chinese painting so far， rich in content， profound， diverse techniques， in the levelof expression， contains attainments have considerable artistic depth. In modern art， using the color of Chinesepainting to express their own feelings， is a very meaningful way. In our country painting the tone can give thehuman with the intense visual impact， thus has formed the thought and the emotion collision. From the perspectiveof the development of Chinese painting color， this paper discusses the expression of "Artistic conception" and"Emotion" in detail， in order to make the experts more aware of the "Color" of "Chinese painting"， to explore thedeeper value of "Chinese painting" and promote the all-round development of Chinese painting art.

Keywords： Chinese painting;color;emotional expression

0 引言

色彩可以加深画面的主题，渲染画面的氛围，激发人的思想感悟。色彩是中国画发展的一个重要方面，它对推动中国画长期、持久的发展起到了不可取代的作用。所以，在未来的发展过程中，必须正确地认识到色彩在画面中的情感表现，并不断吸取、借鉴、完善、创新。要使色彩的价值和功能得到充分地利用，才能促进我国油画事业的快速发展。中国画最早是以“丹青”作为代名词，可今天议论最多的话题却是“笔墨”。用笔用墨在国画中固然重要，但色彩也不该忽略色彩运用于绘画，是画家抒发感情的一种手段，它可以使人的灵魂受到震撼，产生视觉上的冲击，触动人心，引起情感共鸣。所以，在中国绘画的未来发展中，必须重新利用色彩，使画面的情绪更直观地表现。

1 中国画色彩概述

1.1 色彩发展历史

色彩是所有美术作品中最主要的构成要素，它有着漫长的发展和应用历史，它的起源可以追溯到古代。在考古发掘中，人们从彩陶和岩画中，找到了古代人类使用色彩进行绘画和生活的印记，这种印记可以说是人类把色彩与生活、生产、艺术结合起来的最早证据。自然界有很多色彩，但人的眼睛只能辨认出很少的一部分，所以当人们使用色彩来进行艺术创作时，也仅仅是把眼睛看到的色彩用自己的主观意识来表现出来。例如：秦、汉时期，最高贵的色彩是黑色，宋初的红男绿女嫁衣和素雅的艺术作品，明清之际，黄色也被视为帝王的象征，受到了世人的尊敬[1]。还有人认为“高级灰”是当下的一个流行趋势，在中国画里大量地运用灰颜色，觉得这是独有的意境美。事实上，这与中国文化当中的色彩是不吻合的。这种灰色过于表面化，是一种顺从性的颜色，属于被动色彩，在画面上故弄玄虚却表达不出来中国画色彩的内在力量。由于自然界的各种色彩是多种多样的，所以，在色彩的选取上，也能产生五颜六色的效果。因其来源、艺术、宗教、生活而异，在经济、审美等因素的作用下，色彩的运用也有其独特的特点。在不同时期，各种色彩也就有了不同的含义，而利用这些不同的色彩来创造出来的艺术作品，也能从这些作品中看出它们的时代特点。

1.2 色彩的影響因素

色彩受多种因素的影响，尤其是中国传统的绘画。从周朝的礼乐，到先秦的百家争鸣，再到各个王朝的推翻、建立，中华的文化都在不断地充实着。老庄哲学和佛教思想对中国绘画的创作产生了深远的影响，因此，儒、释、道三家观念对中国绘画的形成有着重要的影响。在这三个方面的影响下，中国绘画在几千年的发展过程中，也逐渐形成了不同于西方绘画的色彩系统和风格特征。北宋时期，画面基本延用唐代的风格，依然以艳丽的色彩为主，多采用石色颜料和水色颜料调和的办法。到了中后期，文人画得到发展，所以画面的色彩有所改变，逐渐向简单和清淡转型。画家在运用色彩进行国画创作时，除了绘画对象自身的形体特点外，更注重运用不同色彩、不同浓淡、不同的绘画技法，以达到中国绘画特有的艺术境界。在中国油画的艺术中，运用多种色彩，可以把色彩的多种概念融合到画里，从而让鉴赏者感受到不同的意蕴和情感[2]。从色彩可以窥见那个时代的社会、经济、文化等方面的情况。

2 中国画色彩与情感的关系

2.1 中国画的色彩

色彩对人的心理和情绪有很大的影响，这也是长久以来人们关注的焦点。电影常常会被带到现实生活中去，通过听着背景音乐，可以更好地理解电影的主题，从而达到精神和感情的交流。色彩就像是背景音乐一样，可以让人在感受到色彩的同时，也能感受到创作者的思想感情，从中感受、体验，进而理解作品的主题。从中国古代绘画作品中可以看出，色彩在表现情绪方面起了很大的作用和意义。在中国唐代绘画中，色彩的运用最为典型。随着民族的繁荣，色彩的运用也越来越多。从色彩的丰富和饱和的程度，可以看到当时的社会经济文化现象。《步辇图》（图1），描绘了唐太宗接见皇帝的场景，在这幅画中，使用了大量的浓重的色彩，如白色、黑色、朱砂色等，在色彩上的强烈反差，使它的庄重、威严、大气的情感表现得更加明显。在这张画中，运用了大量的色彩反差，可以给人的心灵和记忆留下非常深刻的印象，这是一种情绪上的共鸣，是一种视觉上的感觉。唐代后期，山水画的兴起和发展迅速。那时的许多画家，以石青、石绿为主要色调，再加上朱砂色、熟褐色等，创造出一种青山绿水、金碧辉煌、光彩夺目的感觉。随着时间的推移，画家不断地在色彩上进行革新，对色彩的最大限度地运用，使客观的事物以色彩的形式呈现，而且，他还将自己的情绪，融入到自己的作品之中。到了北宋，基本仍沿用唐代的画风，但色彩仍然以鲜艳的色彩为主。南宋以后，文人绘画有了长足的发展，其色调多以质朴、清新脱俗的风格为主。画在色彩的关系上，并不是很明显，以水墨为主，以黑色和白色为主，表现了一种清幽、凄凉的情绪。到了元、明两代，文人画的发展已经比较成熟，很多画家都可以用最简单的色彩，来表现客观的东西。这样的色彩搭配，让人眼前一亮，使人们感觉到一种质朴、优雅的感觉。

2.2 色彩的象征意义

2.2.1 随类赋彩

“随类赋彩”是中国绘画中特有的一种绘画创造词，它最初是由谢赫在其《古画品录》中首次提出，同时也是对中国油画色彩使用的一个很好的概括。“随类赋彩”不仅是中国绘画的一种色彩法则，而且是一种衡量中国绘画的重要艺术准则。“赋”既有给画中物体以色彩的含义，又有“敷”的含义，即给被涂上色彩的物体，在中国画中合理地搭配色彩。“随类”是指在大画法中，明确绘画对象的形体特点和类型。“随类赋彩”是指在进行中国画创作时，色彩的搭配与运用必须忠实于作品的自身特点，并尽可能地与作品的主题保持相近或一致。“随类赋彩”这个词最初出现时，主要是指中国画中的人物画。因为中国绘画的主体是黑白二色，所以古人在绘画时，一般都把黑与白视为一种独立的色彩，不能用别的色彩来调和。黑色和白色，是一种让人一听就会想到的色彩，在国画中占有重要的位置。其余的色彩，都是黑白相间的点缀。在儒、释、道三教的影响下，中国画在艺术创作上更强调的是“天人合一”的境界，所以画家们在创作的过程中，都会按照自己对作品的理解，将自己所看到的一切都融入到自己的作品中。经过多年的发展，“随类赋彩”这一绘画原理也反映出了中国画的哲理。

2.2.2 意象之色

中国油画的创作理念和观念常常反映出民族特有的哲理，许多画家在进行国画创作时，不但遵循了作品的艺术特性和风格，而且还把相应的色彩融入到作品的创作中，这就是“意象之色”。若要具体地剖析“意象之色”，则应将“象”视为绘画客体自身的形态特性，而“意”则是指在画家心中对其所代表的意蕴的认识，而更多地关注于其主观认识。而中国画中所使用的色彩，则是作者在进行艺术创作时，所要传达的思想。比如，李思訓在《江帆楼阁图》（图2）中表现出了一种青山绿水、心旷神怡的情境，因此经常用石青来表达山，虽然没有这种颜色的山，但是却在人们心中留下了深刻的印象。中国画在创作的时候，更注重的是对绘画的理解，而意境就是艺术家对艺术作品的理解，也是艺术家在创作中所表现出来的情感。

在此，把“意象之色”和“随类赋彩”相结合，很容易发现中国绘画中的色彩意象表现。随类赋彩是把色彩与对象自身的线条、气韵结合起来，再利用色彩的巧妙运用，使作品的艺术特性得到进一步的处理，使作品所传达的内容更为鲜明，而“意象”的色彩，则是画家在运用色彩时，将自己对艺术的认识、所要表达的感情，通过对作品进行赋彩，达到升华、表现的目的，使中国画的意境更为缥缈、层次分明，使中国画的色彩不再是简单地填满，而是充满灵气。

2.2.3 意象渊源

利用图像进行色彩匹配已经有了相当悠久的历史，可以从石器时期的远古时期开始。由于生产力和对自然界的认识不足，因此，在那个时代的石器和石雕中，存在着明显的巫法和神灵崇拜，通过绘画来表现画家的内心。而在中国传统文化的熏陶下，不管是写诗，还是画中国画，很多时候都很隐晦，用色彩的浓淡来表现自己的感情。从这一点上说，“随类赋彩”是中国画的一种普遍的美学观念，要把它具象化地阐释，就可以把它叫做“意象”。随着历史的发展，国画所表现的意境也各有特点，魏晋时期的飘逸，再到唐朝以后的中国画，都表现出了丰富的内涵和丰富的色彩，这些都是国画形象的具体表现。魏晋时期作品（图3），该作品形神俱佳，飘逸灵动，充满神秘色彩，充分体现了古代先民对神明的敬畏之情。

3 中国画色彩中的情感表达

3.1 材料的多元化应用

中国画往往采用鲜明、丰富、优雅、稳定的色彩对比，作者从而根据自己的意图，创作出各种画面，并根据实际的需求，引起观众的注意，作者也是希望观众感受情绪。中国油画最初使用的色彩是矿物质，它是那个时代仅有的一种色彩。随着时间的推移，人们对各种色彩的研究和开发越来越多，颜料的展示也越来越绚烂和丰富。由于中国传统文化中的阴阳相合，所以中国画大多是以黑白为基调的水墨画，因为它不能用其他色彩来调和，所以色彩更加纯净、深邃。到了晚期，五色逐渐形成了以“绿、红、黄、白、黑”五种色彩为基础的中国画的基本色调，并逐渐发展为中国传统文化的“仁、义、礼、智、信”五种人格品质的反映，在色彩中又具有主观人文情感， 并作为艺术家在表现艺术作品时表现个人情感观念的主要体现。水性油墨的黑白， 根据作画的手法和对景色的描绘方法，可以将其分为浓、淡、干、湿四法，依据作品的造型、构图设计、临摹对象和用色的标准，可以将其分成四种：色彩调和法、色彩渐变法、重叠法和蘸色法。在色彩的强弱和整体作品的主色上，使中国画达到了视觉上的色彩搭配协调[3]。李思训的江帆楼阁图，整体色彩明暗对比强烈，并运用了色彩叠加、渐变等创作手法，将作者的思想感情表现的淋漓尽致。

3.2 色彩的意境展现

色彩是中国画中最基本、最主要的要素，也是一种表现形式，通过对“意”这个词的分析，可以看出，“意”是画家的主观情绪，“境”是对被画的景物的客观呈现，这样，观众就会产生一种情绪上的共鸣，产生无限的联想。在中国绘画中，选择色彩时，通常会显示出不同的情感与含义。比如，人们普遍把红色看作是热情的象征，而蓝色是温柔、包容的情感，绿色象征着祥和，而黄色则象征着活泼。画家们会根据不同的主色调，选择冷暖色调来表现所画的景色。只有在色彩的调和与使用上，才能使作品的最后效果接近于完美。表现祖国壮丽的山水，可以运用墨色的叠加手法，运用深浅的墨色，运用虚与实的对比，营造出一种沉着、大气的感觉。而在描绘初春的时候，可以用蘸色的方法，用嫩芽的嫩绿，再加上花瓣的柔弱，来表现春天的生机勃勃。通过对色彩的选择和控制，可以让中国绘画呈现出或沉静或明亮或强烈的意境，从而使观者产生更为丰富的视觉感受。

4 结语

总之，色彩在中国画中占有举足轻重的地位，它既能表现中国传统艺术的美感，又能丰富作者情感的表现，显示了色彩的重要意义。有关人士应加强对中国画色彩的表现，从随类赋彩、意象色彩、意象来源三个层面来加强对中国画色彩意象的认识，并从材质的运用、色彩意境的表现、笔墨的抒发、色彩的抒发等几个层面来强化对色彩的表达，弘扬中国画色彩的魅力，提高中国画在更广泛的领域的影响。

5 参考文献

[1] 邢源婷. 中国画色彩中的情感表达探析——以《步辇图》为例[J].收藏与投资，2021，12（12）：164-166.

[2]陈俣行.浅谈中国画色彩中的情感表达[J].大众文艺，2019（24）：51-52.

[3] 齐路遥. 中国画色彩的情感表达[D]. 沈阳： 鲁迅美术学院，2015.