关于我国音乐剧系音乐舞蹈跨学科融合教学特点的研究与思考

朱 莎

（西安音乐学院 陕西 西安 710075）

一、关于音乐剧系学生专业能力水平的调查研究

笔者曾针对北京舞蹈学院音乐剧系大二学生以及西安音乐学院舞蹈学院歌舞表演专业大一学生共110 人进行问卷调查。本次调查采取的是有目的性问卷调查方式，向调查对象发放问卷后当场填写并回收，同时随机访问了30 名学生。共向两所院校的学生发出调查问卷110 份，收回100 份，回收率达91%。

该调查问卷主要对该院音乐剧专业学生在本科教育之前的专业学习背景，学生对音乐的了解与看法，以及在实际教学中音乐剧专业与音乐的联系程度三个方面向学生提出了17 个问题。问卷中的问题以本科教育为时间线分为两部分，第一部分包括：您学习的是哪种舞蹈？学了多久？您曾经在舞蹈表演的时候唱过歌吗？您弹奏钢琴或者其他乐器吗？您接受过声乐演唱训练吗？（不同于舞蹈中的演唱）您能阅读单声部或多声部五线谱吗？如果您可以阅读乐谱，您学习过多久的阅读乐谱相关的课程（包括乐器课程，声乐课程或其他课程所需要接触乐谱的时间）？您学习过何种音乐课程？您学习过视唱练耳吗？您认为更好地认识了解音乐及乐谱会帮助您成为一名更杰出的舞者吗？您认为你在跳舞中使用的音乐是记谱法记载的吗？您认为舞者应该学习如何认识和了解音乐吗？如果您认为不应该，为什么？第二部分包括：在舞蹈课堂中，通常使用现场音乐伴奏还是录音音乐伴奏？如果是现场音乐伴奏，使用哪种乐器？舞蹈学生在课堂上弹奏乐器吗？如果弹奏的话，一般弹奏哪些类型的音乐？舞蹈学生在课堂上唱歌吗？如果唱的话，你们通常唱什么？在歌唱中是唱歌词、唱音名还是唱数字？你们在课堂上大声打出节奏吗？如果是的话，你们怎样打节奏？您认为您在跳舞的时候需要歌唱吗？

以上17 个问题对学生在本科教育前及本科教育后的音乐舞蹈融合学习情况进行了调研，得出以下几点音乐剧专业学生的专业特点：

（一）音乐剧专业的学生无论在舞蹈基本功还是在肢体协调性方面都具备坚实的专业基础。音乐剧人才的培养方案及课程建设都与主课舞蹈分不开。根据调研，我国高校的音乐剧专业的学生几乎都是自小习舞，超过一半的学生从小学习舞蹈长达五至七年。这就说明，我国音乐剧专业生具有深厚的舞蹈功底，舞蹈表演与训练对他们来说都不是难题。在中国，民族舞一定是学生们首先的舞蹈类型，而芭蕾、古典舞等也深受学生喜爱。

（二）100%受访学生都认可音乐能力的提升能帮助他们更好地表现舞蹈。那么，现实中又有多少学生在切实提高自身的音乐能力呢？调查显示，仅仅不到一半的受访者接受过音乐课程培训，这些课程多为中学以前的音乐课知识，或者短期艺术应试培训，通过这样的课程学到的东西比较书本化、文字化、表面化，很难应用到现实练习中。尽管大多数学生已经进入专业艺术院校，却依旧对音乐的概念很懵懂，在实践应用中掌握读谱、乐器弹奏以及视唱旋律等基本音乐技能的同学更是少之又少。

（三）我国音乐剧舞者在实际课堂教学中与音乐的联系并不紧密。一般来说，只有在芭蕾舞或古典舞的课堂上有现场钢琴伴奏，对于音乐剧这类在我国刚刚起步的专业来说，现场钢琴伴奏还未普及。大多数课堂上，学生使用的是录音伴奏，而且，在伴随一段音乐跳舞时，学生也并不了解该伴奏音乐的情感、内容和架构，例如节拍、节奏型、旋律走向等。这种对音乐的掌握程度造成了学生无法在舞蹈表演或艺术表演中进一步表达音乐，在完成了舞蹈技巧之后很难突破自我，并在与观众产生共鸣、与编舞者互相理解与沟通方面出现障碍。

根据调查报告，为了使舞蹈表演更加艺术、更具乐感、更有吸引力，学生需要足够了解音乐、认识音乐并且运用音乐来辅助、提高、优化自身的舞蹈水平。舞蹈是一门极具表现力的艺术，它时而具体，仿佛我们可以看透舞蹈背后的一切；时而抽象，似乎我们又猜不透舞蹈背后的寓意。舞蹈的表现风格除了需要舞者的主观诠释以外，也离不开伴随的音乐。要成为一名出色的舞者，首先要掌握舞蹈方面的专业技巧，并且艺术地表现出来；其次是要了解音乐，认识音乐。只有把舞台上与舞蹈相关的所有元素都理解并且掌握，才能完整表达舞蹈作品的艺术理念。

二、简述经典音乐舞蹈融合教学法

如何向舞者教授节奏？如何让舞者更好地感受和阅读音乐？想解决这类问题，我们就不得不提一位音乐教育家——埃米尔.雅克.达尔克罗兹（Emile Jaques-Dalcroze，1865-1950)。1900年，达尔克罗兹提出了一个新学说，他认为，以往的音乐教育并不符合音乐的本质特性，因为音乐是活跃的、有生命力的、离不开律动的，而律动与人体的运动有密切的联系，因此，传统的音乐教学只教授音乐而不与身体的运动相结合的训练方法是孤立而不全面的。为了使乐感的训练不局限于对节奏的解释，并将其体现在人体的运动之中，达尔克罗兹首创一套体态律动学（或称律动体操、韵律体操；Eurhythmic，也可拼写为eurhythmics，法语rythmique），体态律动学通过艺术的肢体律动来表现音乐的节奏。1905 年，他的教学法在瑞士作曲家协会会议上通过后，他便周游世界传播此教学体系，这种教学体系对欧美的音乐及舞蹈教育产生了重大影响，也为音乐的节奏感和舞蹈动作之间的协调一致提供了理论依据。他的教学体系培养出了无数人才，并对奥尔夫、柯达伊、铃木等人的音乐教学法都有重要影响。

人体是一种乐器，要想提升音乐能力，仅仅训练听力、声乐和演奏技巧是远远不够的，想要提高学生们的音乐能力，就必须全面训练学生的体态、姿势及各种形体动作。在体态律动训练中，达尔克罗兹通过肢体动作训练增强学生对节奏的认识与敏感度，从而提高学生的音乐能力。他的教学实践由体态律动、视唱练耳以及声乐或器乐即兴音乐活动三部分组成。在其《节奏运动、视唱练耳与即兴创作》一文中他指出：节奏、视唱练耳与即兴创作是音乐教育过程中三个极其重要的组成部分。体态律动是一种不同于舞蹈的训练，它要求学生把肢体作为乐器，通过身体动作感受音乐的节奏、速度、力度，然后再把听到的音乐表达出来。

对舞者来说，把空间与时间通过人体链接起来很有挑战性，也可以说，舞蹈是把音乐的力量通过造型艺术表达出来，这里的造型艺术就是指时间、空间和力量的联系。达尔克罗兹提出，人们在摆动自己身体的时候，其实是在跟随大脑内部的音乐摇摆。既然如此，为什么我们不能借用外在的肢体动作帮助我们学习、理解内在的音乐？于是，达尔克罗兹尝试运用动作、体操与舞蹈创造一种可以使钢琴演奏变得更具有音乐性的方法。这个方法把一切音乐因素都集中到肢体动作上，使音乐通过韵律活动变得更加活跃，无论一个人是专业舞者还是演奏家，韵律运动都会唤醒人的肌体，刺激人的肌肉力量并使人更有想象力。

美国有很多机构与学校开设了体态律动训练课程，这些课程主要介绍达尔克罗兹体态律动学的理论。视唱练耳作为体态律动训练中必不可少的教学手段，发挥了重要作用，学生必须在掌握足够的视唱练耳基本技能之后，才能更好地利用肢体了解音乐、感受音乐。韵律体操有效结合了学生的身体运动、音乐节奏感与即兴创作力，对于音乐、舞蹈、戏剧甚至体育来说，韵律体操都是一门很有帮助的课程。在这些学校中，韵律体操课程通常被分拆为二到三学期完成，课程的难度不断增加。美国大部分音乐学院鼓励教师使用多种多样的教学法，在增加课堂活跃度的同时，使学生运用自己的身体语言来记忆知识点，因此，这些学术机构对韵律体操这门课的兴趣越来越浓，越来越多学校将这门新颖的课程以及这类教学法归类至音乐表演、舞蹈表演与舞蹈编导专业的必修课程。体态律动学要求教师在课堂上运用肢体韵律教授节拍、拍子、节奏。针对舞蹈表演学生的节奏一致性训练则是在此基础上增加视唱练耳。

三、探索我国高校音乐剧系学生的音乐舞蹈融合教学法

针对我国高校音乐剧系学生的专业特点，探索一项结合了音乐舞蹈特点的教学法迫在眉睫。以舞蹈动作为基础的音乐能力训练应运而生，并在西安音乐学院歌舞表演（音乐剧）专业实践授课，近7年的教学实践收效甚好，对学生音乐能力的提升以及舞台呈现都有很大帮助。我们在西安音乐学院建设音乐剧专业学生的音乐能力训练体系，改革传统课堂教学模式，具体举措包括：尊重学生的专业背景，以舞蹈为教学侧重点将课堂教学主体转化为肢体动作，而不是固化的音乐知识；引导学生借助自身舞蹈特长认识音乐、学习音乐；在音乐风格上向学生的个体化舞种靠拢，使学生在熟悉的、擅长的氛围下接触音乐、分析表达音乐；将音乐学渗透进学生的日常音乐能力训练中，在教学过程中有机结合音乐与舞蹈，充分凸显音乐剧专业的综合性特点，运用音乐来辅助、提高、优化学生的舞蹈能力，使学生的舞台表演更具乐感，更有艺术感染力。

该教学法的主要方法及特色包括：首先，该教学法符合我国音乐剧专业特点，不同于现有教学法的“音乐为主、肢体为辅”的教学特点，该教学法的教学手段更加倾向舞蹈，对舞蹈风格、舞蹈动作进行分析归纳，配合不同难度的乐曲风格及纷繁复杂的节奏，并以视唱音阶、旋律为主要训练手段，使音乐剧专业的学生具备唱跳结合的综合舞台实践能力，同时提高学生的音乐表现力和音乐欣赏力；其次，该教学法将课堂上呈现给学生的示例乐谱、舞蹈动作内容、节奏分析等教学材料进行整理分类，并划分为不同等级进行分级教学，降低初学者出错的概率，大大提升了学生的学习积极性；第三，该教学法可与多种舞蹈风格相融合，不会影响舞蹈学生已经掌握的传统舞蹈风格，而是帮助学生在其原有基础上进行发展延伸，易于被采纳和使用。