学习巴赫复调音乐对现代钢琴学习的重要性

葛怡君

摘要：随着现在物质生活的发展，人们对个人的精神需求也日益提高。选择钢琴作为课外功课学习的人越来越多，但是要将钢琴弹好并不是一件容易的事情。除了过硬的基本功做基础外，还需要良好的乐感，对乐曲的理解能力、表现能力等，以达到最终对听觉美的需求。在当代的音乐教育实践中，巴赫的复调音乐对钢琴学子来说是一门必修课。本文将通过对巴赫《十二平均律》BWV846进行研究，使学习者更能了解巴赫，学习弹奏巴赫的作品，通过巴赫的作品培养一些必要的技术和感情基础。

关键词：巴赫   钢琴   复调音乐

中图分类号：J605                   文献标识码：A                    文章编号：1008-3359（2020）08-0106-02

巴洛克风格指的是欧洲的一种建筑、绘画、音乐等艺术风格，是受到文艺复兴运动的冲击后的一种较为新潮的文化现象。巴洛克风格于16世纪最早产生，在18世纪发展到了顶峰。“巴洛克”一词来源于意大利语Baroque，也有人认为它是由葡萄牙语Barroco演变而来，意思是不规则的珍珠。在当时的欧洲社会，艺术主要是为上层社会服务，为了迎合他们的审美趣味，巴洛克艺术风格整体上呈现出宏大奢华且富有戏剧色彩的特点。古典主义认为巴洛克一词是对文艺复兴的一种轻蔑和挑战，同时还认为这种艺术并没有积极性。但就目前来说，人们对巴洛克音乐逐渐接受，认为它不仅仅是一个独特的艺术形式，而且还影响着其他音乐艺术的发展。巴洛克音乐中有着艺术家的灵魂，他们通过一定的写作手法来将自己的想法得以表达。在中世纪，人们普遍采用纽姆谱的记谱方式，这种记谱法不能记录音具体的高低以及长短。但是经过一些音乐家的改良，到了巴洛克时期，人们已经可以用较为科学的方法记谱，也正是得益于此，许多优秀的音乐作品不断涌现。

约翰·塞巴斯蒂安·巴赫于1685年出生于德国的一个音乐世家。受到家族的音乐氛围的不断熏陶，巴赫爱上了音乐。在巴赫中学毕业后，他就开始了音乐生涯，曾担任过多处的教堂和宫廷的乐师和管风琴师。在他的一生中，创造了许多优秀的作品，包括但不限于钢琴曲、管风琴曲、声乐曲等体裁。在他的这些音乐中，风格较为多变，但总体来说是深沉的，内在的，既充满着高度的逻辑性，又具有内在的哲理性，具有一定的哲学意义。他的音乐中有着极其丰富的生活感受，生活给予他太多的苦难，但是他仍然认为一个人需要有崇高的信念和坚强的意志以及自我牺牲的精神。巴赫的《十二平均律》上卷写于科滕时期，即1717年到1723年间，被誉为“键盘乐的旧约圣经”。而BWV846则是其中的一首，它展现出了巴赫高超的写作技术，这首曲子的赋格极富歌唱性，被人们广为流传弹奏。而其弹奏的方法也可以举一反三，借鉴到其同类型曲子的演奏练习之中。

一、突出练习声部的层次

在一般的钢琴乐谱布局和人们对乐谱的理解和演奏过程中，相对于右手而言，人们更偏向于减轻左手的下键力度。一是因为左手的运动机能比右手稍弱一点，二是在我们常见的曲子的结构中，左手一般作为右手的伴奏声部与主旋律应和着主旋律出现。但是当弹奏这首曲子的时候并非如此，这首曲子是四个声部，每个声部各自独立却又相互融合。巴赫的音乐强调手指的独立性，强调音乐的声部感。在进行这首曲目的演奏的时候，需要演奏者注意各声部的层次感，在一个声部出来的时候需要选择正确的下键方式进行突出。这首赋格由中声部开始，依次加入上声部，次中声部和低声部，这其中的声部之间音不能太过粘连，也不可以太过独立。若是过于粘连，音乐效果會感觉拖泥带水，使听众昏昏欲睡，若是太过独立，则没有协和感，这就需要每个声部相互配合，达到一种听觉上“和”，才能起到良好的演奏效果。在练习这首曲子之前，需要演奏者在开始弹奏之前先清楚各个声部间的关系，进行各个声部的独立训练，理清声部之间的问题，如若还不明朗，可以采取查阅文献的方式进行学习以便于增强对这首曲子的理解感受。

二、锻炼音乐的线条感

音乐是由音乐线条组成的，音乐旋律的发展不可以缺少音乐线条。也正是因为线条的存在，音乐才能出现它的旋律发展，使听众更能理解旋律的走向以及情感的表达。巴赫音乐的一大特点就是线条感。与浪漫时期乐曲线条的处理不同，巴赫的曲子线条应是在宏观印象和整体风格的完整。在巴赫的BWV846的赋格曲中，它的旋律轻柔，宽广流畅，富有歌唱性。所以在弹奏前，需要对音乐线条在脑中进行设计，思考如何才能够使音乐表现的流动且充满美感。在进行演奏时不仅仅要注意主题的突出，更要注重其他声部的衬托。这需要演奏者勤听大师录音，仔细感受作品里的线条变化，理解各个声部的模仿和交替，体会声音的变化处理，培养多声部听觉能力。除此之外，演奏者还需具备良好的对音乐的控制感，正确控制音乐线条中的渐快与减慢，切忌忽快忽慢，以使整个音乐作品流动而富有生机且可以得到听觉上的美感。

三、锻炼演奏者对下键力度的控制

受到当时的音乐条件限制，这首赋格的表现进行并不很明显。但是这首曲子的主题一共出现了24次，如果不将力度做出任何变化，那么整个乐曲无论是对演奏者还是听众都是索然无味的。因此，演奏者还需思考如何安排力度的变化的问题。在赋格第一小节和第十四小节开始时候，主题可以选择稍弱的力度进入，随后根据需要进行不同的安排。这需要演奏者对这首乐曲有一个大致的了解和整体的安排，也需要演奏者不断锻炼自身手中内在的力度，着重练习对各个声部的处理的控制力，通过细微的力度变化展现所需要的情感表达要素。在正式练习这首曲子之前，演奏者可以做一些帮助控制手指的练习，认真体会不同的下键力度所带来的听觉上的变化，熟练进行不同力度的转换。

四、稳定速度和节奏

在演奏任何作品时候首先注意对节奏和速度的整体把控对演奏者来说是一种良好的习惯。在不同时期，人们对节奏和速度的要求不同。而巴赫的曲子一般节奏和速度基本要求是尽量保持平稳的状态。且按照当时的钢琴条件的制约以及大众的生活节奏情况来推论，这首赋格的速度一定不是过快的且全曲应处于一种基本节奏之中。在进行弹奏练习的时候，需要静下心来尽可能稳住拍子，尽量保持音乐在一个匀速运动的拍点上。但是到最后的结尾，可以根据所需要的表达要求来设计合适的拉宽处理，以达到听觉上的完整感及美感。但是需要注意的是结尾不宜过分拉宽，过分拉宽在听觉上会感受到不和谐，显得曲子拖泥带水，毫无生气。

五、锻炼触键感觉

在巴赫的年代，古钢琴作为一种潮流乐器盛行。由于古钢琴在制作时候的材料和制作工艺与现代钢琴的不同，而且在现代社会，现代钢琴基本替代了古钢琴成为了人们日常常用的练习乐器。因为现代钢琴在触键以及音色更加顺应时代的发展人们听觉审美的需要，使得古钢琴渐渐没入历史的尘埃中。但也正是因为如此，没有好的实物参照造成了许多演奏者对古钢琴的构造以及音色的不了解且对其弹奏效果不明确，在触键时完全按照平常的乐曲来进行下键处理，这样是十分错误的。对于这首赋格曲而言，正确的处理弹奏效果应该是深沉如歌的。這要求演奏者需要充分使用手指尖的力量，触键必须结实有力，正确练习和运用连音奏法。

六、结语

巴赫是巴洛克时期的天才艺术家，《十二平均律》更是人类艺术的瑰宝。有人说过：“巴赫音乐中的多声思维，无与伦比的结构，激发人对控制和张力的兴趣：巴赫音乐近乎神学的语言，一部精神启示录。使人类对内在力量赋予更多的憧憬”。巴赫对十二平均律的完美使用，不仅对于后世的音乐创作具有重要的借鉴意义，也为钢琴学习者提供了完美的练习范本，受到了音乐界极大的重视。在练习的过程中，演奏者需要多方面进行练习协调，对于一首曲子的演奏不仅需要手指上的功夫还需要听觉上的敏感。二者相互结合，可以使音乐更具有美感，使人们对弹奏出来的音乐拥有更深刻的共鸣。长此以往，演奏者会对此类型的曲目拥有较好的演奏方法，而这种演奏方式还可以运用到其他相似的曲目中，获得较好的演奏效果。

参考文献：

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