中国花鸟画的时代精神

王文慧

摘 要：中国花鸟画受传统文化的影响，历经千年的发展，蕴含着极为丰富的中国艺术精神。无论哪个时代的艺术家对作品与时代的融合都十分重视，利用世间万物表达自身的真情实感，表现物我两忘的统一境界，从而推动艺术创作与时代的发展。人们崇尚自然的理念也通过花鸟画得以体现，通过简单的一花一鸟、一草一木反映强大勃发的生命力，用微小的事物传递对生命的追求，与此同时又将作品与时代联系起来，使作品不断上升至新的艺术高度。因此，研究花鸟画的时代精神，对于进一步继承与创新花鸟画的精神内涵，推动花鸟画的发展具有重要作用。

关键词：花鸟画;时代精神;中国画

当今社会处于商品经济高速发展的时期，商品画市场蓬勃发展。然而，这种商业化的运作方式使书画市场有了明显的功利目标，从而忽视了中国书画的精神意义和其中蕴藏的根本内涵。在中西方文化的冲击下，中国画的发展受到了巨大的影响。一方面，绘画作为文化的重要组成部分，能够适当地反映当时生产力的发展水平;另一方面，绘画作为一种艺术表现形式，描述自然特征和社会现象更加直观。中国花鸟画是一种体现时代活力和时代发展状况的绘画艺术，画面中呈现的一切花草鸟兽，都具有鲜活的生命力。因此，站在时代的角度，对中华传统花鸟画作进一步探究，挖掘中国花鸟画的文化精神内涵，探索其丰富的气韵和意境，对当代人进一步继承与发展花鸟画有着深远的影响。

一、花鸟画的时代精神

花鸟画在漫长的发展历程中，从写实走向写意，这种变化的原因是极其复杂的。花鸟画有着多种多样的形式，但如果绘画的审美学与时代精神背道而驰，绘画可能就难以发展下去。“笔墨当随时代”，这是石涛针对当时被摹古风气笼罩着的沉闷画坛做出的评判，花鸟画的创作也应当遵循这一原则。花鸟画通过对花、植物和动物的描绘，表达人类的情感。无论是传统题材还是现代题材，花鸟画都必须在新的时代环境中展现新的时代精神和艺术情感。

（一）画家与社会生活

在绘画艺术中，画家大部分的灵感来源于所处的生活环境与周围的细小事物，这反映着人与时代的关系。

中国花鸟画的发展伴随中华文明的发展进程。花鸟鱼虫以绘画的形式出现，最早可追溯到新石器时代彩陶之上的纹饰。当时的环境比较恶劣，生产力水平也比较落后，但绘画在陶器和青铜器上的表现却是栩栩如生。唐代的花鸟画独立成科，主要为了迎合宫廷贵族的趣味，画于屏风与团扇上作为装饰;五代是中国花鸟画迈向鼎盛的关键时期，这一时期出现了花鸟画发展史上的重要画家——黄筌与徐熙，他们代表着花鸟画的两大艺术流派，画史上称之为“黄家富贵、徐熙野逸”;宋代的花鸟画升华了当时的艺术，宋代小品的兴盛与当时的政治、经济、文化和思想密切相关，而受花鸟画的影响，宋代小品更加讲究意境和笔墨，在有限的事物中观照着画外的无穷意境，反映着当时的时代气息和社会状态;元代花鸟画的象征功能进一步增强，逐渐具有人文情趣;明代统治者从民间网罗职业美术家和艺术家，使其创作符合贵族趣味的艺术品，发挥宫廷美术政治教化的职能。宫廷绘画的主要成就就是花鸟画，既继承宋代院画传统又有所变化。明代中叶，资本主义萌芽，市民文化与市民审美意识逐渐生长。明末，欧洲商人和传教士来华，带来西方的美术作品，打开了国人的眼界，促进了中西画法的对比与融合。清代随着市民阶级兴起，花鸟画渐渐从自娱到娱人，审美向市民靠拢，绘画风格转向夸张奔放。

唐代画家张璪所提出“外师造化，中得心源”的观点，强调艺术家的创作不仅要以大自然为师，更要从现实事物中提取自己所需要的创作素材，使得画面有强大的支撑。花鸟的取材有很大的局限性，因花卉植物会随着季节的更迭而变化，甚至有些花的花期十分短暂，花卉不像自然山川湖泊，只有时令的变化。因此要想使画面体现出时代感，深入生活是必不可少的。清初画家石涛提出的“笔墨当随时代”“搜尽奇峰打草稿”正是时代对艺术创作提出的最基本的要求。每个时代都有新的产物出现，因此笔墨当随时代的发展而发展。传统固然值得学习，如清代的“扬州八怪”对花鸟笔墨的发展作出了重要贡献，但如果持续学习“扬州八怪”的绘画技法，中国花鸟画必然会陷入“闭环”。20世纪的林风眠，巧妙地运用“中西融合”，将西方的色彩表现与我国传统的造型进行融合，使之共同作用于画面，为中国花鸟画注入新的血液。

花鸟画的时代精神通常体现在作品内容与艺术形式的结合中。花鸟作品的时代精神，不是随心所欲的胡涂乱抹，也不是异想天开的随意构思，更不是舍弃传统的盲目创新，更不会是东拼西凑的“土洋”结合。它是具有极高艺术素养的画家，用广博的文化学识、专业的理论知识，基于對社会生活的深刻体会所构建的精神家园。

（二）审丑与审美

在西方意识中，美丑是大相径庭的。美是纯洁的，而丑陋是逆境和邪恶的化身，往往代表着灾难和邪恶等一些不美好的事物。与西方不同，中国在美丑相依的文化背景下，出现了许多不完美但极其受欢迎的艺术形象，并且这些形象经久不衰。中国古典美学并没有像西方那样把美和丑对立起来，而是认为美与丑是一个整体，二者不可分割，并且相互渗透。

夏商周时期，人们使用的器皿、建筑上常有饕餮之类狰狞丑陋的怪兽纹案，之后的许多文人画家也喜爱画枯树怪石。与西方执着追求精确的概念不同，中国古代更强调感性与直觉。先秦以来，中国的美丑观就不依附于事物的外表，而是以道德的高低来判断。中国对于美丑和善恶一直是以辩证的态度看待，这就是庄子一直强调的“自然天成”的平衡之美。中国美学从自然与社会的角度肯定了丑的独立性，并形成了求真、豁达、包容的美丑观。以苏轼为例，他用高大的枯木、参差不齐的奇石来表达自己对生命“也无风雨也无晴”的情感，用危险和奇异的事物来表达自己的内心。

中国花鸟画在发展的过程中，形成了独特的美学特征。从长期的发展来看，花鸟画在不断地丰富和完善。因为受到“天人合一”思想的影响，中国人历来非常重视人与自然的和谐，人们可以从大自然中得到身心的放松和审美的愉悦。甚至可以说，中国人的生活方式影响了人们对于书画艺术的审美水平与欣赏趣味。

“登山则情满于山，观海则意溢于海。”也就是说，创作者应该将自己的主观感受与审美对象融合，把内心情感转移到自然中。人们的审美走向基于对自然的向往和热爱，正是这种向往和热爱，使他们孜孜不倦地深入大自然，用真实的面貌和情感描绘大自然，从而表现大自然内外合一的美。

（三）从写实到写意

花鸟画是一种较为复杂的绘画艺术，它具备独特的审美视角。从写实到写意，花鸟画的主题随着社会时代的发展而变化。北宋《宣和画谱·花鸟叙论》云：“绘事之妙，多寓兴于此，与诗人相表里焉。”由此可见花鸟画能够提升人们的审美享受，并且能培养观者的气质。因此，无论是风格娟秀雅丽的写实工笔画，还是潇洒清逸的写意花鸟画，都要保留独特的民族性和时代性，体现中国的艺术精神。

花鸟画在魏晋以前处于萌芽时期，到了隋唐逐渐被人们重视，愈发成熟。画面造型准确严谨，是唐代花鸟画的审美取向。许多画家创作态度严谨，对创作形象进行仔细分解研究，充分把握其生长规律;在笔法上讲究工整细腻，具有严谨的写实态度与较娴熟的写实技巧，同时具备较高的文化内涵。此时较为优秀的画家如边鸾、薛稷等。

从晚唐到宋元，花鸟画开始注重主体精神的描写。宋代花鸟画追求“气韵生动”，并认为韵味与人品修养有密切的关联，尚意的审美心态在艺术创作和欣赏中开始占据主导地位。此时的画家喜爱水墨写意，不再追求对自然事物极其细微的描写，而是追求有感而发，托物言志。

元代提倡“以书入画”，对笔墨非常重视，笔墨成为评判绘画质量的重要标准。因此水墨花鸟成了士大夫直抒胸臆的主要题材，追求“似于不似之間”成为当时的审美时尚。“吴门画派”的崛起极具代表性，他们有较高的文学修养，注重意趣，精通笔墨，刚柔并济、素朴雅致、秀外慧显成为他们花鸟画的普遍特点。明代中叶之后，人文主义的意识逐渐增强。花鸟画的创作将笔墨情趣放在首位，不拘泥于形似，而是更加注重主观情感的表达，开始强调“书画同源”的美感。清代是商业贸易蓬勃发展的时期，“扬州八怪”是代表扬州画坛新风的一批画家，他们大多出身贫寒、生活清苦，通过书画宣泄内心压抑的情感，打破成法约束，解放个性，既发展自我、张扬个性，又反映时代变化。

随着时代的发展，中国花鸟画有了新的内容、形式和内涵。创作者不再仅仅只是关注审美对象的形态和色彩，而是更加注重审美主体的精神内涵美学，这一巨大的转变无疑是经历了一个漫长又曲折的发展过程。在这个过程中，花鸟画充分地发挥了自我表现和张扬个性的特性，从而逐步具有了独特的风格和审美趣味。

二、花鸟画精神的传承与创新

花鸟画发展至今，已经有了自己独特的发展体系和精神意义。中华文化千年的历史积淀，使花鸟画具有独特的艺术价值与丰富的精神内涵。每个时期、每个朝代的画家在自身情感表达方面都在不断进步，基于以往的经验，技法愈加成熟，技艺也越来高超，与时代的发展也愈加契合，使花鸟画的精神得以传承。花鸟画的历史地位独特，在艺术史上无可替代。它所具有的精神风貌值得世代传承，其独特的文化也是促进中华民族品格发展的重要力量。

随着时代的进步和发展，新科技不断涌现，绘画的形式和技法也会越来越多样，冲击人们的视觉。因此，艺术家要不断反省自己的创作理念。如果一味守旧而不去突破传统，勇于创新，将会失去创作的活力，艺术的生命力也会消失殆尽。时代在变化，人类对于美的追求也不会止步不前，因而艺术要跟上时代的步伐，勇于突破、敢于创新。

参考文献：

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作者单位：

山西师范大学