阿塔纳斯·马苏雷夫水彩画创作浅析

2021-11-26张晓辉厦门大学嘉庚学院建筑学院

艺术家 2021年7期

□张晓辉厦门大学嘉庚学院建筑学院

一、阿塔纳斯·马苏雷夫生平及其水彩画创作历史简述

阿塔纳斯·马苏雷夫在1975 年出生于保加利亚的班斯科镇，在他19 岁进入家乡的木雕班学习之前，作为绘画老师的爷爷引导其认识了大自然的美，教他制作各种不同的小泥塑，还试着让他用豆子和小麦去制作艺术品。但他的爷爷并未想过将他培养成为画家，只是启发他，让他去了解美的存在。后来，阿塔纳斯·马苏雷夫偶然看到了早期水彩画大师的画册，由此，他也慢慢地喜欢上了水彩画，并意识到水彩画艺术的精妙之处。早期的水彩画尝试让他领教了水彩画创作技巧上的困难，他甚至认为自己永远不可能掌握好这门艺术语言，于是他开始申请进入艺术学院学习，不幸的是，他接连三次都没有通过。在第三次申请失败后，他决定再也不这样做了。尽管如此，他还是试图加入保加利亚艺术家联盟，他们接受了他，但没过多久，他就意识到艺术家联盟对他并没有多大帮助，他也对艺术联盟不再抱有任何期望。

阿塔纳斯·马苏雷夫选择的是一条独自探索的艺术之路，在这条道路上没有学院的教育，没有教师的引导，也没有任何组织机构的关爱，他自学成才，通过勤学苦练掌握了水彩画创作的种种技巧。不久之后，他开始把自己的作品卖给当地的小画廊，他的那些水彩画作品很快就吸引了人们的注意，作品的销售使他意识到转机的到来。但在他水彩画创作的早期，他非常明确地只做这一件事，不管要付出什么样的代价，甚至有几个月的时间，他都处于生存的边缘，但他还是继续画画，尽管他创作的费用已超出销售作品所得，他从来没有因为没有钱或事情困难而止步不前。按照阿塔纳斯·马苏雷夫的说法，他是在不知不觉间成功的。此后的阿塔纳斯·马苏雷夫成了全球各大水彩画展览上的得奖者或应邀嘉宾，收藏他作品的既有来自全球各地的私人收藏家，也不乏一些美术馆、博物馆等公共机构[1]。他的水彩画创作不仅得到了业内人士的认可，也获得了普通观众的赞扬。

二、阿塔纳斯·马苏雷夫水彩画创作特色

（一）水彩画创作面貌的写实性

阿塔纳斯·马苏雷夫水彩画创作的最大特色就是作品面貌的写实性，这种写实首先体现在他的创作手法上。与当下许多写实性绘画创作者利用高清照片进行创作所不同的是，阿塔纳斯·马苏雷夫坚持面对实物实景进行创作，这一点就如同美国绘画大师安德鲁·怀斯，他们都是生活在自己的家乡，他们所描绘的也都是与家乡有关的事物与景色，且他们都坚持面对实物进行写生创作。这种写实性就明显区别于通过照片进行创作的那种写实，后者所产生的画作因为照片的加入已在无形中对原本实物的真实性进行了一定的转化或扭曲，因为照片所呈现出来的色彩与层次乃至于细节的丰富性都会与实物有一些差别，借此而创作出来的画作难免与客观实物之间产生隔膜。

而阿塔纳斯·马苏雷夫的写实性创作则是建立在一种身临其境的真实感受的基础之上的，他选择的是一条更为艰难的写实之路。为了准确传达出画面景色的真实性，他每天坚持散步，花时间观察每天变幻莫测的光线，看不同时间物体所产生投影的不同形状。他的写实性画面就是通过这种看似笨拙、低效的实地感受一点点建立起来的。他的这一作画习惯也像极了印象派画家——莫奈，阿塔纳斯·马苏雷夫也会选择在同一地点写生两幅不同的画面，一幅是在晴天，而另一幅则选择在雨天。这种专注力是非凡的，而阿塔纳斯·马苏雷夫之所以能够做到，按照他自己的说法则是，创作时要与你所画的东西融合在一起，成为它的一部分，进而屏蔽周遭的世界，以进入一种高度集中的状态。在这样的时刻，他听不到声音，也没有饥饿感，当他从这种状态出来，回到现实时，他才感受到过去几个小时里因为持续一个姿势或动作而导致的身体上的疼痛。这种创作状态就如同中国古人阐述的“天人合一”的境界，他所追求的写实性不仅仅是事物表面上的相像，更为重要的是，他要通过水彩画创作去抵达事物原本的真实。为此，他经常通过触摸物体去感受它们，有时他观察一处风景很长一段时间后才开始作画，作画的过程也通常耗时许久，在一些他不满意的细节处理上，他往往会花上很长的时间去认真打磨，直至自己满意为止。而这样的画面细节在常人眼里其实是被忽略的，但他的内心对真实本身有着一种近于宗教般的虔诚精神，这一点难免会让我们想到文艺复兴时期的北欧画家阿尔布雷特·丢勒，他笔下的那些水彩画，无论对动物、鸟类还是对植物的描绘都纤毫毕现。

（二）水彩画创作题材的广泛性

阿塔纳斯·马苏雷夫水彩画创作的题材极为广泛，其中包括人物、建筑、风景、静物等，可谓囊括了水彩画创作的各种题材。然而，他却能将这些不同的题材展现出一致的精巧，这所需耗费的精力是不可低估的。而创作题材的广泛性也在无形之中提升了阿塔纳斯·马苏雷夫水彩画创作的整体水平，因为不同题材的创作要求创作者掌握更多更全面的技巧内容，这就如同慢跑，它所带动的绝非局部肌肉组织的运动，长距离的慢跑需要身体各个部位的灵活配合，这势必使得慢跑者的身体素质在整体上得到一定的提升。

最早吸引笔者的是他的水彩人物画，创作于2005 年的《人体》，画的是他爱人的背面，画中虽看不到五官的刻画，仅是简单的女性人体背面呈现，但光影关系的精妙表达及对头发细致入微的描绘足以令我们驻足凝视许久。而创作于2014年的《等待》则描绘的是夜间烛光下爱人的肖像，利用水彩表现夜景的画作并不多见，而夜间的人物肖像画就更显得难得了，阿塔纳斯·马苏雷夫似乎是受到了17 世纪法国画家乔治·德·拉图尔的《油灯前的抹大拉·玛丽亚》启发，画面的光源由烛光发出，整个画面的视觉中心被引导在人物的胸部与面部。类似的光源处理还出现在他的《胎记》《梦中》等作品中，这种独特的画面效果与大胆的选材令人印象深刻。除此之外，他的水彩人物画《清晨咖啡》《阅读》《夏日》等表现的都是女性人物的背面画像，简洁的画面构图与静谧的画面气息都使得我们联想到生于19 世纪的丹麦画家威尔汉姆·哈默修伊，他们利用微妙的室内光线将各自的爱人描绘得沉静如海。阿塔纳斯·马苏雷夫的模特都是他的亲友，比如，他曾多次画过自己的祖母，《智慧》所描绘的就是他年过古稀的外祖母，深色的画面背景使老人沧桑的面容更为凸显，除却岁月无情的痕迹，闪亮依旧的双眸映出了祖母久经历练的智慧之光。与此对应的是，他对少年儿童的形象也有一定的兴趣，他创作于2017 年的作品《伊瓦》就是以一名年幼的女童为模特进行创作的，画面中的女童双眼硕大，明亮的眼睛中映出远处的窗，就仿佛是对光明未来的无限遐想，而渐变有序的隐没背景则更烘托出了伊瓦的主体形象。

（三）水彩画创作手法的多样性

阿塔纳斯·马苏雷夫之所以用水彩媒介进行创作，原因就在于它的多样化，水彩画面既可以表现出轻盈透彻，又可以传达出厚重沉稳，水彩画面效果的丰富性是建立在对水彩工具的熟悉及对水彩画创作技法的娴熟这一基础之上的。自学成才的阿塔纳斯·马苏雷夫并未受到传统艺术学院的刻板影响，他用水彩画创作的手法显得多种多样，并不将自己局限于某一特定的水彩画技法领域。

他创作于2020 年的作品《雾中清晨》，呈现的是一处坐落于清晨薄雾中的老旧房屋，房屋后的雾中景象以湿画法传达出朦胧、清冷之感，主体建筑则通过叠加法塑造得极为细致可感，而近景面积广大的草地则是混合了多种创作手法绘制而成的，整幅画细致却不拘泥，低调而不灰暗，他以多样的创作手法使得画面整体显得和谐统一。阿塔纳斯·马苏雷夫除了自己日常的艺术创作，还是IMWA（国际水彩大师联盟）的成员之一，因此偶尔也会在不同国家开展一些水彩画创作的“大师课”，他在课上的一些写生静物画有别于他自己的日常创作，多了几分轻松与活泼，其具体手法和法国画家马奈的水彩画极为相像，画面所用到的技法基本上只有干画法，但效果却丝毫不显古板。

（四）水彩画创作氛围的诗意性

如果阿塔纳斯·马苏雷夫的水彩画创作仅做到了以上三点，那么他或许还不会被人们视为水彩画大师。艺术的精髓并不只在于技巧的精妙展现，关键还在于艺术家内心情感的准确表达。而阿塔纳斯·马苏雷夫则是两者兼备，不但他的水彩画创作的技巧令人敬佩，他的作品还在氛围烘托上极富诗意气息。他的早期作品《南瓜》尺寸不大，画中仅有一个置于地面的大南瓜，在乡间阳光的照耀下显得熠熠生辉，南瓜表皮上的擦痕与点滴污渍被传达得精妙准确，再加之朴素的墙面与污地，整个画面仿佛就是对保加利亚乡间生活的一种歌咏或致敬。