音乐色彩在钢琴演奏中的体现探析

2023-05-30周萍

参花（下） 2023年3期

◎周萍

钢琴艺术也是声音的艺术，借助音色的变化产生不同的情感，表达安慰与爱抚等复杂心理，展现高山流水与黄昏钟声等自然奇观。由此可见，声音色彩直接影响钢琴演奏的表现力，也对演奏者的演奏技巧提出了更高的要求，充分把握与灵活变换触键手段及踏板运用等显得尤为重要。

一、钢琴演奏中音乐色彩的体现

钢琴的音色独特，利用声音特点去塑造音乐形象，调动听众的情绪状态，拓展听众的联想空间，使人产生更多美妙的想象。钢琴演奏中的声音色彩突出，但要想弹奏一首美妙的乐曲，就需要演奏者充分把握音乐的色彩，明确音色色彩的来源。

（一）调性调式的色彩

E大调钢琴协奏曲或F大调奏鸣曲等标注是指器乐作品的调性。乐曲作品的调性不同，产生的色彩效果也存在明显的差异，作曲家对不同调性的运用，主要目的是促进主题的充分表现。音高一个八度以内的七个音，其调性与“赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫”的七种色彩感受相呼应。实际上，不同作曲家的理解能力不同，对各调性对应的色彩感受也存在明显的差异，如斯克里亚宾的A绿色、B浅蓝色、C红色、D黄色、bD紫色、bE橙色；贝多芬称b为黑色，经常利用bE大调营造英雄气概，用c小调反映斗争精神等。由此可见，调式色彩有着极强的艺术表现力，要想明确作品的调式与结构等音乐要素，需要利用听觉去感受乐曲的旋律及基本调式的特点。乐曲通常以主音结束，以主和弦为最后的和弦，和弦低音主音上的三度与主音成色彩明朗的大三度，即大调；与主音成色彩暗淡柔和的小三度，即小调。作曲家通常利用e小调去营造悲痛的氛围，用E大调去营造欢快的氛围，虽然音调相同，但通过同名大小调调式色彩的对比，让不同情绪音乐形象的展现更加有层次感。bD大调利于营造甜美柔和的声音色彩，如《bD大调圆舞曲》，利用3/4拍子，曲调活泼且速度极快，肖邦创作此曲主要是因乔治·桑家里的小狗在地上翻腾与摔滚，旋转不停地追逐着自己的尾巴而获得灵感。用#c小调呈现出阴暗的声音色彩，如肖邦的《#c小调夜曲》作品极具忧郁之美。这就需要演奏者从音响效果中充分感受乐曲的调性与调式色彩，通过听觉提高自身的感受，不断强化钢琴演奏的表现力。

（二）和声的色彩

在音乐形象的塑造、意境的营造、情景的描绘等方面，也离不开和声色彩这一表现手法。和声的音响效果有着突出的紧张感与色彩感。和声色彩音响由音程、明暗的调式、紧张度及协和与不协和的和弦结构、稳定或不稳定的和声进行、明亮或浓厚的声部位置和音区位置等诸多音乐要素构成，要求演奏者充分把握和声色彩要素，准确把握乐曲所表现的情感。

首先，钢琴演奏者需运用敏锐的听觉能力去辨别和声音响，分辨和声的功能及其与旋律的关系等。尤其是极具民族风的钢琴作品，将民族风格旋律与功能和声进行整合，声部极具层次性，和声的色彩感更强。演奏者通过聆听有利于调试好这些或明亮或暗淡的色彩，充分把握声部层次与多声部中的对比关系，在演奏中更利于把握和声的力量感及倾向性。唯有具备良好的音乐听觉能力，才能用听觉感受带动演奏，有效处理旋律、和声以及和声各声部的关系。

其次，把握横向线条。钢琴音乐作品的演奏要先考虑钢琴表现性能的体现，注意多声思维与纵横架构及立体效果，把控旋律、伴奏及低音等音乐要素的组合。在演奏时要求旋律线条清晰，突出伴奏织体生动的主调音乐，注意多线条、多层面地交错演进，高效演奏出融汇的复调音乐。钢琴作品的多声部音乐特点突出，作品中各声部的任务也存在明显的差异，在演奏时需注意旋律表达的起伏。把握根音的作用，无论是平稳的旋律，还是大幅度的跳进，都要求和声中的旋律线条相对明确，尤其是多条旋律线的穿插，需要加强横向线条的把控，避免演奏成音符的堆积。如黄虎威的作品《春天》涉及三个声部层次，平行地进行着，和声音响丰满，但内声部与主题声部及对题声部尤为清晰。主题演奏得连贯且明亮；对题演奏得深沉且浓厚，保持住低音的横向线条；中声部均匀、轻巧且柔和。各声部在演奏时要求相对独立、利落且清晰，有效组织各声部，使其相互对比、衬托、配合，构成一个均衡的音乐整体。

二、钢琴演奏中音乐色彩变化的体现

（一）掌握触键方法

钢琴演奏者要充分把握触键的高度、深度、力量、方向、速度等要素。唯有把触键力量持续到“断连点”，即琴键行程的4/5处，才能发出最佳的谐振声音，触键深度不够，易出现声音飘忽松散的情况；触键深度过大，易出现声音昏暗的现象。要充分把握有限的触键深度变化，明确琴键的着力点、发音点。各种触键的实质是利用不同的触键速度及重量，形成不同的触键能量，通过对琴键的掀动、拉动或推动，使琴槌获得不同的击弦速度，呈现出理想的声音色彩。触键力量是指触键的重量与肌肉力量的合力，也指触键能量。现代钢琴的重量弹奏法，实质是利用不同的速度去释放不同的重量，并作用于发音点上。触键能量与触键的速度及重量关系密切，触键速度与力量的互换，可演奏出同样音量的声音。但触键速度带给听众的心理感受不同，快触键音头发在拍点上，营造出一种近似弦乐快弓的声音感觉；慢触键音头发在拍点后，营造出一种近似弦乐柔弓的舒展柔弱的声音感觉。由此可见，音乐情绪与弹奏动作深入整合，也是音乐情绪与触键的速度、奏法等要素之间的整合。触键重量有改变声音厚度的作用，如慢触键可使声音柔和如歌、纤细羸弱；快触键可使声音铿锵有力、饱满厚实。触键高度与触键速度的转化，需要与音乐情绪及奏法相适应，如连奏时的低位触键，可增加音与音之间的连接感；在断奏或非连奏时，需要根据音与音之间断的程度与音乐的情绪变化，合理选用不同的触键高度。如舒曼的作品《儿童情景》，利用“指尖断奏”的触键方法，表现出青春的活力与愉快的生活气息。触键方向与触键重量的转化，呈现出的声音色彩也多有不同，垂直触键的琴键受力最大，而斜向触键的琴键受力是触键重量的分力。改变触键部位后，触键的重量、方向、速度等也随之发生转变。

（二）掌握演奏方法

各种基本奏法的区别主要体现在触键速度、各音的连接方式、各音的音量等关系变化方面。如非连奏或断奏的演奏方法，触键与离键的速度较快，各音之间主要依据断的程度留有准确时值的间歇，各音之间音量的变化及关系，主要受旋律的起伏与节奏的强弱等因素影响；而连奏的声音色彩更加柔美，触键与离键的速度较慢，各音之间无缝衔接，需要明确把握乐句的强弱起伏，有效控制音量的衔接，并很好地结合乐句中节奏的伸缩与变化。要想确保奏法明确到位，就要充分了解触键速度对声音效果的影响。

除此之外，也涉及和弦、八度、双音等奏法。一是双音奏法：单音与双音的弹奏方法不同，双音或较多音的演奏，要求落键整齐不能参差不齐。在弹奏中要求大臂自然地下去，力量通畅地贯穿于整个手臂。准备好下键前的手指，做一个固定的手型，有抓住键盘的感觉，在下键的瞬间，要保证手指整齐地触键，以此发出整齐且洪亮的声音。二是和弦奏法：和弦奏法尤为常见，和弦弹奏方法多样，主要为作品的风格与表现力服务。和弦弹奏时避免敲击琴键，减少键盘敲击的随意性，防止敲击出来的声音呆、僵、涩，难以达到共鸣的效果，无法表现出宏大的气势。在弹奏和弦时，要求肘、前臂、手腕放松，触键前手腕、臂不用力，在触键的瞬间将力量集中在指尖，各指同时触键，以弹奏出深厚的声音。触键后立即放松，手指第一关节避免塌陷，手型自然弯曲，保持支撑力不变。和弦音以旋律音为主，常利用小指弹奏，需要注意五指的触键方法与支撑力。三是八度奏法：连音的八度弹奏法通常用3、4、5指交替并连贯地弹奏上方的八度音。而下方八度音则用拇指平滑地带过。在弹奏时，要求拇指在键盘上最大限度地保持其时值。控制较小的弹奏动作，几乎要贴着键盘。非连音八度弹奏法通常要用整个手及手臂去弹奏。手指与手腕、下臂形成一个整体，比弹奏轻巧和快速的八度，手腕要略高一点。跳音八度的演奏法需要撑好手指架子，大、小指有抓东西的感觉，手腕略低于手掌，加快速度时，手腕与肘部有抖动的感觉。如作品《匈牙利狂想曲之2》，在演奏中多次运用连续弹奏八度的技巧，模仿了匈牙利民间乐器大扬琴的演奏效果，使作品富有浓厚的民族乡土气息。两次高潮段落以连续八度半音阶式进行推出的F主题构成，在第274与361小节起的段落出现，如同匈牙利村民聚集跳舞狂欢的热闹场景，加深听众对主题的印象。大段的快速八度双音演奏对手腕力量支撑的要求较高，手腕出现僵硬或疲劳的情况，极易出现声音生硬或干涩等现象。除此之外，触键的力度和速度等方面的要求也比较高，导致整体的演奏难度较大，还需要加强对快速交替等技巧的练习。

（三）把握声部层次

首先，把控好旋律乐句的弹奏。处理好各乐句的句头、句尾、高点、支柱音、装饰音、语气、起伏等音乐要素，促使各乐句、各段落间关系变化更加协调。对于旋律的断连、语气、韵味等，建议用联想其他乐器的弓法、奏法及声乐的演唱效果去处理。其次，加强对各声部间层次的调整。在主调音乐织体中的低音与伴奏，有着节奏鲜明或柔软如絮、穿插多层副旋律等特点，主要起到烘托与陪衬主旋律的作用。为避免在演奏中出现喧宾夺主的问题，需要协调处理伴奏部分的层次与音色对比，营造出独特的钢琴演奏魅力。如复调音乐有各声部的旋律独立、整合模仿、对比手法等特点。答题是对主题的模仿，要求奏法与走向等与主题一致。对题在节奏、奏法、音量、音色等方面，需要与答题对比。作品中的中声部可划分出有模仿意味且前后呼应的短句或音型，也是指复调性质的隐含声部，也是同一声部中作者创作时未标出的复调，有利于增强演奏的层次感。如作品《b小调奏鸣曲》，涉及复调性质的隐含声部。将右手声部分为多个层次，演奏时需要将一个声部扩展为多个层次，以此营造更加丰富的音响效果。对比复调也常在肖邦钢琴作品中出现，如作品《唤醒波洛涅兹》，在演奏时虽然力度相同，但四个声部都能体现出不同的特点。左手次中音声部的上下行音阶，在演奏时应当体现出平稳、流畅、连贯的特点。高声部时将五个音组成一个小组，各小乐句需要表现出乐句，并在衔接中声部时求做到自然且流畅。演奏时中声部有典型的波罗乃兹舞曲的重复节奏，呈现出庄重与高贵的气质。

（四）把握踏板

踏板是钢琴的灵魂，右踏板有增加泛音与延长声音的作用，将各声音组织起来形成独特的共鸣。左踏板呈现出变弱变暗的音响效果，在一些特定的音响段落有独特的作用。中踏板有低音得到长久干净延续的作用。钢琴的弹奏始终受到作品情绪、意境、风格、韵味、内涵等要素的影响。这就需要演奏者充分把握踏板的演奏技巧，避免过深地踩踏板，防止产生太强的泛音；避免过长地踩踏板，需要根据线条去踩踏板，保持声部的清晰，而不是根据和声去使用踏板。如巴赫的《降b小调前奏曲》《平均律钢琴曲第一集》等作品，常利用右踏板在重复音中做到连音连接，尤其是在结尾处，利用具有宗教色彩的尾奏部分，是在模仿宏伟的“全奏的风琴”效果。为保持逐渐的均匀的渐强或渐弱，助力演奏legato与增强乐句的连贯，使音响更丰富饱满。为获得色彩性效果，连接乐章等部分时可使用踏板，根据作品中使用踏板的标记去合理使用，促使作品中诗意的、形象化的，甚至哲学的思想得以充分体现出来。

还要明确踏板运用的准则，一是在无伴奏的旋律中，在一个慢到中速的段落中单独出现一个单音的连奏旋律，周围无伴奏，至少在长音上用踏板去增加色彩，防止声音过于干涩。二是乐句中踏板的运用，使一个旋律线中偶尔有轻微呼吸，为整个句法带来变化，做音乐上的强调，如舒曼的《奏鸣曲op.14》第三乐章。三是突出节奏。如肖邦的作品《玛祖卡舞曲》。四是为音色和特殊效果而使声音模糊，在印象派作家德彪西写的乐曲中广泛运用。五是位于高音区并在低音声部有一个强的和声支持的华彩乐段可用长踏板。如格里格的《特罗尔德豪根的婚礼日》、肖邦的《夜曲op.9》等作品，此种方法利于氛围的营造与情绪的带动。唯有合理运用踏板，深入研究作品及作曲家，从音响中加强对和声效果及色调变化的体会，才能够演奏出绝佳的音色。