国画创作中的情感表现

2022-11-26童冬生景德镇学院

艺术品鉴 2022年8期

童冬生（景德镇学院）

任何艺术形式都蕴含着丰富的情感，国画作为众多艺术形式中以可视性为主要特征的艺术形式之一，其情感表现多以物象为媒介。物象在国画中占有举足轻重的地位，是国画的基本构成要素之一。作者的愿望和诉求以隐晦的方式通过创作呈现在画纸之上，我们在欣赏国画之时，如若只关注画作的内容，不了解作者的人生经历、创作背景和情感表达方式，那么我们对国画的理解将只停留在一个浅显的层面之上，接收不到作者通过作品传达出的情感，就无法与作者产生心灵上的沟通。为了更好地学习国画、了解国画和感受国画，接收作者通过创作传达的信息，与作者进行跨时空的心灵交流，我们就要了解作者的情感表达方式。本文将通过分析国画的情感表现，为我们日后学习和观赏国画提供技巧。

一、各现实工具在国画情感表达中的体现

国画是我国传统的绘画形式，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。一幅完整国画的创作过程中需要用到的现实工具和技艺有：笔、墨、纸、砚、颜料和装裱。国画情感的表达需要借助这些现实存在的工具，由虚拟变成实体更有益于被人们所感知。

（一）笔

国画产生的时间较早，早期国画主要是古人抒情达意的一种途径，古人的写字和画画工具以毛笔为主。毛笔是国画从思维的虚拟形态转变为现实可观的实体形态的首要工具。为了适应国画的各种手法和追求国画的画面更具美感，毛笔又从笔锋长短、大小上区分为多个品类。从笔锋长短上可分为长锋、中锋和短锋，性能各异。长锋容易画出婀娜多姿的线条，短锋落纸易于凝重厚实，中锋、短锋则兼而有之，画山水以用中锋为宜；根据笔锋大小的不同，毛笔又分为小、中、大等型号。作者创作国画之时，对画笔的选择也是需要经过深思熟虑的。适当长短、大小笔锋的使用可以将作者的情感更加明确地表达出来。例如：我们较为熟知的素描，不同的明暗需要选取不同型号的画笔，最暗的阴影处使用6B、8B 甚至是硬性铅笔，以使画面构图更加完整、明暗区分更加明显。相同的物象，每个人因为自身心境的不同，其物体形态、明暗关系都不相同，画笔正是让这种不同得以体现的工具之一。以此类推，同样作为笔，毛笔的选择也是根据作者创作的需要，在心境的影响下进行的，所以国画毛笔的选择能体现出作者创作时的情感。

（二）墨

常用制墨原料有油烟、松烟两种，制成的墨称油烟墨和松烟墨。油烟墨为桐油烟制成，松烟墨是由松木不完全燃烧后得到的烟炱再加之其他的原料制成。由于两者制作材料的不同，二者在国画中的运用之处也不相同。油烟墨墨色黑而有光泽，能显出墨色浓淡的细致变化，宜画山水画；松烟墨黑而无光，多用于翎毛及人物的毛发，山水画不宜用。和作者毛笔的选择一样，不同情感、画风的国画对墨的选择也是至关重要的。作者要想将自己的内心被观赏者理解，就要对墨的使用进行不同选择，以符合内心情感宣泄的需求。画家将情感融入了墨的使用中，使墨成为艺术家情感表达的载体。正是因为墨色可以进行不同的变化，所以形成的线条和画面也可以利用墨的微妙变化进行勾勒和描绘，这不仅需要画家注重写意精神的表达，同时也需要画家能够充分利用墨来传递创作的内在情感。

（三）纸

中国画在唐宋时代多用绢，到了元代以后才大量使用纸作画。中国画用的纸与其他画种不同，它是以青檀树作为主要原料制作的宣纸，宣纸产于安徽泾县，古属宣州，故称宣纸。国画的创作因为其中各种手法的不同使用，尤其是晕染手法，对纸张质量的要求尤其高。国画的画纸一般采用娟和宣纸这种材质柔软、有一定晕染性的纸张，以确保国画创作的各种手法在画布上的完整体现。纸作为国画的载体，是国画创作中的重要材料。国画的创作遵循“水满则溢”的原则，讲求留白的表现手法。纸张的质量和材质因为国画创作者对留白手法的追求，在很大程度上决定国画给人的感官，人们会根据国画的感观去理解作者所表达的情感。

（四）砚

我国最有名的砚是歙砚和端砚。歙砚产于安徽歙县，端砚产于广东高要县。各地由于其砚台制作的材料选择、制作流程以及当地微量元素含量上存在的或多或少的差别，所以砚台质量和给人的使用感受也存在不同。国画作者由于是国画领域的专业者，其对砚台的选择也有一定的讲究。通常来说，选择砚台主要择其石料质地细腻、湿润、易于发墨、不吸水。好的砚台对作者进行国画创作具有促进作用，也是作者情感得以准确表达的重要辅助工具。

（五）颜料

国画的色彩从最初的黑白为主，逐渐发展为色彩丰富。色彩是人类可视的最直接的存在，不同色彩给人的感受是不同的，色彩已经形成其本身所特有的象征意义。例如：白色代表奸诈，绿色代表生命，红色代表热情，蓝色代表阴郁，黄色代表希望......由于色彩会给人以强烈的视觉冲击，国画创作中色彩的选用直接影响画作整体的情感。不同风格、不同心境对同一物象的色彩描绘是不同的。

（六）装裱

俗话说“三分画，七分裱”，由此可见国画的创作还离不开后期的装裱。虽然国画是古典的象征，但是不同的装裱方式和材料的选择都会直接影响观赏者对国画所传达情感的接收。例如：一副以黑白为主色调的山水画，若采用金属边框进行装裱，则会让观赏者产生不伦不类的感觉，影响观赏者对画作的理解；若采用画轴或者哑光类木质边框进行装裱，则会符合山水画的整体意境，从而吸引观赏者的目光，让观赏者乐于对画作情感进行研究，作者的情感得以传达给观赏者。

二、不同分类国画的情感表现

从古至今，国画的发展经过了历史的检验和丰富，其画派类型和创作技巧越来越多，在长时间的创新和沉淀中，国画逐渐形成了较为稳定和主要的三大主题和两大技巧。

（一）三大主要题材

国画从创作内容和主题上主要分为：人物画、花鸟画和山水画。

1.人物画

人物画以对人物表情、神态、动作进行刻画为主，由于人物表情的多变性和神态的复杂性，人物画可谓是国画中最深奥的门类。我国人物画发展至今已有颇多建树，以东晋画家顾恺之的《女史箴图》为例，结合其创作背景，探究人物画作者的情感表达。《女史箴图》取材于张华的《女史箴》，共分为十二卷，现存九段，女史是古代宫廷中记录皇后言行和编写嫔妃守则的女官。西晋惠帝司马衷昏庸无能，国家大权为其皇后贾氏独揽，贾氏其人善妒忌、多权诈，引起宗室诸王不满。在此背景下，文学家张华以韵文的形式创作了文章《女史箴》，以女史的口吻写出宫廷嫔妃应该遵守的规则，旨在劝说妇女如何立身处世、修养品德。顾恺之就以这篇文章为画题，创作了《女史箴图》。顾恺之的创作采用散点透视法，以透视原则体现画中人物的尊卑有别；整体构图采用细线勾勒的方法，以确保画面的庄重和古朴。顾恺之通过对人物表情、动作、神态甚至是衣着打扮的描绘，表露自己对女史的尊重之情，和对西晋皇后独揽大权的不满，以劝诫宫廷嫔妃要遵守妇德，不要做僭越之事。

2.花鸟画

花鸟画的题材不仅包括花鸟，还包括所有的动物，尤其是与神话相关的动物（青龙、白虎、朱雀等）。古代文人十分喜欢借用动物表达自己的感情，就是所谓的托物言志。唐代画家韩干的《照夜白图》，以水墨线描的方式对一匹名叫“照夜白”的马进行绘画。唐玄宗前期，唐朝呈现一片繁荣之景，唐朝与西域各国的关系密切，唐玄宗将大唐公主嫁给西域大苑王，大苑王回赠了两匹汗血宝马，其中一匹就是照夜白。照夜白随唐玄宗征战沙场，甚至陪伴唐玄宗度过“安史之乱”的低迷期，唐玄宗对照夜白可谓是尤其喜欢。画中照夜白被系于一木桩上，昂首嘶鸣，四蹄腾骧，似欲挣脱缰索。照夜白对唐玄宗来说就相当于自己的臣子，韩干身为臣子，通过描绘照夜白欲挣脱马缰的形态，表达自己也渴求自由却身不由己的情感。花鸟画的作者通常将自己的精神映射在其笔下的画作上，通过对画中动植物的描绘表达自己现实之中实现不了的愿望和渴求。

3.山水画

山水画的组成要素众多，与人物画重在画人、花鸟画重在画动物花草不同，山水画的重点很多，花鸟草木、房屋篷船、山水游人等，都是山水画的重点；山水画的图画构成形式多样，可以是远山近水，也可以是近山远水。山水画讲求将各要素进行合理安排，很少只突出一个重点，各要素之间交相辉映，要素与要素之间完美配合组成整幅画的构图。据历史资料记载，我国最早的山水画是展子虔的《游春图》，山、树、人等共同组成《游春图》。该图以全景方式描绘了广阔的山水场景，图中除描绘山水树石外，还描绘了白云出岫，杂以楼阁、院落、桥梁、舟楫，并点缀着踏春赏玩的人物车马，展示出一幅杏桃绽开、绿草如茵、水波粼粼，春风荡漾的春日融融之景象。展子虔通过对画面各要素的排列描绘了一幅生机勃勃的春日景象，表达作者对春日的赞美和对春天到来的喜悦之情。展子虔的喜悦之情通过画作传达出来，直击观赏者的心灵，让观赏者加深对春天的感知，传达珍惜时间的理念。山水画发展到宋朝，出现了一位颇具绘画天赋的少年王希孟，王希孟为宋徽宗时期画院的学生，宋徽宗在绘画方面对其进行过指点。王希孟于18 岁时完成了长篇巨作《千里江山图》，《千里江山图》意境雄浑壮阔，气势恢宏，充分表现了自然山水的秀丽壮美。山水图的作者多通过描绘自然景观，展现自然环境的美好，作者本身的思想感情很少体现其中。

（二）两大主要技巧

国画根据技巧、手法的不同主要分为写意和工笔两大派别。（1）写意。写意画并不过分追求“形似”，以追求“神似”为主。写意画的作者讲究心灵感受，笔随意走，视为意笔，写意画不重视线条，重视意象，与工笔的精细背道而驰。八大山人朱耷作为写意派的代表，其作品《松石图》以简单的构图和黑白色彩进行全篇创作，是画家对现实事物、境遇、体悟等有了某种理解，寄托某种感情，再用手中之笔把心境的流露以苍松劲石为对象表达出来，从而创造出寄予心境、展露思想的新形象。作家通过对松石笔画勾勒的粗犷，表达对所绘之物的崇拜、怜惜之情。写意画的作者将“意”作为国画的立足点，重在将心中之“意”通过画笔，传达给观赏者，借以抒发心中的感情。（2）工笔。工笔画用细致的笔法制作，工笔画着重线条美，一丝不苟。工笔画相较于重“意”的写意画，其构图更加形象生动。明代仇英作为工笔画的代表人物，其作品《桃村草堂图》意境如诗如画，画法精细工瑾，细致入微；通幅大青绿着色，色彩艳丽深重。桃村草堂经过仇英的绘画，以工整的形式跃然纸上。

三、情感表现在国画中的意义

国画之所以称之为国画，代表了我们的国家艺术水平。从历代国画的画作中，我们可以窥见历史完整的进程，从国画中感受历史时间，学习历史知识，从历史中得到经验教训，以用于现代社会的发展。人作为感性动物，对事物的认识是从感情的接收开始的，所以绘画作品中作者的情感表达对于我们观赏画作、体会情感极其重要。

（一）作者

作者作为国画的创造者，在国画整体意义的表现上有着至关重要的作用。作者将自己的情感融入进国画之中，对国画的创作、作品的塑造都有积极作用。

1.拓宽作者的创作思路

内心情感的利用，有利于激发作者的创作灵感。因此，国画创作者应当借助内心来反映世间万物，通过外界万物与自身情感在心灵上的交融，来实现自身情感的自我表达。比如，《洛神赋图》向人们展示的既不是形，也不是技，而是蕴藏在作者灵魂深处的情感，现代观赏者将其与当时时代背景相结合能够对作品产生共鸣，何况是创作时期的观赏者。针对此，创作者应当加强国画创作中的情感比重，同时不断提升自身的文化修养和认识事物的能力，确保自己的创作思路能够得到进一步扩展，从而将国画的创作意义完整体现出来。

2.作者情感得到抒发

在现实生活中，人的情感得不到百分之百的抒发，长久下来，承载情感的主体本身就会产生消极的情绪，甚至被抑郁所缠身，这就要求作者的情感通过适当的方式进行释放、宣泄。国画专业者可以通过作画的方式将心中的消极情绪宣泄出来，让内心得到片刻的安宁。这种强烈的情感在创作的过程中进行宣泄，不仅有利于作者本身得到解脱，成为作者的情感寄托品，也为作品注入厚重的情感，增加了作品的故事性。

（二）观赏者得以从整体上感受国画美

作者的情感在作品中的表达，就像优秀音乐家音乐创作中美妙的音符，能够让观赏者“如听仙乐耳暂明”，产生情感上的共鸣，从而产生美的感受。随着快餐文化的发展，越来越多的画家以盈利为目的，做不到静心创造作品，其作品的质量可想而知，为观赏者所诟病，其中没有情感的表达，观赏者在情感上得不到共鸣，更加得不到美的感受。现今的很多画作都以给人强烈的视觉冲击为主，想让观赏者在视觉冲击中感受其画作中的“美”，甚至逐渐形成风气。殊不知这种忽视情感，只讲求视觉效果的画作，只能使得作品缺乏活力和张力，经不起观赏者反复观赏和回味，不能给观赏者带来心灵上的震撼。好的画作必须是作者自身情感的表达。