探究声乐艺术中声乐表演二度创作

2022-03-23王文昭

中国民族博览 2022年21期

王文昭

（山西师范大学临汾学院，山西临汾 041000）

引言

声乐表演艺术涉及多个专业领域，包括美学、哲学、史学、生理学、声学以及物理学等等，因此具备较强的综合性。没有经历声乐表演的作品，就是一张普通的乐谱，作者谱的曲、填的词都属于一度创作，根本无法在生活中实现它的价值，观众仅凭乐谱也无法感受它的音响。只有经过演唱者的演唱，将那些不能用符号、词语表达的内容生动形象的呈现给观众，才能使一度创作的价值得到充分发挥，同时，演唱也对二度创作的价值进行了发挥，让声乐作品成为了完整的艺术。

一、声乐表演中二度创作的定义与意义

（一）二度创作的定义

无论是在学习过程中还是在演唱过程中，歌唱者都会遇到各种各样的声乐作品，要想将作品的含义、情感进行充分完善的展现，一定要在作者的一度创作基础上对作品进行二度创作。所谓一度创作，是指作者根据自身所处的时代背景、生活经历创作出来的音乐作品[1]。二度创作是指演唱者或演唱团队对音乐作品的演绎，也叫作第二次的形象传达，是在日常生活的基础上对作品内涵进行理解，然后通过表演艺术、视觉艺术、听觉艺术等多个舞台表现手段塑造生动的舞台形象，将作者及表演者的思想情感传递给观众。二度创作不单单是要将乐谱上的记号做出相应的情绪，还应当将自己对作品的独特见解、相关情感予以全面渗透，将作品深层次的内涵予以详细展现，突出与其他作品不一样的艺术个性。

（二）二度创作的意义

让声乐作品“活”起来的唯一方法就是演唱，这样观众也能更直观的感受艺术美。因此，二度创作在声乐表演中尤为关键，其能够将声乐作品中丰富的情感、复杂的涵义充分展现出来，赋予作品生命力，加强作品感染力。由于一度创作无法将作品中蕴含的情感予以有效表现，而通过二度创作，也就是演唱者的演唱，可以让作品中人物的性格特点更突出，让其内涵、思想情感得到完美呈现，从而引发更多观众的情感共鸣。在二度创作过程中，演唱者应将自己的见解、情感以及创作热情进行融入，把声乐表演当做对作品的全新演绎，要充满热忱的对乐曲展开二度创作，丰富作品内容，充实作品情感。

二、声乐表演中二度创作的基本原则

（一）尊重原作，准确表达

在创作声乐作品时，作者将自己的思想感情、意图都融入到了音符与旋律中，因此演唱者在对其进行演唱时，应当以原作为根本，在全面了解作品历史背景、谱面标记与要求的基础上进行演绎。时代背景赋予了声乐作品独特的风格与内涵，演唱者理应尊重并保持这层含义。比如莫扎特时代的音乐作品，结构严谨，大多是古典主义风格，那么演唱者应严格遵守该时期的风格与原则，沿用当时常用的处理方式与演唱风格，不得任意的改变强弱、快慢，更不能随意添加装饰音，一定要根据乐谱上的标记进行演唱。同时声音也要严格控制，不可私自增添滑音。再比如19世纪的浪漫主义音乐作品，表演风格相对来说比较自由化，主观情感表达也十分鲜明。可见，音乐作品与其创作者的时代背景息息相关，演唱者在对其进行二度创作时，要充分考虑作品的历史性，如实表达作品所蕴含的时代特点，在此基础上对作品进行二度创作[2]。当然，演唱者在考虑音乐作品的历史性时，是用现代的眼光与思维去看待的。具体来说，就是历史上的音乐作品放在今天进行演唱，是无法用当时的历史观念进行理解的，演唱者只能用现代审美去理解诠释以往的作品，这样也更容易被现代观众接受。因此，演唱者的二度创作需要在历史风格与时代风格中寻找平衡点，如此才能形成完美的演唱效果。

（二）运用技巧，加强表现

在声乐表演二度创作中，高超的技巧与卓越的舞台表现力相辅相成，缺一不可。对演唱者来说，声乐技巧非常关键，若是没有掌握必要的技巧，是不能完整演唱声乐作品的，谱面上的表情术语更是难以生动呈现。换句话说，如果演唱者未曾掌握气息控制、高位置、空间共鸣等声乐技术，那么二度创作是无法实现的。因此，演唱者需要根据作品的风格特点和表演要求，合理选择、灵活运用歌唱技巧，对多个不同的技巧进行融合应用，塑造独一无二的表演效果。虽然歌唱技巧是声乐表演中不可或缺的一部分，但是它并不是音乐审美的主要目的。所以，演唱者除了要掌握相关歌唱技巧之外，还要具备丰富的舞台表现力。而演唱者要想增强舞台表现力，应当“真听、真看、真感受”。比如歌曲《声声慢》，在唱“梧桐更兼细雨”时，演唱者应将力度降到piano，营造濛濛细雨交错落在梧桐叶上的美好情境，更好的将观众代入其中。所以，只凭借技巧是无法完整表达出作品内涵与魅力的，更不能达到二度创作的目的，还需增添表现力，将声乐技巧与舞台表现力进行有机结合，实现技巧与表现的统一，如此才能将让整个声乐表演变得更有活力，更有艺术张力。

（三）还原真实，创新发展

声乐二度创作其实就是一个创新发展的过程，但创新发展的前提是演唱者要对声乐作品的真实性予以还原，包括作品的主题与内容，遵从事实本身，不可根据自己的想法随意更改，以防脱离实际。对演唱者而言，二度创作是表现自我的活动，是传达自身思想情感、生活经历的重要载体，通过此能够向观众传达作者和自己的情感体验，从而感染观众、吸引观众，激发观众对声乐的兴趣和热情。而二度创作过程中，最关键的点就是演唱者要对声乐作品中蕴含的思想情感进行深入理解领悟，掌握作者想表达的核心，并结合自己的思想将其从谱面上转化到歌声中和舞台上，使其生动形象的呈现在观众眼前，实现声乐表演的创新，推动声乐艺术的发展。比如歌剧《原野》中《啊！我的虎子哥》，声乐表演者在演唱这首歌曲时，以经典的曲式和优美的旋律为基础，融合具有浓厚民族特色的和声，展现爱憎分明、不被传统观念所束缚、勇敢追逐爱情的女主人公形象，并融合运用浪漫、现代、民族等多种表现手法，演绎出丰富、有层次感的音乐作品，形成新颖别致的音乐形象。

三、声乐表演艺术中二度创作的方法

（一）提升演唱者的艺术水平与表演能力

声乐表演艺术的二度创作效果如何很大程度取决于演唱者的自身能力，尤其是演唱者的音色特点、气息调控、音量高低以及咬字吐字准确度等，这些因素对二度创作的结果有着直接重要影响。由于每个演唱者的家庭背景、生活经历、情感体验都不一样，所以在艺术表现上也存在较大差异。换而言之，面对同一首声乐作品，不同的演唱者有不同的理解，演绎效果也大不相同，因此，演唱者要充分发挥自身的优势，在二度创作过程中做到扬长避短，采取最适合自己的表演模式。比如细腻型的演唱者，可优先选择轻柔婉转的歌曲进行二度创作；粗犷型的演唱者，可优先选择大气磅礴的歌曲进行二度创作。二度创作对演唱者有严格要求，因此演唱者应不断提升自身音乐素养，特别是基本功，更是要长期练习，还要多思考、多联想、多观察，从日常生活中获得感悟，并将这些感悟融入二度创作中。任何声乐作品，都要求演唱者对其进行深入全面的了解，包括内容、风格、背景以及思想情感等，在此基础上融入丰富的情感，完美演绎声乐作品。

不仅如此，演唱者除了要学习专业知识之外，还应适当阅读学习其他学科的知识。若是只局限于声乐艺术领域，对外界事物毫不关心，那么演绎出来的音乐势必也是金玉其外败絮其中，而且还会影响与观众之间的互动沟通。著名指挥家阿巴多认为，“对从事音乐工作的人来说，绘画、文学等学科的知识也非常重要。比如，要想看懂马勒的作品就要阅读德国与奥地利文学，像卡夫卡与克莱斯的作品、克列米特与科柯施卡的艺术等。德国艺术与文学中的幻想因素在德国音乐中也有着关键作用。有些时候，我读的书与观赏到的画作之间会产生某种联系，这对我的音乐事业也有不小帮助”。所以，演唱者应延伸拓展自己的学习领域，特别是在演唱外国音乐作品时，可先查阅国外期刊、论文、网站以及相关学术动态，在此基础上进行二度创作，相信效果会事半功倍。

（二）了解并掌握声乐作品的核心内容

演唱者在对声乐作品进行二度创作时，一定要对该作品的核心进行充分了解，尤其是作者、背景、题材以及结构，然后通过优美动听的歌声对其进行诠释表达，客观地再现创造者的意图。同时也要进行深入思考，借助音符与歌词，进入创作者的内心，感受特定历史背景下作者的心理活动。

1.从作者、作品背景入手

音乐史中每一个阶段的人物、作品及其所形成的风格特点都是受到当时的社会、文化与历史背景的影响。演唱者要想对声乐作品进行生动准确的演绎，在二度创作过程中，一定要对原创作者、创作背景以及作品内涵、风格进行详细深入的了解，以此充实自身的艺术修养，保持作品的真实性。比如格鲁克歌剧《奥菲欧与优丽迪茜》中的《世上没有优丽迪茜我怎能活》，根据作者与作品的时代背景特征，演唱者应选择朴素自然的演唱风格，运用古典唱法，保持气息平稳、声音均匀，保留作品的原风格，使其与时代特色相符。

2.从作品题材入手

每个声乐作品都来源于不同的题材，这一点从谱面上无从得知的，需要演唱者自己去了解。目前，声乐作品可表现的题材内容也越来越丰富多元，对作品题材进行分析研究，可作为演唱者二度创作的重要依据。比如，威尔第在创作初期，大部分作品都是以爱国为主的历史题材，包括《那布科》、《麦克白》等，这要求演唱者在演唱时用合理的方式塑造出个性鲜明的爱国英雄形象。在创作中期，威尔第开始向以戏剧内容与人物形象刻画为主的“音乐戏剧”题材发展，包括歌剧《弄臣》、《再见吧，我的生命》等。这需要演唱者调动自身力量，通过戏剧的音色展现人物形象的个性特点。

3.从作品结构入手

通过声乐作品的曲体结构，能够了解作者运用的创作手法和想表达的真实情感。作曲家在创作过程中，选用的调式、和声并非空穴来风，而是有其用意所在。演唱者在二度创作前对其进行分析，有助于准确把握演唱风格。比如歌曲《我亲爱的》，主要有四句，曲式为A、B、A三段体。与诗词朗诵类似，第三句的声调应当上扬、突出，该作品亦是如此，演唱者在唱第三句时，要将“Senza di te”强调出来，且要用不同的语气演唱这四句。

（三）注重肢体语言的配合

发展至今，声乐表演艺术已经不再局限于单纯的听觉艺术，尤其是在跨媒体时代，人们的听觉在获得满足的同时，开始追求其他感官的愉悦感。比如一场小型的室内音乐会，就涉及听觉、视觉、造型艺术以及声光电等技术，可见，适当的肢体动作与面部表情对声乐表演的重要性，能够有效增加声乐表演的丰富性。声乐表演中的声音与动作相互独立又相互依附，所以，在二度创作中，要想形成完美的表演效果，演唱者一定要将声音和肢体动作进行统一协调。比如手势与呼吸，二者的协调一致可以让歌曲的韵律感更加明显，让演唱更加自然，从而提升对观众的吸引力，为观众留下深刻的印象。在日常练习活动中，演唱者还需对声音和动作之间的协调关系展开思考，探究出动作的最佳表现形式。此外，一些舞蹈形式的声乐作品表演，演唱者应合理选择表演姿态，并对演唱间隙姿态的表达效果予以分析，实现合适的姿态表现，通过此带动观众的情感，达到预期的演绎效果。

声乐表演者不仅要负责演唱，还要结合作品内容进行表演。在演唱过程中，演唱者一定要昂首挺胸，同时要让自己的身势动作和演奏曲目和谐共生。比如，对抒情类的声乐作品进行二度创作时，可将手臂缓缓张开；表达愤怒情绪时，可握紧拳头；对风格优雅的歌曲进行二度创作时，演唱者的手部动作幅度要小、要柔和，不得过于夸张，不然会致使动作和曲目不相符，从而让观众对作品情感产生误解。肢体语言的力量是无法估计的，需要声乐表演者长期观看成功声乐舞台表演，并不断练习，思考作品与哪些肢体动作更适配，借此为观众演绎更优秀的声乐作品。