当代中国画不能丢失的灵魂：写意性

中国画不是单纯的停留在物像的层面，是画家在宣纸上用笔墨抒发情感的绘画形式。它是建立在画家对传统文化、时代精神和自然物象深入观察基础上的，追求的是“天人合一”的至高境界;它是一种思维意识和审美想象。

中国画的形成和发展，已伴随中华民族走过五千年的悠长岁月。古老的民族，灿烂的文化，孕育出了独特而伟大的艺术。它具有独特的民族基因，特有的表现手法、艺术魅力和哲学思考。中国画不是单纯的停留在物像的层面，是画家在宣纸上用笔墨抒发情感的繪画形式。它是建立在画家对传统文化、时代精神和自然物象深人观察基础上的，追求的是“天人合一”的至高境界;它是一种思维意识和审美想象。

所以我们说“写意性”其实就是中国绘画艺术审美意识物化形态的特征，写意是中国画的精神内核。“写意词最早出现于《战国策.赵策二》“忠可以写意，信可以远期”，解释为“公开地表达心意”。从先秦至隋唐的岩画、彩陶描画、青铜图案的刻画，到后来的绢和宣纸的创作，“写意”脉在历史中传承，不断超越。唐代就有泼墨山水，宋代的梁楷成为泼墨人物画的代表，但中国画的写意概念正式出现是从元代开始，元代夏文彦《图绘宝鉴.卷三》曾记载：“以墨晕作梅，如花影然，别出一家，所谓写意者也”。在明代以后，写意被视为笔墨形式，用墨的干、润、浓、淡、焦、积、宿、破，皆可以通过表象，传达不同的形式美感和笔墨情趣。明清徐渭、八大山人的出现，代表了写意的巅峰时期，从那时起，中国艺术就基本走上了写意的道路，能够立得住脚的艺术大师如李苦禅、齐柏石、吴昌硕、黄宾虹等等也都是写意画家。历代画家对写意都有自身的感悟：王维有“意在笔先”的说法;顾恺之作画“虽笔不周而意周”“意存笔先，画尽意在”;欧阳修做出“心意既得形骸忘”“古画画意不画形”的诗句;白居易画竹“不从根生从意生”;苏东坡论吴道子画乃“出新意于法度之中”，可见写意贯穿了中国画的发展始终。

单从字面上来理解“写意”，可分为“写”和“意”。中国画是写出来的，而不是涂出来描出来的。意是一种哲学思考，表达一种意境和情绪，画因此而鲜活，具有生命的活力。

“写”最早出现于书法里，古人云：好的中国画是“写”出来的，不是画出来的。真正的中国画用笔要有顿挫、提按、快慢、千湿、浓淡的力度感、节奏感和书写韵味，充满辩证规律和阴阳相生的哲学道理。“清末海派四杰”之吴昌硕不光是一个书法家，他的画也是写出来，每一根线条都带有金石气，有着浓烈的篆书意味。“扬州八怪”之代表人物郑板桥学四书体，然后融汇自创六分半书，所以画的一手骨力雄劲的好竹。六法中的“骨力用笔”也是对于“写”的进一步阐释。骨法用笔，说白了也就是以书法的笔法入画，书法好了，线条才会好;线条好了，才叫有骨力。所以说“书画同源”，画家首先得练得一手好字，要会“写”;要灵活运用书法的线条，如用草书的线条写藤蔓，用篆隶的笔法画山石等等。时常看见古玩城有所谓的大师画熊猫，用小笔机械运动涂抹画毛，只有匠气、俗气而毫无生机。宋庄画家村很多匠人在起好的稿子上，分工描画，把绘画当成了涂涂画画的生产流水线。中国画中若没有好的线条，而徒有匠人精神，就无法支撑整个灵魂，或沦为墨猪，或陷入媚俗，成为乖甜的工艺品。

中国画是“写心的艺术”，形固然重要，但意是形的“升华”，是“似与不似之间”的韵味。画写意画要“得意忘形”。“意”可分为三个层次：一指画家主观意图和情思，二指神韵和意趣，三是构建的意境，即画外之意。“意境的表达”取决于画家的学识涵养，以及画家对外物的感知、哲学思考等诸多方面的内容。比如观李唐的《万壑松风图》，你似乎可以听到山涧潺潺的流水声和风呼啸过松林的乐章;赏范宽的《溪山行旅图》，你可以感受到山之雄浑气息;品齐白石画中的人物和花鸟虫鱼，无一不带着田园的诗情画意和盎然生机。而朱耷在作品里安放了他颠沛流离的苦闷和孤独的灵魂，用笔洗练，墨点无多泪点多，那些翻白眼的鱼无声诉说着亡国悲愤……这些都表达了画家对生活、对社会的看法和内心的真实感受。“意”既是中国绘画的绘画观，又是创作方法。在画写意画之前，首先就是立意，意在笔先，才能胸有成竹。意又分为形式上对笔墨的把控和美学层次上的意趣。点线用笔的刚柔虚实之美，每一点每一条线都表达了意念，画家物我交融的感情往往就是从各种笔意中流淌出来。

墨之五彩，用水用色的枯润浓淡也在节奏中传达出悠扬的气韵。画家借助于梅、兰、竹、菊、葫芦、仙鹤的习惯寓意来比喻人的节气情操和祥瑞。“意”在中国文人画中达到了极致，文人画的核心是心境，写心中之境，画外之意。其实西方大师毕加索对中国文化艺术格外推崇。他喜欢齐白石的作品，叹其寥寥几笔便能做到神似。齐舶石的作品，水中的鱼，没用点色，也没有画水，却使人看到江河，嗅到了水的清香。大象，无形;妙，不可言。想象的空间是最美的意境。谢赫《画品》的六法之“气韵生动”也是讲“意”的幅画有生气、有节奏、有韵律感，便有了气韵，有了生命的张力，含不尽之意于言外。元代杨维桢也曾说道：“故论画之高下者，有传形，有传神。传神者，气韵生动是也。”

写意性是中国画的灵魂，具有核心价值一这是很多艺术家所认同的，但在当代，因为历史或是社会、个人的种种原因，这种精神却无法摆脱日渐式微的命运。用线条、水墨、情感、写意等传统元素创作的国画作品越来越少，传统的点、线、皴、擦、染等技法也被素描的明暗关系所取代。典型的印证就是全国美展中入选和获奖的作品，大多都是大尺幅精雕细琢、反复描摹、精心设计的有着现代构成的工艺品，寥寥数笔的大写意画几近销声匿迹。甚至有人笑谈石涛、八大、青藤估计也很难在全国美展入选获奖了。

全国美展入选的工笔画太多，写意画太少，直接原因在于愿意“走弯路”画写意和能把写意画画出意趣的人太少了，而工笔画人门的门槛又太低。追其社会根源就是太多的人急功近利，心态浮躁，没有潜心修行的耐心，不愿意花大量的时间精力来从小锤炼笔墨，练基本功，也不愿花功夫在诗词、歌赋、书法、篆刻上面，更不会用阅历感悟来写意心神，提升格调和文化底蕴而且现在的艺术教育，考的是素描和色彩，对传统文化、书法这些都不要求。学的也是西画系统，外来的土壤怎么能发出“写意”的新芽呢？其次，大众能欣赏写意画的也不多，特别是新生代的年轻人都觉得工笔画得像、画的美，根本不懂什么是意境、什么是气韵;就连国展的专业评委，也觉得尺幅大、制作精美、设计感强、画的越多越饱满的作品没有辛劳，也有苦劳，值得人展，因而“草草几笔”的大写意画就几乎无人问津了。

在这样的现状下，重提中国文化精神内涵，让中国写意画在一定高度上回归传统，找回中国画的文脉就成为当下画坛最重要的一个课题。

首先，要做到的是“立中承西”和“立今承古”。写意画在中国有着几千年的文化根基，在当今时代同样也有着文化发展惯性，我们可以借鉴融合西方艺术的一些表现形式中，但要清醒保持原有的精神内核。有人说“笔墨当随时代”，绘画艺术要创新，但是只有在传统的基础上“推除出新”，才会有蓬勃的生机。其次，要树立文化自信，练好“画外功”。从传统国学中汲取养分，注重培养文化修养，书法基础、笔墨根基乃至哲学思考，让全民了解写意画，用“一带一路”让世界了解写意精神。

写意性是中国画的灵魂，写意画在历史上书写了无比璀璨的篇章，而当下中国的画坛，却面临中国画写意性式微的尴尬。创新和与时俱进不可厚非，但底线是要保持文化的自信。写意的文脉应当传承下去，老祖宗的东西不能丢。我们需静下心来，忘却功利、练好内功，提升修养与内涵，寻觅“内美”的境界，追求“真”“朴”“简”的高古，师古人之长，补今人之短，让写意画在当代开出更加绚烂的花朵，开启一个新的写意时代。

周巧旻

四川省电视艺术家协会会员、巴蜀书画院会员、四川省青年摄影家协会会员、四川省美协会员、武侯区美协理事、浓园签约画师、中级美术师、设计师、四川电视台员工。